Avertissement au lecteur destiné à éviter tout courrier outré : le contenu du film pouvant poser trop de questions, intéressantes mais un peu précoces, aux plus jeunes ¹ et choquer les âmes les plus sensibles ², merci de ne pas poursuivre cette lecture si vous faites partie de l’une ou l’autre de ces catégories. Pour les autres, enjoyez.

Père, voire dieu, de la bande dessinée au Japon, l’influence de Tezuka est gigantesque. Mais, ironie de l’histoire, s’il a connu le succès grâce au manga (et à ses personnages d’Astro Boy ou du Roi Léo), ce médium n’a jamais pu le combler comme l’animation, qui lui procurera pourtant ses plus grands échecs.

Emerveillé par les dessins animés de Walt Disney ³ qu’il a vus des centaines de fois, Tezuka n’a eu de cesse de rivaliser avec son modèle. C’est ainsi qu’il lancera en 1961 Mushi Production, son propre studio d’animation, financé par l’argent tiré de ses mangas.

Mushi Production se place alors en concurrence directe avec le géant Toei Animation  ⁴ avec des animés spécialement conçus pour la télévision. Le succès est colossal avec l’adaptation d’Astro Boy (Astro le petit robot en français), diffusée en 1963 et regardée, à son apogée, par près de la moitié de la population japonaise équipée d’un poste de télévision ! Astro Boy sera de plus la première série animée diffusée hors du Japon ⁵.

Cependant le rythme de diffusion à la télé (près de 200 épisodes en trois ans) impose de sévères contraintes, dont l’utilisation du procédé d’animation limitée  ⁶. Impossible donc de rivaliser avec la qualité des longs métrages de la Toei, ce qui frustre Tezuka.

D’où son idée de se lancer dans un projet plus ambitieux : la trilogie Animerama (contraction typiquement japonaise d’anime, cinema et drama) dont le but est de s’adresser, pour la première fois, à un public adulte.

En 1969 sort ainsi le premier long métrage de la trilogie, une adaptation des Mille et Une Nuits, dont le héros reprend les traits de… Jean-Paul Belmondo ! ⁷. Je n’ai malheureusement pas encore pu le voir mais ce long métrage fut un succès lors de sa sortie, encourageant Tezuka à poursuivre dans cette direction.

Pas plus tard qu’en 1970 sort le deuxième long-métrage, Cléopâtre, coréalisé avec Eiichi Yamamoto. Et, à l’image du 200 Motels de Zappa, c’est une oeuvre totalement “autre” que nous propose le papa d’Astro.

Propulsés dans un futur intersidéral rappelant furieusement 2001, l’Odyssée de l’espace  ⁸, nous faisons la connaissance de Jiro, Maria et Rupo qui décident de voyager dans le temps afin de percer le secret de Cléopâtre.

Lybia, personnage dans lequel se réincarne Maria...

Même pas cinq minutes et les yeux du spectateur s’équarquillent à la vue de nos trois héros, mélanges de prises de vue réelles et de visages redessinés. L’idée est originale mais le résultat, plus de 40 ans après, est d’une laideur assez fascinante. Et on se demande alors si l’on a vraiment lancé le bon film.

Ionus, le gladiateur, dans lequel se réincarne Jiro...

Heureusement nous voila expédiés à rebours dans le continuum espace-temps, direction l’Egypte antique. Et les esprits de nos trois héros de se voir transférés dans les corps de Lybia, rebelle à l’ordre romain, pour Maria, de Ionus, gladiateur romain blond, pour Jiro et enfin de Lupa, un… léopard, pour le malheureux Rupo, qui s’attendait avant le voyage à pouvoir profiter des plaisirs charnels de Cléopâtre. Dommage !

... et Lupa, pour le malchanceux Rupo. Un léopard qui, au vu de sa tronche, vient d'être adopté par le professeur Graznok.

Le film va suivre alors les aventures de ces trois personnages, sur une trame plus ou moins historique, contant la romance entre Cléopâtre et Jules César puis avec Marc-Antoine. J’arrête cependant là de vous narrer le film, pour ne pas vous gâcher le plaisir de la découverte, mais surtout parce que cela relève de la gageure, tant l’idée de cohérence du récit s’avère secondaire pour Tezuka et Yamamoto. Pas vraiment de quoi s’étonner alors que Cléopâtre fut un bide, qui menaça de couler Mushi Production.

Jules César (oui, il a la peau verte, cherchez pas) et Cléopâtre.

