Peux-tu te présenter rapidement à nos lecteurs ?
Je suis originaire d’Edimbourg (Ecosse), je compose de la bass music ¹ et je joue également en live ou comme DJ. J’ai commencé dès mon plus jeune âge par jouer dans pas mal de groupes mais j’ai eu une revelation lors de ma découverte de la scène clubbing à la fin des années 90. J’ai ainsi eu l’occasion d’assister à un set de Jeff Mills à Pure ² qui m’a retourné le cerveau (Avec mon ami Gary nous avons d’ailleurs appelé cette soirée la nuit “Kerpow !”).

Suite à cela, un groupe d’amis a commencé à organiser des nuits techno à Pillbox ³, qui furent des moments priviligiés, plein de liberté et de chaos. Nous avons ainsi fait venir des artistes comme Dave Tarrida et Neil Landstrumm (qui furent de grandes inspirations) et nombres d’autres merveilles. J’étais DJ résident à l’époque, concoctant des sets techno, acid house et du breakbeat azymuté pour un public très ouvert, une foule de gens des plus plaisants. Cela a été une merveilleuse facon de s’initier aux performances live.

Un peu plus tard (et en faisant un sérieux bon en avant), je suis devenu également DJ résident aux soirées jungle Obscene (Krish et Alice, les organisateurs de ces soirées, ont d’ailleurs produit la première compilation de dubstep en provenance d’Edimbourg avec Profisee – bien que l’ouverture musicale a toujours été de mise dans ces soirées).

Tout ca pour dire qu’il ne m’est pas possible de présenter brièvement !

J’adore sinon un spectre très large de musique, et il y en a seulement deux types pour moi : la bonne et la mauvaise ! Après cela dépend surtout de l’humeur. Difficile donc pour moi d’être plus précis, mais c’est comme cela que je le vois. Cela dit, pour citer des artistes qui me viennent en tête, ce seraient Tom Waits, Talking Heads, Ivor Cutler, Queens Of The Stone Age, toute la communauté qui gravite autour des sound-systems, le label d’Edimbourg Sativae Techno, Kruder et Dorfmeister, Squarepusher, Baobinga, Luke Vibert, Anti-Pop Consortium, Untold, King Tubby, Akira Kiteshi, et je pourrais continuer encore et encore !

Peux-tu nous expliquer la génèse de Black Lantern Music ? Combien le label compte t-il d’artistes et dans quels genres s’expriment-ils ?

Nous (c’est à dire Texture, Harlequinade, Asthmatic Astronaut, Tickle et moi-même) avons lancé le label en 2009. Toutes ces personnes ont joué pendant un bon moment dans des festivals et des concerts sous le nom des Chemical Poets (de l’experimental combinant spoken word et collages sonores), groupe auquel il faut ajouter Gung Who de Church Of When The Shit Hits The Fan et Mo-Seph. Quant à moi, j’ai travaillé avec Texture pendant quelques années sur le side-project Double Helix (rebaptisé depuis Morphamish+Texture). Comme nous avions donc tout un tas de gens talentueux (et d’autres qui continuent d’arriver), cela nous est apparu évident de se rassembler, et de donner au collectif un nom et une identité.

Depuis, nous avons sorti 33 albums , même si huit d’entre eux sont des collaborations entre artistes de BLM, et d’autres ne devraient pas tarder. Quant aux styles musicaux, cela va du hip hop instrumental d’Asthmatic Astronaut aux expérimentations indéfinissables de Sineni, en passant par le hip hop positif signé Burning Bright (Tickle et Salem Anders), l’electro sombre de Blackmass Plastics, le dubstep atmosphérique de Shatterfreak, l’electro punk de Stick 430, le mélange hip-hop-funk-drone-ambiant-electro de Texture, les majestueuses combinaisons jazzy de Daddy Scrabble, le somptueux math rock instrumental de Comma, le “gospel doom crunk” de Church Of When The Shit Hits The Fan, l’electro et le hip-hop de Krowne, les beats et scratches mutants de Mil Maynyrd et mes compositions uniques mêlant breakbeat, dubstep et atmospherique. Je dois en oublier quelques uns mais à vous de creuser !

Jusqu’à présent, 42 oeuvres ⁴ sont sortis et bien d’autres sont à suivre. Avec au programme de la techno, de la drum’n bass, du mid tempo, du trip hop, du breakbeat et même un peu de breakcore. Sans oublier, bien sûr, un nouvel EP de Morphamish et Texture.

J’ai remarqué pas mal d’influences fantastiques (comme John Carpenter ou Edgar Allan Poe) dans la musique présentée sur votre site, ou même le logo qui me fait directement penser à Lovecraft. Es-tu particulièrement intéressés par ce thème, et est-ce un point commun entre les artistes de BLM ?

Morphamish : Pour être honnête, même si j’aime leurs oeuvres, je ne m’en réclame pas particulièrement. Aussi je laisserai la parole à Texture sur ce sujet. Je suis cependant heureux de voir la variété des influences et approches qui ressort du label. Je pense que c’est une force pour nous : un esprit ouvert est bien souvent un esprit heureux.

Texture : Le logo a certainement une influence lovecraftienne ! J’attribuerais une grande part de ces influences à Ali Maloney (alias Harlequinade) qui, bien qu’ayant des goûts éclectiques, a une grande passion pour l’horreur. C’est d’ailleurs un de ses amis, Inkmoth, qui a réalisé notre logo et, bien que nous ne soyons pas autant fan qu’Ali peut l’être de Lovecraft, nous avons tous adoré le dessin dès que nous l’avons vu. C’est une image puissante : un tentacule sortant des profondeurs saumâtres une lanterne pour répandre sa lumière noire sur les flots !

Au niveau musical, les bandes originales de Carpenter m’ont vraiment influencé, et je pense que bon nombre d’artistes du label qui utilisent le synthé le sont aussi. Mais cela nous ramène aux Chemicals Poets, le collectif auquel je participais avec Harlequinade et Tickle et où l’idée de BLM a muri. Ali et moi écrivions notamment des paroles prenant racines dans les univers de la science-fiction et de l’horreur, il était donc normal que nous finissions par travailler avec des personnes dans le même état d’esprit. Mais cela n’a rien d’obligatoire ! Nous ne produisons pas que du “hip hop occulte”, et cela serait un peu déprimant si nous ne rappions qu’à propos de monstres et d’aliens ! Nous pouvons ainsi passer à des atmosphères jazz, funky et plus lumineuses comme le font Burning Bright et Daddy Scrable, ou plus cérébrales comme les morceaux de Morphamish et Blackmass Plastics.

