Avertissement au lecteur destiné à éviter tout courrier outré : le contenu du film pouvant poser trop de questions, intéressantes mais un peu précoces, aux plus jeunes ¹ et choquer les âmes les plus sensibles ², merci de ne pas poursuivre cette lecture si vous faites partie de l’une ou l’autre de ces catégories. Pour les autres, enjoyez.

Père, voire dieu, de la bande dessinée au Japon, l’influence de Tezuka est gigantesque. Mais, ironie de l’histoire, s’il a connu le succès grâce au manga (et à ses personnages d’Astro Boy ou du Roi Léo), ce médium n’a jamais pu le combler comme l’animation, qui lui procurera pourtant ses plus grands échecs.

Emerveillé par les dessins animés de Walt Disney ³ qu’il a vus des centaines de fois, Tezuka n’a eu de cesse de rivaliser avec son modèle. C’est ainsi qu’il lancera en 1961 Mushi Production, son propre studio d’animation, financé par l’argent tiré de ses mangas.

Mushi Production se place alors en concurrence directe avec le géant Toei Animation  ⁴ avec des animés spécialement conçus pour la télévision. Le succès est colossal avec l’adaptation d’Astro Boy (Astro le petit robot en français), diffusée en 1963 et regardée, à son apogée, par près de la moitié de la population japonaise équipée d’un poste de télévision ! Astro Boy sera de plus la première série animée diffusée hors du Japon ⁵.

Cependant le rythme de diffusion à la télé (près de 200 épisodes en trois ans) impose de sévères contraintes, dont l’utilisation du procédé d’animation limitée  ⁶. Impossible donc de rivaliser avec la qualité des longs métrages de la Toei, ce qui frustre Tezuka.

D’où son idée de se lancer dans un projet plus ambitieux : la trilogie Animerama (contraction typiquement japonaise d’anime, cinema et drama) dont le but est de s’adresser, pour la première fois, à un public adulte.

En 1969 sort ainsi le premier long métrage de la trilogie, une adaptation des Mille et Une Nuits, dont le héros reprend les traits de… Jean-Paul Belmondo ! ⁷. Je n’ai malheureusement pas encore pu le voir mais ce long métrage fut un succès lors de sa sortie, encourageant Tezuka à poursuivre dans cette direction.

Pas plus tard qu’en 1970 sort le deuxième long-métrage, Cléopâtre, coréalisé avec Eiichi Yamamoto. Et, à l’image du 200 Motels de Zappa, c’est une oeuvre totalement “autre” que nous propose le papa d’Astro.

Propulsés dans un futur intersidéral rappelant furieusement 2001, l’Odyssée de l’espace  ⁸, nous faisons la connaissance de Jiro, Maria et Rupo qui décident de voyager dans le temps afin de percer le secret de Cléopâtre.

Lybia, personnage dans lequel se réincarne Maria...

Même pas cinq minutes et les yeux du spectateur s’équarquillent à la vue de nos trois héros, mélanges de prises de vue réelles et de visages redessinés. L’idée est originale mais le résultat, plus de 40 ans après, est d’une laideur assez fascinante. Et on se demande alors si l’on a vraiment lancé le bon film.

Ionus, le gladiateur, dans lequel se réincarne Jiro...

Heureusement nous voila expédiés à rebours dans le continuum espace-temps, direction l’Egypte antique. Et les esprits de nos trois héros de se voir transférés dans les corps de Lybia, rebelle à l’ordre romain, pour Maria, de Ionus, gladiateur romain blond, pour Jiro et enfin de Lupa, un… léopard, pour le malheureux Rupo, qui s’attendait avant le voyage à pouvoir profiter des plaisirs charnels de Cléopâtre. Dommage !

... et Lupa, pour le malchanceux Rupo. Un léopard qui, au vu de sa tronche, vient d'être adopté par le professeur Graznok.

Le film va suivre alors les aventures de ces trois personnages, sur une trame plus ou moins historique, contant la romance entre Cléopâtre et Jules César puis avec Marc-Antoine. J’arrête cependant là de vous narrer le film, pour ne pas vous gâcher le plaisir de la découverte, mais surtout parce que cela relève de la gageure, tant l’idée de cohérence du récit s’avère secondaire pour Tezuka et Yamamoto. Pas vraiment de quoi s’étonner alors que Cléopâtre fut un bide, qui menaça de couler Mushi Production.

Jules César (oui, il a la peau verte, cherchez pas) et Cléopâtre.

Cependant, malgré tous ces défauts, la vision de Cléopâtre reste magique et plaisante, tant le film fourmille d’idées. Tel un gamin qui peut enfin réaliser son rêve animé, Tezuka part dans tous les sens, expérimente, ose les ruptures de ton les plus abruptes et les changements de techniques graphiques ⁹.

L'une des oeuvres présentées lors du défilé artistique surréaliste à Rome. Si vous connaissez l'oeuvre originale je suis preneur, parce que là je sèche.

Cela donne ainsi une scène de parade romaine mutant en ode à l’art européen, en passant par l’assassinat de César version théâtre japonais. Rien que ca. Sans parler des dizaines de clins d’oeil facon Gotlib, où l’on retrouve des personnages comme Astro Boy, l’Oncle Moustache ¹⁰ ou même la créature de Frankenstein. Et je vous passe les scènes érotiques expérimentales. Années 70 vous avez dit ?

L'une de scènes érotiques du film, tout en crayonnés épurés et à l'animation basée sur la respiration. Joli.

Le cul est d’ailleurs l’autre principal intérêt de Cléopâtre. Même si à l’heure de YouPorn et des films cryptés de Canal+, le film est des plus légers, c’est une vraie révolution dans les années 70. Rien moins que le premier long métrage érotique animé au Japon, genre que l’on connait également sous le nom d’hentai. Que les adolescents et jeunes adultes du monde entier soient donc reconnaissants envers Tezuka.

En parlant d'exploitation, c'est le moment pour un plan nichon ! (Agrémenté d'une nouvelle tronche démente de Lupa qui fait fondre le professeur Graznok)

La dimension érotique du Cléopâtre de Tezuka deviendra d’ailleurs l’argument principal de vente aux Etats-Unis quand il sortira en 1972. Réintitulé Cleopatra : Queen of Sex le film sera soit disant classé X ¹¹, dans une démarche typique du cinéma d’exploitation, afin de surfer sur le succès de Fritz the Cat de Ralph Bakshi sorti la même année.

Bref, Cléopâtre a de quoi ravir les amateurs d’anime, d’histoire, de science-fiction, d’érotisme et de films cultes. Ou tout simplement ceux qui souhaitent se faire un voyage psychédélique dans l’univers gigantesque de Tezuka, histoire de voir plus loin que son image lissée par la légende.