Cependant, malgré tous ces défauts, la vision de Cléopâtre reste magique et plaisante, tant le film fourmille d’idées. Tel un gamin qui peut enfin réaliser son rêve animé, Tezuka part dans tous les sens, expérimente, ose les ruptures de ton les plus abruptes et les changements de techniques graphiques ⁹.

L'une des oeuvres présentées lors du défilé artistique surréaliste à Rome. Si vous connaissez l'oeuvre originale je suis preneur, parce que là je sèche.

Cela donne ainsi une scène de parade romaine mutant en ode à l’art européen, en passant par l’assassinat de César version théâtre japonais. Rien que ca. Sans parler des dizaines de clins d’oeil facon Gotlib, où l’on retrouve des personnages comme Astro Boy, l’Oncle Moustache ¹⁰ ou même la créature de Frankenstein. Et je vous passe les scènes érotiques expérimentales. Années 70 vous avez dit ?

L'une de scènes érotiques du film, tout en crayonnés épurés et à l'animation basée sur la respiration. Joli.

Le cul est d’ailleurs l’autre principal intérêt de Cléopâtre. Même si à l’heure de YouPorn et des films cryptés de Canal+, le film est des plus légers, c’est une vraie révolution dans les années 70. Rien moins que le premier long métrage érotique animé au Japon, genre que l’on connait également sous le nom d’hentai. Que les adolescents et jeunes adultes du monde entier soient donc reconnaissants envers Tezuka.

En parlant d'exploitation, c'est le moment pour un plan nichon ! (Agrémenté d'une nouvelle tronche démente de Lupa qui fait fondre le professeur Graznok)

La dimension érotique du Cléopâtre de Tezuka deviendra d’ailleurs l’argument principal de vente aux Etats-Unis quand il sortira en 1972. Réintitulé Cleopatra : Queen of Sex le film sera soit disant classé X ¹¹, dans une démarche typique du cinéma d’exploitation, afin de surfer sur le succès de Fritz the Cat de Ralph Bakshi sorti la même année.

Bref, Cléopâtre a de quoi ravir les amateurs d’anime, d’histoire, de science-fiction, d’érotisme et de films cultes. Ou tout simplement ceux qui souhaitent se faire un voyage psychédélique dans l’univers gigantesque de Tezuka, histoire de voir plus loin que son image lissée par la légende.

Et il y aussi de quoi ravir les amateurs de violence !

Addendum

“Et le troisième film de cette trilogie ?”, me lance ce charmant lecteur de Carpentras, histoire de me mettre à l’amende. J’y viens justement.

Sorti en 1973 et réalisé cette fois entièrement par Eiichi Yamamoto, Tragedy of Belladonna (Kanashimi no Belladona en japonais) s’inspire de La Sorcière (1862), de l’historien français Jules Michelet, et reprend ce cocktail fait de drame et d’érotisme.

Je n’ai malheureusement pas encore pu le voir, en dehors de la bande annonce ci-dessous ¹², mais les inspirations graphiques de Yamamoto, en particulier l’Art Nouveau, Gustav Klimt ou Egon Schiele, ont titillé ma curiosité. 

Tout comme Cléopâtre, Tragedy of Belladonna fut un échec lors de sa sortie, entrainant la faillite de Mushi Production. Tezuka ne produira alors plus de long métrage avant 1978 et Le Prince du Soleil, premier long métrage animé destiné à une diffusion télé.

Une capture de Tragedy of Belladonna, aka Belladonna of Sadness aka Kanashimi no Belladona (on s'y perd).

“Et comment fait on pour voir cette trilogie Animerama ?”, m’interpelle de nouveau cet aimable (mais un peu agaçant) lecteur de Carpentras. Et bien direction le site PlayAsia pour vous procurer les DVD édités par Columbia en 2004, avec respectivement Les Mille et Une Nuits,  Tragedy of Belladonna et Cléopâtre. Comptez de 30 à 60 euros par DVD (sans les frais de port).

Reste sinon le chemin tortueux du web, sur lequel vous pourrez tomber sur une version (incomplète et non sous titrée malheureusement) des Mille et Une Nuits hébergée sur Youtube ou sur une copie de Cléopâtre, traduite automatiquement du japonais au chinois puis du chinois à l’anglais et corrigée à la marge par des fans. De quoi rajouter une nouvelle dose d’étrangeté au film !