Vos albums sont sous licence Creative Commons ⁵ Pourquoi avoir fait ce choix, et est-ce en rapport avec l’esprit du label ? Comment arrivez-vous alors à le faire tourner et avez-vous d’autres types de ressources financières ?

Morphamish. En effet tous nos albums sont en téléchargement libre, avec cependant une possibilité de faire un don en ligne si cela vous a plu. BLM est avant tout un travail de passionnés et nous avons tous des boulots à côté, même si évidemment, à terme, cela serait génial de pouvoir vivre de notre musique. Actuellement, pour la plupart des artistes, l’argent provient en majorité des concerts, et cela même si vous êtes bien connu dans le milieu de la musique. Mais l’esprit qui anime BLM est simplement de faire en sorte que notre musique soit écoutée, le plus directement et simplement possible.

Auparavant c’était un plaisir d’avoir de la musique sur vinyle et CD, et malgré l’affection que je porte aux vinyles, si on cherche la rentabilité, il me semble improbable que produire autant de trucs étranges nous permette d’atteindre un jour le sommet des classements musicaux ! Mais nous préférons de toute facon sortir de la musique venue du coeur que de simplement suivre la tendance, froidement, dans le simple but de gagner de l’argent. Et de toute façon on ne peut pas dire que nous soyons des businessmen dans l’âme !

Texture. Actuellement Weaponizer (voir plus bas) et BLM n’ont pas vocation à profits mais notre prochaine étape est d’offrir aux musiciens et auteurs une façon de gagner de l’argent grâce aux sites. Mais cela ne veut pas dire que nous allons d’un coup nous mettre à faire payer pour tout ! Nous tenons vraiment à notre slogan “La musique veut être libre”, mais nous pensons aussi que le public peut être intéressé par des produits soignés et soutenir les artistes indépendants. Vous verrez donc très bientot en vente des éditions limités et de haute qualité sur les deux sites.

Vous collaborez avec le site Weaponizer qui publie librement des serials, des BD et des nouvelles. Est ce que vous pouvez nous en dire plus sur ce site et nous expliquer comment est née cette collaboration ?

Morphamish : Je laisse de nouveau la parole à Texture, c’est son domaine.

Texture : Weaponiser a débuté comme un lieu me permettant de publier mes propres textes, et ceci en partie de ma frustration née du journalisme musical. J’ai fini par publier le travail de plus de 80 auteurs à travers le monde, me faisant au passage de supers amis. L’année dernière nous avons sorti notre premier magazine, au contenu entièrement inédit, et nous prévoyons de lancer en 2012 une édition pour les e-books. J’essaie de publier une histoire ou un article chaque jour, mais comme je gère presque tout le site moi-même, et la vie faisant, le rythme est parfois plus irrégulier !

Le premier numéro de Weaponizer format papier

La collaboration entre BLM et Weaponizer a débuté avec la licence Creative Commons, sous laquelle nous distribuons notre musique. J’ai découvert ce type de licence au lancement de Weaponizer, trouvant que cela correspondait très bien à l’esprit dans lequel je voulais publier mes textes en ligne. Cela permet la collaboration, le remix et le partage qui sont les bases d’Internet (ou du moins tel qu’il devrait l’être). Et cela se prête également très bien à la musique.

Je pense que les Creative Commons sont une excellente manière d’illustrer ce que Jonathan Lethem ⁶ appelle l’ “économie du don”. L’échange entre l’artiste et le public n’a rien à voir avec des concepts comme l’argent, le produit ou la propriété intellectuelle, mais au contraire avec les notions de plaisir, d’inspiration et d’’influence.

En mettant à diposition nos créations sous Creative Commons, nous contribuons à faire vivre le domaine public de la culture. C’est une facon d’encourager les gens à y participer, que cela soit en la remixant ou en la consommant. Avec Weaponizer ou BLM, j’essaie de donner aux artistes un endroit où ils pourront commencer à vendre leurs créations (CD, livres, concerts, lectures, etc). Et pour l’instant cette expérience a été un succès : de nombreux auteurs sur Weaponizer ont ainsi pu sortir des livres en auto-publication qui ont bien marché, et beaucoup de musiciens sur BLM ont pu se faire connaitre, et ainsi trouver des concerts et vendre leur musique.

Question bonus ⁷, vos origines celtico-écossaisses ont elle une résonnance pour toi ?

A titre personnel, pas tant que ca d’esprit écossais. A la rigueur celtique pour le sens de la fête. Si l’on considère que la rave est une activité intemporelle, une chose que les hommes font depuis les premiers soirées autour d’un feu. Je suis allé jouer il y a peu en Irelande et j’ai rencontré des artistes fabuleux, dont certains seront bientot disponibles sur notre label.

Je vous conseille notamment Niam de Barra, dont la musique est impregnée d’une ambiance supernaturelle et typiquement irlandaise, telle une créature issue d’une légende populaire, à la fois futuriste et intemporelle. Etre écossais est sinon, inévitablement, une influence mais j’ai plutôt tendance à croire que ma musique est universelle, et qu’elle parle à toutes les personnes étranges, et ce d’où qu’elles soient !

Une des raisons (outre la qualité des morceaux du site) pour lesquelles j’ai décidé de faire cette interview est que tu as utilisé quelques uns de mes dessins pour les couvertures de tes albums. Peux tu nous expliquer pourquoi tu les as choisis ?
Je suis tombé sur tes dessins en parcourant le site Creative Commons ⁸. J’ai particulièrement aimé leur côté brut, leur patte distincitve et l’éclat de ces dessins. Il y a une grande sensation de mouvement dans la plupart d’entre eux, ce qui fait écho en moi, et je suis très content que tu aies accepté qu’on les utilise car ils collent très bien aux morceaux ! ⁹

Merci beaucoup pour le temps que tu as pris pour cette interview ! Voudrais tu ajouter quelque chose pour conclure ?
Restez à l’écoute de Black Lantern, de nouveaux albums vont sortir dans les prochains mois, et ceci dans des styles très variés (breakcore, dubstep, hip hop, electro et bien d’autres). Nous sommes également très impatients de lancer une version remaniée du site dans les prochaines semaines qui sera beaucoup plus accueillante, de plus nous préparons une tournée en Angleterre pour le printemps. Attendez vous donc à une actualité passionnante ! Et bien sur, n’hésitez pas à vous procurez mon nouvel album The Big Picture EP qui est enfin disponible !