Et il y aussi de quoi ravir les amateurs de violence !

Addendum

“Et le troisième film de cette trilogie ?”, me lance ce charmant lecteur de Carpentras, histoire de me mettre à l’amende. J’y viens justement.

Sorti en 1973 et réalisé cette fois entièrement par Eiichi Yamamoto, Tragedy of Belladonna (Kanashimi no Belladona en japonais) s’inspire de La Sorcière (1862), de l’historien français Jules Michelet, et reprend ce cocktail fait de drame et d’érotisme.

Je n’ai malheureusement pas encore pu le voir, en dehors de la bande annonce ci-dessous ¹², mais les inspirations graphiques de Yamamoto, en particulier l’Art Nouveau, Gustav Klimt ou Egon Schiele, ont titillé ma curiosité. 

Tout comme Cléopâtre, Tragedy of Belladonna fut un échec lors de sa sortie, entrainant la faillite de Mushi Production. Tezuka ne produira alors plus de long métrage avant 1978 et Le Prince du Soleil, premier long métrage animé destiné à une diffusion télé.

Une capture de Tragedy of Belladonna, aka Belladonna of Sadness aka Kanashimi no Belladona (on s'y perd).

“Et comment fait on pour voir cette trilogie Animerama ?”, m’interpelle de nouveau cet aimable (mais un peu agaçant) lecteur de Carpentras. Et bien direction le site PlayAsia pour vous procurer les DVD édités par Columbia en 2004, avec respectivement Les Mille et Une Nuits,  Tragedy of Belladonna et Cléopâtre. Comptez de 30 à 60 euros par DVD (sans les frais de port).

Reste sinon le chemin tortueux du web, sur lequel vous pourrez tomber sur une version (incomplète et non sous titrée malheureusement) des Mille et Une Nuits hébergée sur Youtube ou sur une copie de Cléopâtre, traduite automatiquement du japonais au chinois puis du chinois à l’anglais et corrigée à la marge par des fans. De quoi rajouter une nouvelle dose d’étrangeté au film !

Sur ce, je vous salue bien bas et voici en guise de cadeau bonus Jumping, court métrage expérimental de Tezuka daté de 1984 :

Dessins restaurés, textes : Gwen

« Bon dieu Brent, c’était Madame Deagle ! »

Bref.

- Hollywood Boulevard

Le premier “vrai” film de Joe Dante, même s’il n’est « que » co-réalisé, sort en 1976. Après The Movie Orgy, en 1968 (une compilation longue de 7 h d’extraits de films, de pubs et de bandes annonces ¹) et avant Piranhas, en 1978, qui lancera sa carrière ².

La bande annonce commentée à voir sur Trailers from Hell (pas moyen de l’intégrer :( )

Joe Dante et Allan Arkush, co-réalisateur, suivent la découverte du monde merveilleux d’Hollywood par une actrice un peu naïve, jouée par Candice Rialson. Pas d’empreintes sur Hollywood Boulevard en vue pour elle cependant mais les plateaux miteux d’un studio spécialisé en série B ( « Miracles Pictures : si c’est un bon film, c’est un miracle !« ).

Produit par Roger Corman ³ et tourné à l’économie (entre 25 000 et 50 000 dollars de budget seulement) ⁴, Hollywood Boulevard emprunte ainsi de nombreuses séquences aux oeuvres de son studio : New World Pictures. De La Course à la Mort de l’An 2000 de Paul Bartel à Women In Cages en passant par des perles bis moins connues comme The Big Doll House ou Night of the Cobra Woman, le film est un plaisir à voir pour tout cinéphile un peu déviant (Et la quantité impressionnante de plans nichons dans ce film devrait achever de vous convaincre).

La preuve que je ne mens pas !

Revers de la médaille, le film souffre d’un scenario un peu bateau, pour lier toutes les parties, et d’un rythme inégal, mais il reste très agréable à regarder. Outre les références citées précédemment, les deux réalisateurs expérimentent beaucoup, comme dans une scène entièrement musicale, et l’on sent déja la patte Joe Dante avec des séquences cartoonesques et une galerie de monstres en caoutchouc (comme Godzilla, Robby le Robot de Planète interdite ⁵ ou le gorille surmonté d’un bocal avec des antennes du film Robot Monster, nanar atomique) : deux de ses passions qui feront son succès.

Regarder Hollywood Boulevard : le film n’est malheureusement pas, à ma connaissance, disponible en zone 2 par chez nous, mais vous pouvez vous le procurez en zone 1 chez New Concorde Home.

En savoir plus : vous pouvez lire un article plus détaillé sur Grindhousedatabase mais pour les anglophones, rendez-vous sur Youtube pour une conférence-débat avec les deux réalisateurs :

- La Quatrième Dimension le film / Twilight Zone the Movie

Sautons directement en 1983 avec le film Twilight Zone. Fort du succès de Piranhas et de Hurlements (un des meilleurs films de loup-garous pour votre serviteur), Joe Dante s’apprête à sortir l’année suivante le cultissime Gremlins. Devenu très proche de Steven Spielberg, il est donc appelé à réaliser l’un des quatre segments du film, hommage à la série de Rod Sterling.

Bizarremment, ce sont les deux réalisateurs les plus connus à l’époque, Steven Spielberg et John Landis (Blues Brothers, Un fauteuil pour deux ⁶), qui livrent les segments les plus faibles. Ceci a néanmoins l’avantage de faire ressortir les deux derniers segments, réalisés par Joe Dante et George Miller (Mad Max I et II ). Je passe volontairement sur le très bon Cauchemar à 20.000 pieds de Miller pour m’attarder, logiquement me direz vous, sur celui de Joe Dante, It’s a Good Life.

Dante démarre doucement avec la rencontre accidentelle entre la jolie Kathleen Quinlan et un jeune garçon. Mais dès l’arrivée de la jeune femme dans sa demeure, il se lache complétement. Place à un mix improbable des dessins animés de Chuck Jones, des perspectives hallucinées du Cabinet du Dr Caligari ⁷ et de Damien, la malédiction. Fendard et flippant à la fois, que demander de plus ?

Regarder La Quatrième Dimension le film : le film est enfin disponible en DVD et Blu-ray depuis 2007 en France. Vous ne devriez pas avoir trop de mal à le trouver.