Sur ce, je vous salue bien bas et voici en guise de cadeau bonus Jumping, court métrage expérimental de Tezuka daté de 1984 :

Dessins restaurés, textes : Gwen

Parfaite introduction en effet que ces Histoires pour tous (une cinquantaine de pages par histoire en moyenne) car, de par la variété des sujets abordés, elles témoignent de la richesse de l’univers d’Osamu Tezuka . Technologie, dénonciation de la guerre, admiration pour la nature et les êtres vivants, regard sur l’actualité mais également sur l’histoire japonaise (ses coutumes, ses croyances, ses archaïsmes) ou européenne, etc. Et un véritable travail de funambule où les influences se combinent, culminant avec Adachi-Ga-Hara, adaptation dans un univers de science-fiction d’une pièce du théâtre nô datant du XIVe siècle.

Cette richesse (qui fera le bonheur des amoureux du Japon) n’est cependant jamais pesante, étouffante, car le récit prime toujours. Tout comme Hayaho Miyazaki, autre grande figure de l’animation japonaise, Tezuka sait comment emporter à coup sûr le lecteur dans son récit. En prenant comme héros des enfants ou de jeunes animaux, l’identification est ainsi facilitée.

Mais cette « astuce » a surtout l’intérêt de renvoyer à la face du lecteur le regard sans concession porté par ces héros. Pollution, cruauté envers les d’animaux, patrimoine culturel et naturel détruits, l’univers dépeint par Tezuka évite toute édulcoration. Oui, la réalité peut être injuste, cruelle, épouvantable (les récits du premier tome sur la jeunesse de Tezuka pendant la Seconde Guerre mondiale) mais c’est au coeur de cette réalité que peuvent naître la poésie, la saveur de l’instant présent (Shiranui et ses dessins chargés d’émotion).

Réduire cependant Tezuka à ces grandes idées, aussi belles soient elles, serait un peu court. Non content d’être un grand conteur, s’inspirant aussi bien du fantastique européen (Invitation au grotesque) ou de l’Antiquité, Tezuka est également un grand dessinateur. Si l’on se risquait à un parallèle européen, il faudrait sans nulle doute mentionner Franquin pour le dynamisme de son trait (amplifié par un découpage cinématographique inédit à l’époque) mais également Gotlib, pour son humour incongru, tels des clins d’oeil aux fans, et un talent pour la caricature.

Indépendants les uns des autres, ces histoires pour tous sont une lecture parfaite avant de se lover dans les bras de Morphée, la tête pleine de récits magiques. En espérant que ces histoires ne soient qu’une entrée en matière avant de se plonger dans des oeuvres moins connues, telles Ayako, L’histoire des trois Adolf (Edit : dont je n’ai jamais réussi à trouver tous les tomes, grrr ) ou Barbara, mais qui se révèlent indispensables.

Pour aller plus loin

Manga no Kamisama, « le dieu du manga » en japonais. C’est l’un de surnoms donné à Osamu Tezuka. Difficile dès lors de vouloir brosser un portrait en quelques lignes de cet artiste, tant son influence a été essentielle à la reconnaissance de la manga au Japon et dans le monde. On peut en revanche recommander Osamu Tezuka : biographie (4 tomes, chez Casterman), récit en BD de la vie de Tezuka et réalisée par ses disciples. Reprenant sa patte graphique, l’ouvrage, s’il n’évite pas l’écueil de l’hagiographie par moments, retrace avec plaisir et détails sa vie et son oeuvre.

La revue Manga 10000images lui consacre de plus son numéro de février 2009. Osamu Tezuka: dissection d’un mythe, sous la direction éditoriale d’Hervé Brient, comporte biographie, études d’oeuvres, analyse narrative et stylistique, mais aussi chroniques de mangas et paroles d’éditeurs et un court récit de Tezuka. De quoi donner envie de se plonger corps et âme dans la colossale production du créateur d’Astroboy, désormais largement diffusée en France. (Edit : Vous pouvez télécharger des extraits du livre en pdf ici).

Texte : Gwendal

Edit : Retrouvez des dessins d’Osamu Tezuka sur ma galerie Flickr

Lien

Le site Bodoï propose également un guide complet, réalisé par Benjamin Roure, Kara et Pamela Messi, des principales oeuvres de Tezuka disponibles en France.

Si vous souhaitez en savoir, voici enfin deux autres sites, en anglais, consacrés à Tezuka : Tezuka in English et TezukaOsamu.net

Publié depuis 1969 au Japon, Golgo 13 raconte les aventures du tueur à gages Duke Tôgô, plus connu par ses clients sous le nom de code Golgo 13. Tireur d’élite quasi infaillible (son seul tir manqué est dû à l’enrayement de son arme), doté d’une condition physique olympique, expert en arts martiaux, polyglotte (plus de 20 langues!), Golgo 13 pourrait faire de l’ombre à Chuck Norris, Rambo et Steven Seagal réunis.