The Big Picture, prochain album de Morphamish (Design de la pochette par vous savez qui :) )

Propos recueillis par Gwen
Illustration : Logo de Black Lantern Music par Inkmoth

Can you present yourself quickly for the Centrifugue’s numerous readers ?

Morphamish. I’m from Edinburgh, I play and write diverse bass music and do live and DJ sets. I started playing in various bands when I was just a nipper, and then had a revelation when introduced to the clubbing scene in the late 1990s, Jeff Mills at Pure ¹ blew my mind (my mate Gary and I named the night ‘Kerpow!’).

After that, a circle of friends started up the notorious techno night Pillbox ², it was a very special time, very free and chaotic ! We played host to people like Dave Tarrida, Neil Landstrumm (big inspirations) and numerous other marvels. I was a resident, playing live sets of techno, acid house and crazy acid breakbeats to an incredibly open minded, unified crowd of lovely folk. It was a beautiful way to learn how to play out. A little later, and overlapping in time, I was also resident at the jungle night Obscene (Krish and Alice who ran this went on to form Edinburgh’s first dubstep night Volume with Profisee – though the music policy of the night is, and always has been, very open minded in general too).

Er no it seems I can’t present myself quickly !

I love a very wide spectrum of music, really there’s only two groups – good or bad ! It depends on the mood really. Sorry I can’t be more specific but that’s how I feel. Names that come to mind just now would be Tom Waits, Talking Heads, Ivor Cutler, Queens Of The Stone Age, the whole kaboodle of the sound-system music continuum, Sativae techno, Kruder and Dorfmeister, Squarepusher, Baobinga, Luke Vibert, Anti-Pop Consortium, Untold, King Tubby, Akira Kiteshi, oh I could go on and on !

How and when did you start Black Lantern Music ? How many artists do you have on your label, what kinds of music they make and how many releases for the moment ?

We (Texture, Harlequinade, Asthmatic Astronaut, Tickle and myself) started the label in 2009. Those guys had been performing (with Gung Who of Church Of When The Shit Hits The Fan ³ and Mo-seph) as the Chemical Poets (an experimental spoken word noise collage barrage) for quite a while and doing festival gigs etc, while I’d been collaborating with Texture for some years with our Double Helix project (now re-named Morphamish+Texture out of the necessity for a unique name). We’ve got lots of talented friends (and have made many more since then through it), so it made sense to band together and give the collective a name and identity.

We’ve got 33 acts ⁴on the label so far, though maybe eight of them are collaborations between BLM artists. There’s quite a few we’ve recently met to come too.

Style wise, a few of what we’ve had so far is trippy instrumental hiphop from Asthmatic Astronaut, undefinable experimentalism from Sineni, straight up good vibe hiphop from Burning Bright (Tickle+Salem Anders), balls out dark bassy raving material from Blackmass Plastics, atmospheric dubstep, bass+breaks from Shatterfreak, grizzly punky electro from Stick 430, experimental hiphop/funky hiphop/drone/ambient/illbient/electro/drag from Texture, jazz-laced magesticness from Daddy Scrabble, gorgeous melodic instrumental math-rock from Comma, gospel doom crunk from Church Of When The Shit Hits The Fan, diverse electro and hiphop from Krowne, mutating trippy turntablism and beats from Mild Maynyrd, and nasty left field breakbeat dubstep/atmospheric funky bass music from myself… I’m missing quite a few artists here, you’ll have to have a dig for more!

So far we’ve had 42 releases ⁵, many more to come. I’m planning some more bassy releases, some techno eps, some mid-tempo breakbeat house really chilled trip-hoppy and even some breakcore mentalism at some point soon. Plus of course a Morphamish and Texture EP.

I’ve noticed fantastic influences in the albums availables on the web site (like John Carpenter music or Edgard Allan Poe ) or even the logo which reminds me Lovecraft. Do you have a special interest on this theme ? Is it a important aspect for Black Lantern Music and the musicians who work with you ?

Morphamish. To be honest, John Carpenter and Edgar Allan Poe are not places I draw from majorly myself, though I do love their work. That’s something better left to Texture and Harlequinade… I’m glad that we have such diverse influences and approaches on the label, I think its a strength, an open mind is a happy one a lot of the time.

Texture. The logo definitely has a Lovecraft influence ! I’d put a lot of these influences down to Ali Maloney (aka Harlequinade), whose own work is influenced by a wide range of styles and genres, one of the strongest being horror. It was a friend of his, Inkmoth, who designed our logo, and although not all of us are such big Lovecraft fans as Ali is, we definitely all loved the logo as soon as we saw it. It’s such a strong image – the tentacle lifting a lantern from the briny depths to shine black light across the waves !

In terms of music, John Carpenter scores have definitely influenced my own productions, and I’m sure many of the artists on the site who use synths would claim him as an influence. Really it all comes back to Chemical Poets, the collective that Harlequinade, myself and Tickle were in, and from which the idea for Black Lantern grew. Myself and Ali especially write lyrics that dwell on science fiction and horror imagery and themes, so it was natural that at least some of the acts we ended up working with would have the same influences. It’s not a must, however ! We don’t only release « occult rap ». It would be a bit depressing if we all rapped about sea monsters and space aliens ! We also release jazzy, funky, happy music by folks like Burning Bright and Daddy Scrabble, and intelligent dancefloor-aimed material by the likes of Morphamish and Blackmass Plastics.

Your releases are on Creative Commons so people can download them for free. How did you chose this option ? Is it also linked to the spirit of the label ? How do you manage to run the label this way ? Do you have others ways to make profit (concerts, CD, etc) ?