A lire : deux critiques à noter. La première par Damien sur Cinema fantastique. Le papier est sympa mais un peu dur, à mon goût, sur le segment de Spielberg. Et la deuxième par Jérémie Marchetti sur Horreur.com (mais je n’arrive plus à y accéder que par le cache). Un bon article, mais évitez de le lire avant de voir le film car il dévoile beaucoup d’éléments de l’intrigue.
Pour les anglophones, une autre critique par Ryan Harvey sur Realm of Ryan. Quant aux plus fanatiques de l’excellente série The Twilight Zone, deux autres articles chaudement recommandés : le premier sur la génèse du film sur Twilight Museum et le second, sur Museum TV, sur l’histoire de la série.

- Les Banlieusards / The Burbs

Réalisé en 1989, Les Banlieusards annonce, avec le recul, la descente du réalisateur. Pas en terme de talent, bien heureusement, mais les tensions avec les studios vont aller crescendo jusqu’au suicidaire ⁸, mais hilarant, Gremlins 2 en 1990. Outre un accueil mitigé des Banlieusards par la critique, Dante devra modifier la fin de son métrage, considérée comme trop sombre (Vous pouvez cependant regarder la fin alternative ici) .

Je pourrais continuer à vous vanter les mérites de ce film mais (encore merci internet !) d’autres l’ont fait mieux que moi (ou plus rapidement :D). Foncez donc lire cet excellent papier d’analyse de Zug sur le site de L’Ouvreuse, vous saurez tout. Mais regardez le film avant !

Je soulignerai quand même en vitesse l’amour de Dante pour cette vie de banlieue (un thème que l’on retrouve également dans Edward aux mains d’argent de Tim Burton) et, là aussi, les innombrables références au cinéma d’horreur et d’épouvante, autre grande passion de Dante (oui, ce type en a décidemment plein).

Regarder Les Banlieusards : par la magie des étals de DVD à vil prix qui peuplent nos supermarchés, vous devriez pouvoir retrouver le film dans une (minable) édition à moins de 10 euros.

- Panic sur Florida Beach / Matinee

Dernier long métrage avant le trou noir cinématographique des années 90. Dante continue de dérouler ses thèmes de prédilection en nous narrant l’histoire du roi de la série B Lawrence Woosley, interprété par John Goodman ⁹, débarquant dans la petite ville de Key West en pleine crise des missiles de Cuba, en 1962.

En dehors de la description de la fin d’une époque, celle des naïves et idylliques années 50, Panic sur Florida Beach rend un superbe hommage aux films de monstres de l’époque et à des hommes comme William Castle, Roger Corman, Jack Arnold ou Ray Dennis Steckler. A la fois réalisateurs, producteurs mais aussi imprégnés par le monde forain.

Mant, une parodie de film de monstre, à l'intérieur du métrage. Comme quoi le cinéma référentiel ne se résume pas qu'à Tarantino :)

Comme il l’explique dans ses interviews (cf plus bas), Dante reste nostalgique de cette époque, et de la facon dont était perçu le cinéma. Un divertissement populaire (dans le sens abordable financièrement), où le spectacle était à la fois sur l’écran et dans la salle ¹⁰, et teinté de sacré.

A ce titre, Gene, le jeune héros du film, est le décalque du jeune Dante, élevé aux doubles programmes. Dommage que la connexion entre le spectateur et le héros ne marche pas très bien (question d’âge pour une première vision peut-être) mais Panic sur Florida Beach se rattrape largement sur le reste.

Nous pouvons ainsi toujours compter sur les fidèles Dick Miller et Robert Picardo mais n’oublions pas les géniales parodies que sont Mant (hommage aux films de monstres radioactifs) et Shook Up Shooting Cart (flingage dans la tradition Joe Dante des films cucul de Disney comme la série de la Coccinelle). Et pour vous convaincre définitivement, vous pourrez compter sur la prestation de John Goodman, parfait en homme d’affaires à l’enthousiasme de gamin, et sa compagne dans le film, Cathy Moriarty, aussi belle que talentueuse.

Regarder Panic sur Florida Beach : là encore (et c’est une triste constante avec l’oeuvre de Joe Dante…), il faudra se contenter d’un DVD zone 2 sans aucun supplément ¹¹

A lire : une critique en anglais par Sean sur le site Film Junk et surtout un passionnant entretien avec Joe Dante à propos du flim.

- La Seconde Guerre de Sécession / Second Civil War

La télé, purgatoire de Joe Dante. Fini les gros budgets mais il peut compter sur la chaine câblée HBO (Oz, Band of Brothers, The Wire, en j’en passe des dizaines, c’est eux) qui lui offre la possibilité de réaliser un téléfilm en 1997 : The Second Civil War, alias La Seconde Guerre de Sécession.

Gros atout de ce téléfilm, il bénéficie d’un casting béton : James Earl Jones (Thulsa Doom dans Conan le Barbare), Ron Perlman (avant le succès d’Hellboy), Beau Bridges, Dan “El presidente aqui” Hedaya ainsi que le grand James Coburn, alias Monsieur “J’ai autant la classe que Jacques Brel et en plus je porte bien la moustache” ¹²

Et surtout d’une idée de scénario en or : suite à des vagues massives d’immigrants du monde entier vers les Etats-Unis, le sénateur de l’Etat de l’Idaho décide de fermer ses frontières. Y compris pour un cortège d’orphelins pakistanais que lui envoie Washington. S’en suit une crise d’ampleur nationale où le spectateur navigue dans les coulisses du journalisme télévisé et de la politique.

Le tout mixé à la critique corrosive de Joe Dante, on ne s’ennuie pas un seul moment durant ce téléfilm, à regarder d’urgence. Tout juste pourra-t-on regretter (télé oblige) le côté un peu cheap des opérations militaires.

Regarder La Seconde Guerre de Sécession : une édition en langue française minimale peut se dénicher en occase. Ou vous pouvez vous tourner vers l’import, avec deux éditions disponibles (Ici et là)

A lire : une analyse approfondie, en français, du téléfilm par Bernard Payen sur Objectif Cinéma et une deuxième, en anglais, par Gareth James, sur le blog Gareth On.

C'est en tombant sur cette image que je me suis rendu compte que mon prof de grec ancien au collège et au lycée est son sosie chauve. Ca donne le vertige.

- Joe Dante sur Internet

Boudé par le “système”, Joe Dante peut heureusement compter sur des hordes de fans, biberonnés à Gremlins. D’où une base documentaire de qualité, formée d’entretiens, de critiques et d’analyses de sa carrière. Petite sélection.