Espionnage, assassinat, enlèvement, détournements d’avion, et même sauvetage d’une centrale nucléaire : tous les grands classiques des films d’action/espionnage sont revisités par l’auteur. Et malgré un personnage principal quasiment invincible, et au charisme indéniable, Takao Saito a le talent d’éviter la parodie. Plus que la réussite du contrat, dont le lecteur se doute dès le départ, le récit s’attarde avant tout à nous plonger à chaque histoire dans un univers spécifique .

États-Unis, Allemagne, Chine, Inde, Philippines, c’est dans un véritable tour du monde que Takao Saito nous embarque. Architectures, vêtements, véhicules, l’auteur, tout comme Hergé, a le souci du détail et n’hésite pas à se documenter pour rendre le plus crédible possible la scène où évoluera Golgo 13. Takao Saito sera d’ailleurs l’un des premiers mangaka, avec Osamu Tezuka, à développer le travail en studio. Au sein de Saito production, les tâches se sont réparties entre différents collaborateurs (iconographie, décors, tramage, recherches documentaires, etc.), jusqu’à atteindre actuellement près de 40 employés.

La grande différence avec les aventures du petit reporter réside cependant dans le ton de ses récits. S’inscrivant dans le courant réaliste du manga (le gegika), Takao Saito ne se contente pas d’une description géographique ou touristique, simple décor des prouesses de Golgo 13. Ses aventures s’inscrivent dans un contexte historique (la dynastie des Romanov, la Révolution chinoise, l’unité 731 qui mena des expériences similaires à celles de Mengele) ou nous emmènent dans les couloirs des négociants en diamants, des entreprises ou des gouvernements. Tout un monde, avec ses codes, son langage et ses intérêts, décrypté et le rendant ainsi plus concret, et aussi moins idyllique, pour le lecteur.

Un ton qui induit ainsi un traitement des histoires particulier. Si le tueur à gages Golgo 13 reste le héros de l’histoire, sa présence est bien souvent fugace. Tel l’homme sans nom interprété par Clint Eastwood, Golgo 13 est une personne avare en paroles. Preuve de ce mutisme, sa réplique la plus célèbre est d’ailleurs « … ». Sa tâche n’est donc pas de disserter mais de mener à bien sa mission. Il en résulte une attention poussée de Takao Saito sur les personnages secondaires de chaque histoire (dont certains sont récurrents, comme le journaliste américain Mandy Washington), nous permettant de comprendre l’environnement et les raisons véritables du contrat.

Edit : Je viens de découvrir qu’il existe, en plus d’une série animée, une adaptation ciné de Golgo 13 avec le grand Sonny Chiba (The Streetfighter et, plus récemment Kill Bill, dans lequel il joue le rôle du fabriquant de sabre Hatori Hanzo). A tenter.

Ces choix scénaristiques se manifestent également dans le graphisme. Le travail de documentation est payant en ce qui concerne les décors, permettant une très bonne immersion dans le récit. Mais il faut reconnaitre que Takao Saito n’a pas le même coup de crayon pour ses personnages, en particulier des visages féminins assez grossiers et bien éloignés du charme développé par ceux de Tezuka. Mais, tout comme ce dernier, il possède un talent indéniable dans l’art du découpage, s’inspirant beaucoup de la grammaire cinématographique. L’auteur alterne ainsi les passages didactiques (sur le fonctionnement d’une centrale nucléaire par exemple), et les interventions de Golgo 13. Très souvent sans dialogues, ces passages sont des modèles de vivacité, jouant avec les cases, et ont une force graphique qui compensent largement ces quelques imperfections.

Ces deux tomes publiés en France sont donc chaudement recommandés pour tout amateur d’aventure et d’action, pour peu qu’il soit un minimum exigeant quant à la qualité des histoires. Tout juste est-il possible de regretter, après la lecture de ces deux tomes, de ne pas avoir l’intégralité des histoires en français. Une tâche malheureusement titanesque et incertaine commercialement. Reste peut-être une solution : se cotiser et engager Golgo 13 pour remplir ce contrat.