Morphamish. Yes they are free to download, with an option to donate if you like. Its a labour of love, we’ve all got jobs, though obviously it would be great to make more of a living out of our music. These days money only really comes from shows even if you are pretty well known in your field. We just want to get our music heard without anything getting in the way.

In the past its been great to have my music on vinyl and cd, and despite how much I love vinyl, if you want to break even, doing this amount of weirdness is unlikely to get us to the top of the charts! But we would rather put out music from the heart than simply follow trends in a calculating soul-less way to shift units. That and we aren’t the most business minded bunch!

Texture. Currently both Weaponizer (see below) and Black Lantern are not-for-profit – our next step is finding a way to offer our artists and writers a way of making money through the site. That isn’t to say we’ll suddenly start charging for everything ! We very much believe in our slogan « Music Wants To Be Free », but we also like to think that many people enjoy buying well-crafted products, and like to support independent artists. You’ll see limited-edition, high-quality products for sale from both Weaponizer and Black Lantern before too long.

You work with another website called Weaponizer, which publish free serial, comics and novels. Can you tell us more about this website, and can you explain how does the partnership began ?

Morphamish. That’s Texture’s department so I let him talk about it.

Texture. Weaponizer started as a place for me to publish my own writing, and a reaction to working as a music journalist and not finding it very satisfying. I’ve ended up publishing the work of over eighty writers worldwide, and I’ve made some great friends in the process. Last year we released our first magazine, with all-exclusive content, and next year we’re looking at moving into the e-book market. I try and publish one story or article a day, but as I run the site pretty much solo, sometimes life gets in the way!

Firt issue of Weaponiser

The partnership between the two sites all goes back to the Creative Commons Licenses which we release music under. I discovered the CC License and movement when setting up Weaponizer, and found it to be a really good ideological and legal platform to publish under online. It allows for collaboration, remixing and sharing, which is what the internet is all about (or at least, it should be). This lends itself naturally to music as well. I think Creative Commons is hugely significant in bringing what Jonathan Lethem  ⁶ called « the gift economy » of art into the public mind – the transaction between artist and consumer that has nothing to do with money, product or ‘intellectual property,’ and everything to do with enjoyment, inspiration, and influence.

By releasing stuff under CC Licenses, I see us as contributing to a vibrant and healthy public domain culture, which actively encourages people to participate in making and re-making art, as well as consuming it. With both Weaponizer and Black Lantern, I hope to assist artists in getting to a place where they can start charging for physical products like CDs, books and merchandise, or for live events like concerts and readings, and hopefully give them a platform to do this from. Thus far the experiment has been a success – several of our authors at Weaponizer have released self-published books and done quite well, and many of the Black Lantern artists have used the site to spread their work far afield, helping them get gigs and organise the independent sale of their music.

And special question, does the celtic/scottish spirit has an influence on your work and others artists ?

Morphamish. Speaking personally the scottish spirit not so much, though in a broader sense celtic perhaps, if only in terms of raving being a timeless thing that humans have done since campfires, we do love a party ! I recently went and played over in Ireland, and met some fabulous artists, some of which will be releasing on the label. Look out for Niamh De Barra, she sounds very supernaturally Irish, like a creature from a timeless/futuristic folk taIe.

I suppose being Scottish is bound to be an influence, but I tend to think my own music is universal for freaky people in any location !

One of the reason (apart from the great tunes on your website) I started thinking about your interview is that you used some of my drawings for the cover of your albums. Could you explain why you choose them ?

I found your drawings by looking on the Creative Commons website ⁷. I really liked the directness, distinctiveness and vibrancy of the images. There’s a lot of movement in many of them, they stuck a chord with me, and I’m really glad you are happy for us to use them, I feel they go well with my tunes !

Thanks a lot for the time you took for this interview and, in order to conclude, do you wish to add a few words ?
Stay tuned for loads of new diverse material from Black Lantern over the next few months, including bands, breakcore, techno, deep dubstep breaks+garage, hiphop, electro and yet more un-categorisable stuff. We are really excited to be unveiling an overhauled website in the next couple of weeks which will be even more inviting and user-friendly, plus we are planning a UK tour in the spring, so watch out for exciting times! Oh and look out for my new release The Big Picture EP, out soon!

The Big Picture, next Morphamish's EP (Artwork by you know who :) )

Interviewed by Gwen

Illustration : Black Lantern Music logo, artwork by Inkmoth

Jason Köhnen, alias Bong-Ra, est un musicien hollandais, originaire d’Utrecht. Ses premier pas dans la jungle commencent en 1996 mais il va très vite puiser dans d’autres styles (gabber, jazz, rave).

Après la sortie de trois disques sur Djax Records, la reconnaissance va venir en 2001 avec sa participation aux mythiques John Peel’s Session sur la BBC. Il participe également à la bande originale du film Bikini Bandits, hommage déjanté aux films de Russ Meyer.

Avec des DJ comme Parasite, Enduser ou Shitmat, Bong-Ra devient une des têtes de file de la scène breakcore. Un style inspiré du hardcore ou de la jungle qui permet, par son caractère destructuré, bancal, une assimilation de nombreux instruments et genres comme le rap, le reggae ou le rock.

Témoin de ce mélange continu, l’album Full Metal Racket où Bong-Ra n’hésite pas à puiser dans sa jeunesse, quand il jouait de la batterie et de la basse dans le groupe de doom-métal Celestial Season. Hyperactivité des samples et séquences hypnotiques, ironie et noirceur imbriquées, Bong-Ra nous invite à un free-party en enfer. Au plus profond de la terre, grâce à des sons empruntés à Bolt Thrower, Napalm Death, Carcass ou Slayer. Du grind, du death, du thrash. Ca va vite (voire très vite), c’est lourd et la batterie associée aux machines donne des résultats redoutables.

Alors, certes, il conviendra de signaler aux amateurs de valse que passer au breakcore et ses rythmiques diaboliques risque d’être un tantinet radical, mais la créativité dont fait preuve Bong-Ra mérite de loin ce petit effort.

Liens : Site personnel (très complet, avec de nombreux mixes téléchargeables et achat en ligne) et Myspace

Non, Rassurez vous, cette image n’a rien à voir avec un remake de L’attaque de la Terre par les hommes pieuvres, il s’agit seulement de Drumcorps en pleine représentation.