Commençons par les ressources en francais :
- Un dossier exhaustif et de très grande qualité par Richard B sur Sci Fi Universe
- Un très bon papier de Jérôme Dittmar sur la carrière de Joe Dante à lire sur Fluctuat
- Un papier de Pierre Loosdregt à propos du livre Joe Dante et les Gremlins de Hollywood, disponible en français.
- Enfin, Noël oblige, une critique de Gremlins par Olivier Bitoun sur TV Classik,  intéressante quant aux liens tissés entre Spielberg et Dante. Dommage que la mise en page soit des plus inconfortables pour la lecture.

Les ressources en anglais :

Un dossier intéressant par Martyn Bamber est à lire sur Sense of Cinema. Mais je vous conseille également de lire ces trois interviews :

- Une publiée dans le journal The Scotsman, et réalisée par Alistair Harkness, qui revient notamment sur son expérience amère du film Les Looney Tunes passent à l’action et, plus généralement, sur sa vision des studios de cinéma.

- Une autre sur Den of the Geek, par Simon Brew, qui revient sur The Movie Orgy et Gremlins.

- Et une troisième sur Empire, où Joe Dante répond à de nombreuses questions de fans :

Et pour les plus anglophones d’entre vous, foncez sur l’excellent blog audio The gentleman Guide to Midnite Cinema qui lui consacre un podcast entier. Et n’hésitez pas à fouiller le blog, il devrait ravir les amateurs.

Terminons enfin par un des autres projets de Dante, cette fois sur internet : le site Trailers from Hell. Vous pourrez y trouvez des dizaines de trailers de série B, commentés par Guillermo del Toro, Rick Baker, Edgar Wright ou même Bill Duke ! (“Cooke !”). Et bien évidemment Joe Dante, avec Creature from the Haunted Sea et Confessions of an Opium Eater.

En vous remerciant. Et Joyeux Noël à tous !

Texte et photo-montage (soyez indulgent, c’est le premier :) : Gwendal

Photos : Captures d’écran et sources trouvées sur le net (Je peux vous faire le détail si nécessaire mais là ca me saoule un peu :) )

- Caddyshack

Caddyshack (1980) est le premier long métrage d’Harold Ramis (Surtout connu pour avoir joué le rôle d’Egon Spengler dans SOS Fantômes et réalisé l’un des meilleurs films de Bill Murray : Un Jour sans fin / Groundhog Day). L’histoire, qui se déroule dans un club de golf, est prétexte à l’enchaînement de gags inspirés par les souvenirs de travail du co-scénariste Brian Doll Murray (Le grand frère de Bill Murray que l’on peut voir en maire dans Un jour sans fin).

Quasiment inconnu en France, le film est devenu culte aux Etats-Unis (notamment, et c’est logique me direz-vous, dans le milieu du golf) ³ et s’est même vu classé en 2000 dans le top 100 de l’American Film Institute (71e place) dans le registre comique.

Bien que le scénario soit un peu décousu, les performances des acteurs (comme Chevy Chase ou Rodney Dangerfield) sont savoureuses. Un modèle du film pour ados, irrévérencieux et enlevé qui ne verse pas dans les excès alcoolisés d’un Animal House (film ceci dit tout à fait recommandable). A l’exception des apparitions de Bill Murray.

Ici dans un rôle secondaire, en tant que responsable de l’entretien des terrains de golf, il se lance dans une chasse au gopher (un spermophile en français, animal qui se rapproche de l’écureuil) digne des affrontements entre Elmer Fudd et Bugs Bunny. Si ses apparitions limitées empêchent d’en faire un “film avec Bill Murray”, Caddyshack, outre le plaisir de la vision, permet de souligner son talent d’improvisateur, comme dans cette scène :

Une faculté à jouer en toute décontraction (mais professionnalisme), qu’il a pu déveloper dans la troupe de théâtre Second City, à Chicago, d’où est sortie la crème de la comédie américaine (de John Belushi à Steve Carrel en passant par Rick Moranis, Dan Akroyd ou Stephen Colbert). Une expérience sur les planches qui sera suivie d’émissions comme The National Lampoon Radio Hour ou le Saturday Night Live.

- Where the Buffalo Roam

Ce qui nous amène au premier vrai film avec Bill Murray, Where the Buffalo Roam, sorti la même année que Caddyshack. Sa principale qualité est d’être le premier à porter le journaliste gonzo Hunter S. Thompson à l’écran, près de 20 ans avant le superbe film de Terry Gilliam, Las Vegas Parano.

Et c’est à peu près tout. En dépit d’un morceau d’entrée de Neil Young, la réalisation d’Art Linson est plate au possible, et en cela plus proche de Michel Drucker que du plus grand contempteur de Richard Nixon. Quant au scénario de John Kaye, basé sur l’article The Banshee Screams for Buffalo, paru dans le magazine Rolling Stone en 1977, il est confus au possible. Ah si, quand même, une autre chose à sauver : Bill Murray (Etonnant, non ?).

C’est simple, Bill Murray est devenu Hunter S. Thompson pour ce film. Bien aidé par l’original, présent en tant que consultant éxécutif ⁴

Façon de machouiller son fume cigarette, intonation à la limite du compréhensible, attitude chaotique, tout y est. Et l’incarnation par Bill Murray d’en être moins outrée que celle faite par Johnny Depp (même si elle est également appréciable).

Fricoter aussi longtemps avec le pape du gonzo n’est cependant pas sans effets secondaires. De retour sur le plateau du Saturday Night Live ⁵, Bill Murray va rester un temps “bloqué” dans le personnage, s’habillant et se comportant comme lui.

Cette rencontre avec Hunter Thompson est d’ailleurs éclairante pour comprendre l’acteur. Comme lui, sous une apparence respectable, voire innoncente, couve l’imprévisible, le chaos. ⁶

Bref, à l’instar du film de Zappa 200 Motels, c’est un ratage mais, de part son coté improbable, il mérite le visionnage.

A lire : une critique, que je trouve un peu dure, sur Panorama Cinema, et une autre plus mesurée sur Suite101.

- Scrooged

1984, la consécration. Après son apparition remarquée dans Tootsie, Bill Murray explose tout avec SOS Fantomes ⁷ Mais c’est également l’année du bide de son premier grand film dramatique, qu’il coscénarise, The Razor’s Edge. Un échec qui le touche et lui fait prendre une retraite temporaire des écrans.

Mis à part un cameo dans le remake de La Petite boutique des horreurs, il faudra attendre la fin des années 80 pour le revoir. Mais en 1988, un an avant le deuxième épisode des aventures des casseurs de fantômes, sort Scrooged. Réalisé par Richard Donner (L’Arme Fatale), voici encore un film dont je n’ai appris l’existence que très tardivement. A tort.