Texte : Gwendal

Best 13 of Golgo 13 : Le choix des lecteurs et Best of Golgo 13 – Tome 2 : Le Choix de l’Auteur. Takao Saito. Editions Glénat. 19 €

En dépit de quelques tentatives d’édition dans les années 70-80 (dont Gen d’Hiroshima de Keiji Nakazawa en 1983, par les Humanoïdes Associés) le manga est resté longtemps un secteur marginalisé en France. Seuls les animes connurent un succès (Goldorak et Candy en premiers) grâce à leur diffusion à la télévision. Cependant le public visé restait avant tout les enfants (si l’on excepte des animes comme Cobra ou Ken le Survivant, destinés à l’origine à un public plus âgé).

Il faut véritablement attendre 1990 pour voir naître le manga, sous sa forme papier, en France. Et ce premier bébé, édité par Glénat en 31 fascicules jusqu’en 1992, n’est autre qu’Akira *. Se déroulant  en 2019, à Néo Tokyo (bâtie sur l’ancienne ville, rasée par une explosion), l’histoire suit une bande de jeunes motards désoeuvrés (les bosozokus ) dont l’un d’entre eux, suite à un accident, est capturé par l’armée japonaise. Le chef de la bande, Kaneda, va alors essayer de retrouver son ami, Tetsuo. S’en suit un récit haletant où se mêlent intrigues politiques, traumatisme de Nagazaki et d’Hiroshima et pouvoirs psychiques.

Pour écouter la version intégrale du morceau, qui me file toujours des frissons, c’est ici.

Par son ton et ses enjeux, Akira tranche avec les publications contemporaines. Sombre, violent, Ôtomo livre un récit empli de rage et emblématique de la perte des illusions de la jeunesse des années 80. Militaires, politiques, religieux et même le cadre urbain (renforcé par un trait ultraréaliste), tout cela confine la jeunesse dans un espace corseté dont elle souhaite à tout prix s’extraire. Ôtomo s’extrait également des codes du manga en s’inspirant grandement de la science-fiction, de 2001 l’Odyssée de l’espace à Blade Runner ou l’univers cyberpunk. Cette fascination pour ce genre aura d’ailleurs pour effet de tisser des liens très forts en France, avec la maison d’édition les Humanoïdes associés (qui publiera Dômu) et Jean Giraud, alias Moebius (qui collaborera avec Ôtomo sur Icare).

L’oeuvre monumentale qu’est Akira (près de huit années de publication au Japon) ne doit cependant pas occulter le reste du travail d’Ôtomo et, à ce titre, Katsuhiro Ôtomo Anthology est une lecture plus que recommandée. Parmi ces histoires, Fireball intéressera à coup sur les connaisseurs, étant à l’origine, de par ses thèmes, d’Akira et Dômu. Tout aussi important, ces courts récits offrent à Ôtomo des espaces de jeux pour multiplier les expériences techniques, avec l’encrage de Flower (inspiré par le travail de Moebius) ou le travail sur ordinateur avec Farewell to Weapons.

Si l’on pouvait le remarquer par moments dans Akira, Otomo est également très à l’aise dans le registre de l’humour. Chronicle of the Planet Tako est à ce sujet totalement délirant mais ce sont les pastiches d’histoires européennes de That’s Amazing World qui sont les plus surprenantes. Acides et ironiques, on en vient presque, à la lecture de sa parodie des chevaliers de la Table ronde, à se demander si l’on est pas en train de lire Cinémastock, le parallèle entre le trait d’Alexis et celui d’Ôtomo étant troublant.

Edit : retrouvez des dessins de Katsuhiro Ôtomo sur ma galerie Flickr

Gwendal

* Cette édition française est une traduction de la version américaine par Steve Oliff, comportant quelques modifications par rapport à la version originale. Notamment la colorisation et des changements de dates dans le récit.

Bibliographie sélective
Akira, 14 volumes couleur ou 6 volumes noir et blanc, Glénat
Dômu, Rêves d’enfant, Les Humanoïdes Associés
Katsuhiro Ôtomo Anthology, Sensei
Hipira (scénario) avec Shinji Kimura (dessin), Casterman
Mother Sarah (scénario) avec Takumi Nagayasu, 11 volumes, Delcourt
Zed (scénario) avec Amina Okada, Glénat
A noter également sa participation à Batman : Black and White vol. 1 aux côtés de Neil Gaiman

Filmographie sélective
Akira, 1988
Memories (segment Cannon Folder), 1995
Metropolis (scénario, adaptation par Rintaro du manga éponyme d’Osamu Tezuka), 2001
Steamboy, 2004
Liste complète de sa filmographie sur IMDB

Liens
Un site de fan en français très fourni

Un autre site dédié à Akira (en anglais)

Une interview (en anglais) de Katsuhiro Ôtomo sur le site Midnight Eye

Une critique du film d’animation Akira par Yannick Vély