Né dans le Massachussets, Aaron Spectre (un de ses autres pseudos), après avoir joué dans des groupes de punk-hardcore à l’âge de 16 ans, découvre la jungle et la drum and bass lors de son arrivée à New York en 1999. Il se rend ensuite en 2003 à Berlin, où il débute la production de vinyles. Ces derniers remportent un grand succès et Aaron Spectre enchaîne les concerts.

En 2004, le concept de Drumcorps émerge. Pas de nouveau membre à l’horizon mais un projet parallèle, avec des morceaux beaucoup plus enervés et des prestations originales, combinant parties électro et riffs puissants joués en direct.

Torturée (avec l’utilisation du chant hurlé), rugueuse, la musique de Drumcorps emprunte beaucoup aux expérimentations du post-hardcore (Children, Shora, Ananda). Dissequés et recomposés par ce nouveau Dr Frankenstein, les morceaux originaux gagnent une nouvelle énergie, procurant le même direct à l’estomac que lors de leur première écoute.

Liens : Site personnel avec également des mixes téléchargeables et Myspace

Afin de se remettre de ses émotions, une composition de l’alter-ego de Drumcorps, Aaron Spectre. Un bon vieux riddim à la sauce breakcore :

Dessin, texte : Gwendal
Photos : S.alt (Bong-Ra) - Marco Reckmann (Drumcorps)

En bonus, pour les inconscients et ceux qui n’ont pas encore d’acouphènes, une reprise par Bong-Ra d’un classique du groupe de death metal anglais Bolt Thrower,Cenotaph :

Historique et définition
- Afin d’avoir un aperçu rapide de ce genre musical, la page consacré au trip-hop sur le très bon site Allmusic.com est un incontournable. Et si vous souhaitez en savoir plus, vous pouvez consulter les articles (en anglais) de Milo Miles, sur salon.com, d’Andy Pemberton sur Mixmag Online ou l’article de Nick Hasted dans le journal The Independent.

Actualités et webzines
- Trip-hop.net est la référence des sites francophones. Albums et artistes incontournables, sorties de disques, actualités, tout y est. Mentionnons aussi le site francophone Melozik.com qui possède une section trip hop.

- Pour les anglophones, le choix s’élargit, avec tout d’abord triphop-music.com, un site très complet. On pourra aussi se tourner vers l’agrégateur Topix.net qui compile, dans une section trip-hop, les flux d’informations relatifs à ce genre.

- A recommander également, deux webzines : Dmute.net, site francophone qui s’intéresse aux différentes musiques électroniques mais aussi au rock, au jazz ou à la pop, et Triphop.hu (en anglais) qui regroupe de nombreuses chroniques d’albums.

Archives/ressources
- Vous recherchez un album en particulier afin de découvrir ou compléter votre discographie ? Ces deux sites sont faits pour vous : Triphoppin.net et Tripofagia.

Radios, mixes et streaming
- Pour découvrir un style musical, rien ne vaut au final l’écoute. Cela tombe bien, internet fourmille de sites pour ravir vos conduits auditifs. Pour débuter, rien de mieux que le site The Lonely Note qui vous propose une playlist spéciale « débutants ».
- Consacré à l’electro dans son sens le plus large, Blentwell.com vous propose plusieurs centaines de mixes téléchargeables dont une dizaine consacrés au trip hop.
- Faites également un tour sur UMFM.net qui regroupe plusieurs radios passant du trip hop.
- Attakezonoro vous propose d’écouter mixes et morceaux en streaming sur son site, ou vous pouvez vous rendre sur le podcast Idyllicmusic.

Avec ce paquetage, vous voila désormais parés pour l’aventure trip hop. Et rappelez vous, toutes les musiques sont sur internet, il suffit de fouiller !

Texte et dessin : Gwendal

Petit retour en arrière dans le continuum spatio-temporel. Les années 60 aux Etats-Unis. L’explosion de la funk et de la soul. Et parmi tous ces groupes, les Winston Brothers, basés à Washington DC. Emmenés par le batteur G.C. Coleman et Richard L. Spencer, chanteur, saxophoniste et ancien partenaire d’Otis Redding, les Winston Brothers sortent en 1969 un album deux titres, Color Him Father.

La chanson éponyme se classera numéro 7 du Billboard Hot 100 mais la révolution va provenir de la face B, avec le morceau Amen Brothers, reprise funk d’Amen, classique du gospel. Et plus précisement d’un extrait de 6 secondes d’un solo de batterie de G.C. Coleman, à 1mn 27.

Cet extrait va devenir devenir réellement indépendant dans les années 80 avec le développement de la scène hip-hop. Ces artistes vont alors puiser dans le gigantesque patrimoine de la musique noire (rythm and blues, soul, funk) pour y dénicher des morceaux susceptibles d’être réutilisés. Deux compilations vont notamment constituer les piliers de ce courant musical : King of the Beats, par DJ Mantronik (alias Kurtis el Khaleel) et Ultimate Breaks and Beat par Breakbeat Lenny (alias Lenny Roberts). De nombreux producteurs de hip-hop vont les utiliser pour venir y piocher les samples appropriés. La notoriété de ces albums va gagner l’Europe au début des années 90, en particulier dans la scène rave naissante.

Ces fameuses 5 secondes d’Amen Brothers vont y subir un traitement de choc. Accélerées, mélangées à des mélodies issues du hip-hop ou du reggae, elles vont traverser les différents courants électro, de l’acid house et son dérivé, le breakbeat hardcore, à la drum’n bass, la jungle ou le breakcore. Et devenir à nouveau les fondations de ces styles. Les Winston Brothers auraient bien du mal à reconnaître leur bébé.

Extrait d’un mix de Parasite (Braindrop du 28 septembre 2007). La chute de l’extrait est un peu brutale mais vous pouvez retrouver l’intégralité du mix sur Braindamage Radio. Edit : retrouvé le nom de la chanson, il s’agit d’Amen Motherfucker (désolé pour la vulgarité) par Maladroit.