La critique de Gwendal : "Scrooged c'est bien, il y a Karen Allen dedans (et Bill Murray aussi)"

Basé sur l’archi-adapté A Christmas Carol de Charles Dickens, le film bénéficie d’effets spéciaux dans la lignée de SOS Fantômes (La promotion jouera beaucoup sur ce parallèle), d’une musique de Danny Elfman, compositeur pour nombre de films de Tim Burton, de moments totalement absurdes (Steven Austin qui vient en aide au Pere Noël !) et la présence de la délicieuse Karen Allen comme premier rôle féminin. Oui, Karen Allen, la Marion des Aventuriers de l’arche perdue. Elle dont le sourire me rend sans défenses, me… hum. Je m’égare…

Oui ! J’oubliais donc de vous parler de Bill Murray dans tout ca. Et dans Scrooged il est, comme on dit outre-Atlantique, on fire. Dans la peau de Franck Cross, président d’une chaine télé, il est détestable à souhait. A coté, le Phil Connors d’Un jour sans fin est un trésor d’amabilité.

Vous ne pensiez tout de même pas que j’allais louper l’occasion d’en placer un extrait ?

Mais, et c’est là qu’est tout le talent : tout comme dans Un jour sans fin, Bill Murray n’est jamais antipathique. Son ironie et son flegme contre balancent toujours la violence de ses propos et rend d’autant plus touchante la rédemption finale, passage pourtant téléphoné dans une telle adaptation et propre à la guimauve sentimentale.

Alors oui, face à Un jour sans fin, le film souffre d’un scénario banal et qui part un peu dans tous les sens, ainsi que de certains personnages peu creusés mais, pour ceux qui ont déja assisté à la fête de la marmotte autant de fois que Phil Connors, c’est un film à conseiller d’urgence.
A lire : un article de Whitney Pastorek sur EW.com réhabilitant Scrooged.

- Quick Change

Nous arrivons en 1990 avec une autre petite comédie peu connue, Quick Change, qui sera la première, et à l’heure actuelle unique, réalisation (avec l’aide d’Howard Franklin) de Bill Murray.

Débutant par un braquage qui rappellera aux plus anciens Hold Up d’Alexandre Arcady, avec notre Bébel national, trois malfrats (Bill Murray, Randy Quaid et Geena Davis – aaah, Geena, ton regard, ta bouche, tes cheveux… ahum, bref-) tentent par tous les moyens de quitter New York en avion. Bien évidemment tout va se mettre en travers de leur route.

Petite comédie donc par rapport au mètre-étalon Un jour sans fin, mais le film nous livre une vision intéressante de Big Apple, vue comme une ville qui enferme. A ce sujet, je vous recommande de lire cet article de Scott Tobias sur AVclub.com qui pointe un parallèle intéressant avec After Hours de Martin Scorcese.

L’autre point en faveur de sa vision c’est… Bill Murray ! (Oui, c’était dur à trouver). Et particulièrement sa prestation au début du film, symbolique à plus d’un égard. Grimé en clown et avec une mine déconfite, il annonce avec bien des années d’avance sa collaboration avec Wes Anderson, Jim Jarmsuch ou Sofia Coppola. Des réalisateurs qui ont su capter la tristesse sous le masque du clown, la poésie qui peut en ressortir. Un film à avoir pour tout bon fan de Bill Murray (Et vous pouvez le trouver facilement en occase entre 5 et 10 euros)

A lire : une autre critique, de J. D. Lafrance, sur le site Erasing Clouds.

- What about Bob ?

Je vais me répéter une énième fois mais voici une vraie perle injustement méconnue ⁸. Et je parle aussi bien du film que de son réalisateur : Frank Oz. Co-créateur avec Jim Henson du Muppet Show, il livrera le sombre et splendide The Dark Crystal mais également deux comédies géniales : Dirty Rotten Scoundrels, que j’avais mentionné en vitesse ici, avec Steve Martin et Michael Caine, et donc ce What about Bob ? (Quoi de neuf Bob ? en France)

Patient maudit pour tous les psychiatres new-yorkais, Bob Willey (Bill Murray) est “recommandé” par un confrère au Docteur Leo Marvin (Richard Dreyfuss). Celui-ci, qui n’espérait que de pouvoir profiter de sa résidence au bord de l’eau pour les vacances, va devoir composer avec un patient de plus en plus envahissant.

Parfaitement rythmé, Bill Murray trouve dans ce film un partenaire de choix avec Richard Dreyfuss, dont j’avais déjà pu apercevoir le talent comique dans Les Dents de la mer. Mais dans Quoi de neuf Bob ? il compose à merveille un homme poussé à bout et qui explose, au propre comme au figuré. Et Bill Murray, avec son personnage lunatique et névrosé, de garder son flegme et sa naiveté, faisant encore grandir la rage du docteur. Une comédie à voir.

A lire : Quand je dis que le film est peu connu, cela se voit même sur le net ou je n’ai pu trouver qu’une critique, sympa mais assez courte.

Pour aller plus loin

Voici quelques liens, piochés au gré des mes recherches, qui vous permettront de mieux connaitre ce fabuleux acteur qu’est Bill Murray.

Deux articles tout d’abord. Le premier est un superbe portrait rédigé par Kate Meyers pour EW.com et le second est une interview fleuve, et donc rare, de Bill Murray par Dan Fierman pour le magazine QG. En prime vous pourrez admirer un portrait réalisé par le dessinateur Daniel Clowes.

A regarder également, une émission des critiques Siskel et Ebert, datée de 1984, et consacrée à la star montante de l’époque.

Enfin, un site perso, très très moche et pas mis à jour depuis 2000, mais il y a de quoi picorer.

Texte : Gwendal

Illustration : redessinée d’après l’oeuvre originale de Skinner, présente dans l’exposition consacrée à Bill Murray.

Bonus
Je n’allais pas vous quitter sans rajouter un extrait d’Un jour sans fin :

- Phiiiiil ?

- Ned !

Et je n’allais pas partir non plus sans rajouter une louchée de SOS Fantomes (avec Sigourney Weaver ! Aaaaah, Sigourney, tes cheveux bouclés, ta force cachée sous des apparences fragiles… Hum, bref.)

1943. Les troupes allemandes, après avoir subi un premier revers à Stalingrad en décembre 1942, sont définitivement stoppées en aout à Koursk. L’armée russe a beau être saignée à blanc depuis 1941, la Wehrmacht doit se replier. Et celle-ci organise une impitoyable politique de la terre brûlée. C’est dans ce contexte que le jeune Florya, malgré les supplications de sa mère, décide de rejoindre les partisans russes nanti de son sésame : un fusil déterré sur un champ de bataille.