C’est d’ailleurs l’autre originalité du Amen break. Repris des milliers de fois, trituré dans tous les sens, la paternité de ce sample revient incontestablement aux Winston Brothers. Pourtant, même s’ils avaient les moyens légaux, ces derniers n’ont jamais poursuivi en justice les DJ utilisant leur morceau. Lassés à l’idée de devoir mener des milliers de procès, conscients qu’eux-mêmes s’étaient inspirés de la reprise d’Amen par Curtis Mayfield, ou acceptant que leur morceau ne leur appartenait plus ? Les Winston ne se sont pas exprimés sur le sujet à notre connaissance. Peut-être avaient ils tout simplement repris à leur compte cette citation de Picasso : « Copiez, copiez, un jour vous ferez une œuvre. »

Texte : Gwendal

Photo : Ethan Hein ; Winston Brothers

Liens :
Pour les anglophones, l’écrivain et artiste Nate Harrison a réalisé un documentaire audio très intéressant sur l’Amen break. Il est consultable sur son site ou directement sur Youtube
Un article très complet (en anglais) est également consultable sur le site Breath of Life
Un site consacré à DJ Mantronik

En bonus, quelques exemples de reprises du Amen break :

DJ Yura (Amen break mélangé à du Dimmu Borgir et du Alien Ant Farm, ça ne s’invente pas)

Version dubstep par Adapt

Les Freestylers se sont formés autour des DJs et producteurs de musique électronique Matt Cantor, Aston Harvey et Andrew Galea, tous trois impliqués dans la scène anglaise depuis les années 80. Leur premier hit est le single Drop the Boom, en 1996, et fait le tour des dancefloors en Angleterre et à Miami. S’en suit la sortie de l’EP Freestyle, toujours en 1996.

C’est à ce moment qu’Andrew Galea quitte l’aventure. En retour, le groupe s’étoffe avec l’arrivée aux scratchs de Jason Tunbridge (alias Mad Doctor X, l’homme qui peut même scratcher sur Street Fighter 2), du guitariste Tony Ayiotou, du batteur Clive Jenner, du bassiste Joe Henson, ainsi que de deux MC occasionnels (MC Navigator et Tenor Fly, vétérans de la scène jungle) et trois breakdancers dont on peut admirer le talent dans le clip de B-Boy Stance :

La reconnaissance auprès du grand public débute en 1998, avec la sortie de l’album We Rock Hard. Le single B-Boy Stance deviendra un hit au Royaume-Uni. Le morceau Don’t Stopleur ouvrira également les portes du marché américain. Les Freestylers sortiront par la suite les albums Pressure Point (2001), Raw as Fuck (2004) et Adventures in Freestyle (2006).

S’ils ont été portés médiatiquement par la vague du big beat venue d’Angleterre (Prodigy, Chemical Brothers ou Fatboy Slim pour les plus connus), attribuer leur succès à une mode serait réducteur. Car les Freestylers arrivent à condenser dans leur musique plus de 20 ans de culture du clubbing. Soul, funk, electro-funk (Soul Sonic Force fait ainsi une apparition surWe Rock Hard), house, acid, rave, jungle, dub, dancehall, hip-hop, toutes ces influences convergent vers un seul but : faire danser, longtemps et avec toute son énergie.

Cet art du mélange fait penser aux Beastie Boys (c’est une lubie chez moi) mais les influences punk-hardcore des kids de Brooklyn sont ici remplacées par les scènes des free parties, qui ont emergé au Royaume-Uni, que cela soit l’acid techno ou la jungle. Et c’est ce qui peut constituer une limite auprès d’un public habitué aux tubes.

Si des morceaux comme B-Boy Stance, Ruffneck ou Painkiller s’insèrent parfaitement dans ce créneau, le format « album », avec des titres bien séparés, ne rend pas justice à leur talent. L’achat de We Rock Hard est certes des plus judicieux mais des sets comme celui au club Fabric (vol 19, en 2004) ou l’Essential mix de Radio 1 (en 1998) permettent d’apprécier au mieux les changements d’ambiance et leur imbrication ainsi que les légères variations apportées aux morceaux.

Alors certes, après les avoir écouter, vos rotules seront en miette à force de vous prendre pour le roi du dancefloor et vos oreilles auront été dévastées par des basses nucléaires mais votre cerveau, lui, continuera de se dandiner jusqu’au bout de la nuit.

Liens :
Le site officiel
Le site Myspace de Tenor Fly
Le site Myspace de Mad Doctor X
Le site Myspace de MC Navigator

Texte et dessin : Gwendal (d’après pochette de disque du groupe punk Savage Circle)
Photo : The Freestylers

En bonus, Tarantula de Pendulum avec une apparition de Tenor Fly :

Fondé en septembre 2003, entre Cologne et Bonn, Bambam Babylon Bajasch se compose de quatre membres : Bambam Delay et Desmond Denker pour les parties instrumentales (ordinateur, synthétiseur, platines) et deux chanteurs, Doc D2N8 et Luciano Sarotti, passant de l’anglais à l’allemand et même le patois colognais, qui s’adapte à merveille avec le flow du ragga. Le groupe  tire son nom du mot « Bajasch », version colognaise du mot français « bagage ». Un symbole de leur musique, motivée par le voyage, l’échange et le mélange des influences.

Bambam Babylon Bajasch a déja de nombreux concerts à son actif en Allemagne, ainsi qu’une récente tournée en Israël et en Palestine. Via leur label, Basspraesidium, le groupe reprend à son compte la vision « do it yourself » (fais le toi-même) du punk-hardcore, en produisant leur albums et en organisant des soirées.

A l’écoute de Bambam Babylon Bajasch, il vient automatiquement à l’esprit un certain trio de Brooklyn, issu lui aussi de cette culture DIY : les Beastie Boys. Joutes verbales entre chanteurs, jeu et recherche avec les sons, aisance à passer d’un style à l’autre, le tout avec une ironie punk.  L’utilisation d’un sample de Hold it now Hit it dans Beer Sniffin Def, comme un clin d’oeil. Et même le nom (BB et BBB) ! Impossible de ne pas faire la parallèle.