Un rêve vite douché en raison de son inexpérience au combat, qui l’oblige à rester à l’arrière lors d’une offensive russe. Au coeur de la forêt, il fait cependant la rencontre de Glasha, jeune femme pleine de vie. Premiers troubles pour Florya dans son engagement, renforcés par le bombardement de leur base arrière qui les laisse seuls en pleine nature. Le couple improvisé décide alors de retourner au village de Florya. Le début d’un voyage en enfer qui les changera à jamais.

Votre serviteur ne poussera pas plus loin la description, au risque d’atténuer en partie la force d’une première vision. Mais il se doit de souligner le talent d’Elem Klimov. Déroutant dans ses premières minutes par le comique des scènes avec le jeune ami de Florya ou chez les partisans russes, le film nous happe par la justesse de son approche humaine. Toujours au plus près de ses sujets par son utilisation de la steadycam, de la vue subjective ou des gros plans fixes, Klimov nous retourne émotionnellement. Fasciné par la beauté et l’onirisme des séquences en forêt entre Glasha et Florya, le spectateur noue avec eux un lien indéfectible, quitte à devoir contempler l’abysse. Un abysse fait de boue et de sang.

Mais pas question ici de le regarder de loin. Klimov vous plonge la tête la première dedans. Une immersion renforcée par ses acteurs, tous amateurs ², et d’une grande justesse, pour qui le tournage fut des plus éprouvants ³. Et un travail impressionnant sur le son (en particulier la séquence du marais dignes du drone metal)  qui rappelle celui sur Massacre à la tronconneuse par sa capacité à mettre la sensibilité du spectateur à vif.

Injustement méconnu ⁴ Idi i smotri ne vous divertira pas. Mais il vous retournera comme peu de films peuvent le faire.

Pour aller plus loin
Pour ceux (mais pas seulement) qui seraient surpris par cette équipée nazie, je vous renvoie à cette page de Wikipedia ou cet article de l’Encyclopédie multimédia de la Shoah.

Si l’épisode narré dans Idi i smotri se concentre, politique oblige ⁵, sur les persécutions sur la population russe par le 15e Einsatzkommando, il fait partie d’un plus grand ensemble. Ce que l’on nomme la Shoah par balle. Débutée en 1939 en Pologne, elle constitue la première étape de la Solution finale, avant le passage au fonctionnement industriel. Visant au départ Juifs, Tsiganes ou handicapés, elle s’attaquera ensuite, à partir de l’invasion allemande, en 1941, aux populations russes, aux partisans et aux cadres soviétiques.

Ces missions d’extermination furent confiées aux Einsatzgruppen (« groupes d’intervention ») qui suivaient l’avancée des troupes. Pas assez « efficaces » (Edit : et couteuses), elles seront donc remplacées par les camps de la mort à partir de 1941-1942.

A ce sujet, je vous recommande Einsatzgruppen : Les commandos de la mort, un documentaire de Michael Prazan, diffusé en 2009 sur France 2 et disponible en DVD (ou visible ici). A consulter en ligne, le rapport Jäger sur le massacre de plus de 130000 personnes, en majorité juifs.

Même si ce livre ne concerne pas directement les einsatzgruppen, je vous conseille enfin de lire Des hommes ordinaires. Le 101e bataillon de réserve de la police allemande et la solution finale en Pologne. L’historien Christopher Browning se penche sur le quotidien de réservistes aux travers de leurs archives. Indispensable pour tenter de comprendre les mécanismes d’acceptation de l’horreur.

Requiem pour un massacre / Idi i smotri / Va et regarde, d’Elem Klimov. DVD français disponible chez l’éditeur Potemkine.
Texte : Gwendal (et un grand merci à Stoner pour m’avoir fait découvrir ce film)

Littéralement dopé à la testostérone, farci de punchlines comme seules les années 80 pouvaient nous en procurer, et bénéficiant d’un des plus grands méchants du cinéma, Commando, de Mark L Lester, pousse jusqu’à ses limites le film d’action. A tel point que les portes du nanar ne sont jamais très loin. Petite ode à un film euphorisant.

Note : Cette chronique fut initialement publiée sur l’indispensable Nanarland. Je remercie encore ses créateurs pour m’avoir donné l’insigne honneur d’apporter ma modeste contribution à leur site.

L’histoire

Le Colonel John Matrix (Arnold Schwarzenegger), ancien membre d’un commando d’élite et désormais retiré dans la montagne avec sa fille, Jenny (Alyssa Milano), voit ses anciens camarades mourir les uns après les autres. Mais tout ceci n’est qu’une ruse de son ancien coéquipier, Bennett (Vernon Wells), pour le retrouver et le forcer à remplir une dernière mission : tuer Velasquez, le président du San Carlos, et ainsi permettre au général Arius (Dan Hedaya) de reprendre le pouvoir.

Profitez bien du générique, car ce seront les seuls moments de quiétude avant la fin du film.

La fille de Matrix est prise en otage et ce dernier, escorté par les sbires de Bennett, n’a désormais plus qu’une dizaine d’heures pour accomplir sa mission avant que Jenny ne soit exécutée. C’est cependant mal connaître Matrix, qui va tout faire pour récupérer sa fille, tout en abattant par grappes de dix les sbires qui oseront lui barrer la route.

Cas particulier que celui de Commando car le film ne peut, au premier abord, être véritablement considéré comme un nanar, c’est-à-dire, selon la définition généralement acceptée sur le site de référence Nanarland  : un « mauvais film sympathique ». Réalisé par Mark L. Lester, artisan d’honnêtes séries B (Firestarter, Class of 1984 et Class of 1999 notamment), produit par le célèbre Joel Silver (Die Hard, Predator, L’Arme fatale, etc.), Commando bénéficie pour sa bande-son du tout aussi célèbre James Horner et d’un casting plus qu’honorable : Vernon Wells (Mad Max 2, L’Aventure intérieure, Fortress), Bill Duke (Predator) ou David Patrick Kelly (Les Guerriers de la nuit). Le film se suit sans aucune baisse de rythme et ne perd rien de son impact après plusieurs visionnages.

Cependant, en tant que film d’action qui assume jusqu’au bout son scénario rachitique (au prix de nombreuses invraisemblances), Commando provoque à sa vision le même sentiment d’absurde qu’un nanar et, à ce titre, mérite à coup sûr un visionnage entre amis.

Le générique, un modèle de mise en valeur du héros.

Matrix, le personnage principal, nous est décrit dès le départ comme un soldat d’élite monolithique que rien, mais alors strictement rien, ne peut arrêter. Dévaler une pente à toute berzingue dans un 4×4 sans frein, sauter du train d’atterissage d’un avion au décollage, briser des flics en deux ou démastiquer des sbires moustachus avec l’arsenal de la Garde nationale semble aussi naturel et facile pour lui que d’aller chercher une baguette de pain à la boulangerie du coin.

Le dévouement des valeureux représentants de l’ordre : aussi inconscient qu’inutile face à John « en silence et en douceur » Matrix.

Sorti la même année que Rambo 2 (1985), Commando joue la surenchère dans l’action et l’iconisation de son héros invincible. Mais la différence est qu’avec son rythme trépidant (conséquence du compte à rebours avant que sa fille ne soit tuée), il oblige le spectateur à accepter des exploits invraisemblables dont les punchlines, qui rythment ces péripéties, ne font que renforcer le côté too much. Pas question ici de craindre un quelconque échec de sa part (comme dans un Die hard par exemple) : avec la force tranquille d’un rouleau-compresseur, le héros va tracer son chemin jusqu’au combat final contre son ennemi juré Bennett, et le spectateur n’a dès lors plus qu’à se caler dans son fauteuil et admirer le travail d’un professionnel.

Un vendeur de voiture ? Où ça ?

Sully (David Patrick Kelly) : une certaine idée de la classe.

L’élément central du potentiel nanar du film réside en effet dans ce que l’on pourrait appeler la « commando attitude » des personnages, pour reprendre l’expression utilisée par un ancien Premier ministre français. Cela consiste à assumer pleinement son rôle et sa mission, sans jamais se départir de son assurance. Et malheur au pauvre hère qui aura l’idée incongrue de croiser le chemin d’un des personnages.

Un sbire de Bennett doit liquider quelqu’un ? Pas de problème ! Une punchline, une rafale et c’est réglé. Sully veut draguer une femme ? Une clope, un costume qui claque, un sourire de loverboy et c’est dans le sac (enfin presque). Cooke veut une voiture ? Il la prend, explose une vitrine, une voiture (grâce au « virage commando », voir plus bas) et un coéquipier de Matrix au passage. Un hydravion ne veut pas décoller ? Un bon coup-de-poing sur le tableau de bord et c’est parti. Voilà la « commando attitude » ! Même la frêle et sans défense Jenny (Alyssa Milano) a la « commando attitude », n’hésitant pas à envoyer valdinguer l’autorité, qu’elle vienne du supérieur de Matrix, le général Kirby (« Vous avez un mandat ? »), ou du général Arius (« Ca sera encore plus chouette de le voir buter votre sale gueule ! »).

Le fameux « virage Commando », que l’on peut reproduire à loisir sur Gran Turismo ou GTA.  En haut, Cooke et en bas, Matrix. Remarquez comme ils partent tous les deux volontairement en sous virage pour percuter la voiture du pauvre pékin arrivant en face, et ainsi se remettre dans l’axe de la route sans la moindre perte de vitesse. Du grand art.

J’ai intenté un procès à mon costumier, et mon coiffeur a fait appel…

Non, Henrique, ton sacrifice n’aura pas été vain car ta mort restera gravée dans les mémoires avec ce fabuleux « jeté de bras ».

Mais ce qui fait que l’on se rappelle encore de Commando bien longtemps après, l’œil embué par des larmes de rire, c’est d’avoir un bad guy, que dis-je, LE bad guy à même d’en rajouter encore plus que Matrix dans les scènes barrées : Bennett.

Bennett, sourire en coin et cotte de maille apparente. Enfin un homme qui aime son métier.

Vernon Wells (Wez dans Mad Max 2 pour les connaisseurs) doit cependant ronger son frein pendant une bonne partie du métrage niveau action. Obligé de se coltiner des soldats incapables et de faire la baby-sitter (c’est pas génial pour un soldat d’élite qui « aime un peu trop donner la mort »), il rétablit l’équilibre par ses répliques et son ironie. Sûr de lui, il n’hésite pas à remettre à sa place un troufion et le général Arius, qui pensent avoir une quelconque chance de survivre.

- Troufion : « Une lame de couteau dans une gorge d’enfant, ça s’enfonce comme dans du beurre. »
- Bennett : « Toi, tu me ranges ce couteau et tu fermes ta gueule. »

Bennett sait que tout le monde va crever dans le palais, dans des gerbes de sang et des râles d’agonie. La seule question qui importe étant « quand ?». De plus, à l’instar d’un Clarence Boddicker (Robocop) ou d’un Richter (Total Recall), Bennett est un bad guy qui aime son boulot. Un artisan qui a gardé le goût des choses simples. Pas de prêchi-prêcha avec lui, voir les gens souffrir c’est sa came.

A ronger son frein pendant tout le film, Bennett est un tantinet sur les nerfs.

L’apothéose interviendra lors du duel Matrix-Bennett, où ce dernier en arrive à un tel niveau de jouissance à l’idée de planter son couteau dans le bide de son rival qu’on ne peut s’empêcher d’y voir quelques sous-entendus équivoques, la panoplie de Bennett aidant (bottes et pantalon en cuir, cotte de mailles et moustache achèvent d’en faire une sorte de sosie testostéroné du chanteur de Queen).

Enfin, de manière plus générale, Commando offre aussi l’occasion pour le nanardeur novice de pouvoir apprécier, au détour des scènes, de nombreux éléments qui font le charme du nanar véritable, avec son cortège chatoyant de mannequins en mousse, trampolines, figurants débiles et autres maquettes en balsa. Le site commandofans.com en a d’ailleurs dressé une liste exhaustive. Ce qui a l’avantage de permettre un nombre important de visionnages avant de cerner la totalité de cette œuvre ultime qu’est Commando.

Encore un suicide inexpliqué de mannequin en mousse (à noter également : le fabuleux cri de Sully, notamment dans la version originale et son GOULALAAAAA inimitable).

LE plan nichon à ne pas rater dans le film. L’actrice, Ava Cadell, est depuis devenue sexologue et est intervenue dans de nombreux talk-shows aux Etats-Unis dans les années 90.

Branscombe Richmond, alias Bobby Sixkiller, paie les traites de sa voiture et nous offre au passage un hommage avant l’heure à Metal Gear Solid en se faisant expédier fissa dans un placard.

Une maquette filmée sous différents angles pour accentuer les ravages de Matrix. On notera la présence de jolies effigies de soldats en carton (et le fait que les bâtiments explosent de l’intérieur alors que les charges sont disposées à l’extérieur).

Voltige, coordination, débilité profonde. Devenir chair à canon demande un entraînement de tous les instants.