Bambam Babylon Bajasch est cependant tout sauf un ersatz. Les membres du groupe ont juste la même envie que leurs prédecesseurs d’expérimenter, de considérer leur travail comme de la chimie musicale. Or depuis la sortie de Cooky Puss, premier morceau rap des Beastie Boys, en 1983, de nouvelles substances sont apparues avec l’explosion de la musique électronique, en particulier en Allemagne ou en Angleterre. Tempo frénétique du breakcore ou basses profondes du dubstep : autant de nouveaux réactifs à disposition de Bambam Babylon Bajasch, qui ne se prive pas de les utiliser. Et c’est bien légitime.

Dessin, texte : Gwendal Uguen

Photo : Bam Bam Babylon Bajasch

Bonus audio, One love

Bonus vidéo, Mülltonn Crew

A écouter également, Sofaration, au rythme enlevé et qui rappelle les premiers albums d’Asian Dub Foundation, et The Dawn, qui offre un moment plus posé, voix envoûtante et beat teinté d’amertume :

Liens :

Site officiel

Site Myspace

Site du label Basspraesidium

Avant de faire les présentations, il convient de souligner les débats existants quant à la définition de la jungle. Liée dès l’origine à la drum’n bass, les termes sont d’ailleurs parfois utilisés indifférement, ce qui ne facilite pas la compréhension. Les amateurs de précision peuvent à ce titre se tourner vers les articles publiés sur Wikipedia (en français et en anglais) à propos de la jungle et de la drum’n bass qui sont relativement complets.

Pour simplifier (et faire avancer quand même cet article !) on peut considérer la drum’n bass plus proche du jazz, avec une approche instrumentale et expérimentale. La jungle (ou pour etre plus clair ragga-jungle) quant à elle s’étant développée grâce à l’implication de la communauté jamaïcaine en Angleterre, ce qui se traduit par la présence d’un toaster et l’utilisation intensive de riddims, d’où une présence plus accrue des voix.

Le ragga-jungle, propulsé par Congo Natty (alias Rebel MC) ou les Ragga Twins, a connu son heure de gloire entre 1990 et 1995. Son intérêt dans les clubs a par la suite diminué et ce style est devenu un marché de niche, perdurant grâce à de nombreux petits labels très actifs. C’est au début des années 2000 et grâce à la démocratisation de l’accès au net que les échanges entre ces communautés se sont multipliés, permettant au ragga-jungle de reprendre du poil de la bête. De nombreux DJs ont alors pu se réapproprier ce genre musical.

Symbole de ce renouveau, le label Trilogy Sound, créé par Tester et Sinista en 1998. Fonctionnant sur le même principe qu’un sound system, leur musique est ce qui se fait de mieux actuellement en terme de ragga-jungle, grâce à un choix de riddims impeccable. Des breaks dynamiques mais sans agressivité et qui confèrent aux morceaux des qualités mélodiques indéniables. Autre DJ dans cette mouvance « roots », Paulie Walnuts est lui aussi une valeur sûre et constitue une très bonne entrée en matière.

L’assimilation de la jungle par la mouvance breakcore est l’autre élément de cette renaissance. La musique se situe en revanche sur un plan beaucoup plus rude, proche du ragga et du dancehall, avec des breaks en perpétuelle instabilité. Nous avions parlé précedemment de Bong-Ra et d’Aaron Spectre, mais l’on peut également citer parmi les principaux artistes Istari Lasterfahrer, Soundmurderer, Shitmat, Rotator ou FFF (aucun rapport avec notre très recommandable Fédération française de funk). Citons enfin le label Life4land, dont DJ Parasite, n’hésite pas non plus à s’en inspirer.

Le ragga-jungle, c’est par ou ?
Ragga-jungle.com et Raggajungle.biz constituent les deux sites de référence. Fédérant une grande partie de cette communauté, vous pourrez y trouver un maximum d’informations sur les artistes, l’histoire et l’actualité du mouvement. A noter également que nombre de DJs n’hésitent pas à mettre à disposition leurs mixes afin de pouvoir juger leur travail.

En parlant de musique, sept mixes (ragga-jungle et raggacore) de Madeinmade sont téléchargeables ici et cinq autres sur le site du label Indajunglerecording. Les sites Dnb-Sets et Core News, bien qu’ils ne soient pas purement centrés sur la jungle, proposent également de nombreux mixes.

Quant aux amoureux des galettes noires, ils ne seront pas en reste en allant farfouiller sur Free Burning Records, spécialisé en jungle, Switchrec, Sound Bytes Records, DSWAT.net, Death$sucker Records ou le site très fourni de Mirage 2000 Records. Des pochettes soignées, des prix abordables, que demander de plus ?

Encore un peu de son ? Avec plaisir :

Texte et dessin (d’après la pochette de l’album Dreads at the controls) : Gwendal

Pour aller plus loin :
Un peu de lecture (en anglais) pour les assoiffés :

• Un article sur l’histoire de la jungle par Sarah Bentley et publié dans K mag. La journaliste propose également 10 morceaux oldschool et 10 autres newschool incontournables. Edit : l’article ne semble plus disponible à la lecture, mais si vous souhaitez vous le procurer, il est paru dans le numéro 109 de K-Mag
• Un article de Breakcoreworld à propos du phénomène raggacore. L’article dresse également la liste des principaux artistes de cette mouvance.
• A suivre également le blog de Parasite, membre de Life4land et fondateur de DSWAT.net, pour l’actualité de la scène anglaise.
• Edit : et vous pouvez retrouver également une sélection de morceaux sur la chaine Youtube de Centrifugue

En bonus, même DJ Yoda se met à la jungle (remix de Collie Buddz – Come Around) :

Compliqué de parler de musique électronique hardcore sans faire lever le sourcil au lecteur. Outre le fait que je devrai subir les quolibets de mes camarades amateurs de metal pendant plusieurs semaines, son image n’est pas géniale de prime abord. Pour résumer, je me retrouve coincé entre ceci :

Et cela :

Loin de moi l’idée de dénigrer ces styles (je ne connais pas assez et il y a surement des choses qui me plairont là dedans) mais, que cela soit la première et son overdose à l’hélium et l’autre qui me rappelle les pubs des années 90 pour les compilations Thunderdome, c’est un peu too much à mon goût. Heureusement, lors de ma découverte du breakcore, je suis tombé par hasard sur un DJ qui proposait un bon équilibre entre noirceur, puissance, douceur et harmonie, le tout avec une grosse dose d’humour : j’ai nommé Luna C.