Antichambre vers le nanar, Commando a donc ceci d’exceptionnel qu’il combine à merveille bon film d’action, buddy-movie efficace (avec le duo Matrix-Cindy), jeux d’acteur jubilatoires et ce grain de folie que d’autres, avec des moyens et un talent moindres, ont cultivé à leur façon pour nous offrir des plantes beaucoup plus biscornues. On peut regretter que Mark Lester soit demeuré dans l’ornière de la série B, avec des machins comme Ptérodactyles ; on n’est jamais prophète en son pays.

Les spectateurs qui seront conquis par l’atmosphère absurdo-parodique de « Commando » pourront en suite, sans hésiter, s’envoler vers des contrées plus étranges. En quête de l’ultime nanar.

Edit : vous pouvez désormais retrouver sur ma galerie Flickr une sélection d’images et de gifs tirés du film :)

Texte : Gwendal

Non content de jouer et de composer de la musique, Zappa souhaitait depuis plusieurs années approcher la caméra. En 1962, il avait déja pu le faire d’une manière indirecte en composant la bande originale de The World’s Greatest Sinner ¹ de Timothy Carey. Mais c’est en 1967, avec le tournage d’Uncle Meat, que l’idée de marier musique et image s’affirme. Manque de chance, et surtout manque d’argent, seul un double-album sera commercialisé en 1969 ².

Deuxième chance en 1971 avec le projet 200 Motels, dont la ligne directrice pourrait être « Touring can make you crazy » (les tournées peuvent vous rendre dingue). Soit les aventures des Mothers ³, venus jouer à Centerville, petite bourgade où l’on voit d’un mauvais oeil l’arrivée de ces énergumènes. Ces derniers devront de plus lutter contre les tentations (pacte faustien proposé par l’acteur Theodore Bikel, désirs de carrière solo, course aux groupies, etc.)

Keith Moon déguisé en nonne et en plein bad trip. Heureusement que les (ravissantes) groupies sont là pour le soutenir dans cette dure épreuve.

« C’était vraiment pas l’année pour arrêter de sniffer de la colle »

Voila pour le canevas général, déja bien halluciné. Mais le tournage ne va faire qu’amplifier cette étrangeté, ce caractère bancal. Avec un petit budget financé par la United Artists et la MGM, le film est mis en boite en une semaine en Angleterre. Les idées fourmillent dans la tête de Zappa, qui n’hésite pas à engager dans son aventure le Royal Philarmonic Orchestra, la mezzo soprano Janet Ferguson ⁴ et le Classical Guitar Ensemble de John Williams. Mais il se heurte rapidement aux réalités du cinéma. En particulier le script.

Reconnu pour ses collaborations avec les Beatles ou Hendrix, le co-réalisateur Tony Palmer arrive sur le projet sans fil directeur. Rien de tel pour gaspiller le temps. Comme il le raconte, la moitié des scènes prévues à l’origine ne peuvent ainsi être tournées en temps et en heure, nuisant à la continuité du film. Ceci a pour conséquence le départ de Tony Palmer, auquel se joindront d’autres acteurs et même le musicien Jeff Simmons ⁵.

Pour couronner le tout, le film sera un bide à sa sortie. La même année, Zappa sera grièvement blessé lors d’un concert, poussé hors de la scène par un spectateur, et le matériel des Mothers partira en fumée lors d’un concert à Montreux (inspirant Smoke on the Water de Deep Purple). Bref, « c’était vraiment pas l’année pour arreter de sniffer de la colle« .

A quoi peut donc ressembler le bébé 200 Motels après un accouchement si douloureux ? Plus à une expérience sensorielle qu’à un véritable film, c’est certain. Montage épileptique, travail sur les bruitages conférant une ambiance cartoon, surimpressions (mains glissant sur les touches de piano et partitions mélées), fumées sortant de liquides étranges, le tout réhaussé par les couleurs de la vidéo ⁶ : Zappa n’a jamais été le porte étendard des drogues mais avec ce film, on a vraiment des doutes.

Cet happening déglingué et psychédélique emporte finalement le spectateur par son coté doux-dingue. Que ce soient Ringo Starr, déguisé en Zappa ou en nain (?!), Keith Moon en nonne adepte des drogues dures (?! bis) ou le duo Flo et Eddie ⁷ en roue libre, la bonne humeur est communicative.

Zappa aux manettes, le film contient bien évidemment son lot de chansons. Mêlant expérimentations pop et parties orchestrales, elles ne sont pas forcement les plus intéressantes composées par Zappa. Mais des morceaux comme Magic Fingers, Tuna Fish Promenade, Penis Dimension ou le final Strictly Genteel sont loin d’être déshonorantes.

« Nothing really matters »
Cependant, ce que l’on retient après ce tourbillon de 91 mn, ce sont des séquences ou vous agitez les bras d’incompréhension face aux aventures des Mothers. Jim Motorhead Sherwood tombe amoureux d’un aspirateur géant au doux nom de Gypsy Mutant Vacuum Cleaner tandis que Jimmy Carl Black dégomme du hippie à coup de mitrailleuse dans un bar de rednecks. Et l’orchestre de se voir parqué dans un camp de rééducation, tandis que des hommes à tête de lézard se baladent dans ses rangs. Autant de moments « autre » qui rappellent furieusement le sketch Find a Fish dans Le sens de la vie des Monty Pythons. Une impression encore renforcée par Dental Hygiene Dilemna de Charles Swenson, séquence animée mêlant prises de vue réelles, à l’image des travaux de Gilliam.

Certes, cela ne tient pas la comparaison au point de vue comique (qui le pourrait face aux Pythons d’ailleurs ?) mais 200 Motels réussit son pari de nous faire voyager à l’intérieur du cerveau de Zappa. A l’image de sa présence dans le film ⁸, la rencontre avec son univers reste fugace, chaotique, brouillonne. Mais 200 Motels s’avère suffisamment délirant au final pour baisser un instant son niveau d’exigence cinématographique et l’apprécier pour ce qu’il est : un joyeux bordel qui vous ne laissera pas indifférent.

Texte : Gwendal

Liens

• Vous pouvez également lire deux chroniques de l’album 200 Motels, une d’Oncle Viande sur Forces parallèles et l’autre, par Sytizen, sur Xsilence.net
• Si vous souhaitez regarder quelques extraits vidéos, vous pouvez consulter cette page sur Metafilter
• A voir, un documentaire sur le making of de 200 Motels (en 3 parties) sur Youtube
• Vous pouvez enfin retrouver quelques photos d’exploitation du film sur Cinematic