Sesame Street, le premier morceau qui fera connaitre Luna C.

A peu près inconnu en nos terres fromagères, Christopher Howell, alias DJ Luna C ¹, est pourtant l’un des DJ emblématiques de la scène electro hardcore. N’ayant même pas encore atteint la vingtaine, ce champion de skate se fait connaitre du grand public en Angleterre en 1992, avec le groupe Smart E’s et sa reprise du générique de Sesame Street ². Le titre se retrouve en deuxième place du classement des singles au Royaume-Uni et contribue à la médiatisation de la dance music ³. Revers de la médaille : ce côté “blague” du morceau de Smart E’s sera repris ensuite à l’excès dans les années 90, et pas forcément pour le meilleur.

Une autre variation du concept de « pianocore« .

Mais 1992 est également l’année de la création du label Kniteforce Records par Luna C, ce qui va lui permettre de produire des centaines de morceaux et remixes. Et ceci dans un registre très varié (drum and bass, breakbeat, happy ou old school hardcore). Des sous labels se créeront au fur et à mesure autour de Kniteforce pour suivre les évolutions de la scène electro mais, en 1997, l’aventure s’arrête sous le poids de factures accumulées par Luna C.

Un clip qui montre bien la variété de l’univers de Luna C

Kniteforce Records renaitra de ses cendres en 2001 sur Internet, sous le nom de KFA (Knite Records Again). L’homme est habile et le succès du site (et des ventes qui suivront) lui permet ainsi de regagner en popularité avec, en 2003, une série de tournées aux Etats-Unis, au Canada, en Europe ou en Australie. C’est également l’époque où Luna C commence à produire ses “Supasets” (Huit mixes à ce jour) qui, de mon avis, sont les meilleurs portes d’entrée vers le monde de l’electro énervée, de par la variété des styles proposés.

Sesame Street remis au goût du jour dans ce clip délirant

Terminons par un dernier aspect de Luna C : son humour. Tout comme Bad Brains autrefois, j’ai le défaut de le mettre à toutes les sauces en ce moment mais c’est un aspect des plus rafraichissant. A l’instar de DJ Yoda, on sent au travers de la musique ou des clips de LunaC un plaisir juvénile communicatif.

Pour aller plus loin
Bien entendu, le site officiel de Luna C, Knite Force Revolution, avec un blog, des infos sur les tournées et les labels affiliés ainsi qu’une section audio des plus fournies. Vous y trouverez ainsi les huit “Supasets”, mais je vous conseille également le mix Harcore 4 Warp Headz dans la même section. Vous pouvez enfin retrouver Luna C sur Soundcloud et acheter ses morceaux sur Juno Download.

Je ne résiste pas à vous faire écouter cet extrait du mix Hardcore 4 Warp Headz qui résume à merveille (et à mon goût) l’essence du hardcore electro (désolé d’avance, ca coupe un peu brusquement) :

Pour les amateurs de hardcore electro, je vous conseille également d’aller faire un tour sur le site de DJ Brisk, un des compatriotes de Luna C et autre grande figure avec Slipmatt de cette scène. Next Generation, son podcast en association avec DJ Fracus, propose une sélection de qualité ainsi qu’un humour typiquement british.

Terminons par un site, dont j’avais déja eu l’occasion de vous parler à propos d’Ed Cox : Braindamage Radio. Le site est plus ou moins en friche depuis un an (même s’il redonne depuis peu des signes de vie) mais il propose toujours une sélection de mixes electro des plus variés.

Sur ce, je vais tenter de me replonger dans la vie trépidante de Timothy Leary. Mais en attendant vous pouvez faire un tour du côté du psychédélisme cathodique français.

En vous remerciant

Texte, dessin (refait d’après une photo d’Andrew J Attah) : Gwendal

Quel est ton parcours musical ?
J’habite Cambridge, en Angleterre, et j’ai commencé à faire de la musique depuis mes 7 ans, en suivant des leçons de piano. J’ai joué ensuite dans un groupe à 10 ans, à l’école primaire et, vers 12-13 ans, j’ai laissé tomber le piano, qui ne m’intéressait plus, pour jouer de la basse dans un groupe de punk, avec le futur co-créateur de Life4land, Monsta. C’est vers 16 ans que Monsta et moi avons monté un groupe de trip-hop, où je me suis remis au clavier, tandis que Monsta s’occupait du scratch et des rythmiques. Au même moment, je suivais une « foundation course » (NDLA : classe préparatoire avant l’université pour les musiciens) en musique contemporaine et populaire, que j’ai d’ailleurs raté !

Au lycée, je jouais dans deux groupes, un de punk folk et un autre de funk et drum’n bass. Nous avons continué à donner des spectacles durant un an, après le lycée, et c’est avec ce deuxième groupe que nous avons commencé à participer à des soirées techno et drum’n bass.

Un remix de Sizzla par Monsta, ami d’Ed Cox et cocréateur du label Life4land

Un an après, en janvier 2000, nous avons organisé avec Monsta la première soirée Life4land, et c’est à partir de là que nous avons commencé à produire de la musique électronique et à recruter de nouveaux membres. Life4land est ainsi devenu à la fois un label et un sound system. C’est d’ailleurs à cette période que j’ai commencé à apprendre en autodidacte l’accordéon, mais ce n’est qu’à partir de 2005 que j’ai commencé à utiliser cet instrument par-dessus un beat électro.

J’ai par la suite fait le musicien ambulant avec mon accordéon pour gagner un peu d’argent. Suite aux retours positifs de la part du public durant les free parties, j’ai trouvé que cela pourrait être une bonne idée de m’habiller en clown et d’aller me produire dans les rues.

Au même moment, j’ai commencé à jouer dans d’autres free parties à travers le pays, ce qui m’a permis de me faire connaître, en plus d’internet, et de commencer à trouver des engagements pour des fêtes légales. Depuis, je vis de la vente de CD, de concerts et de mes représentations dans la rue.

Peux-tu nous expliquer ce qu’est le clowncore pour des néophytes de la musique électronique ?
C’est un mélange de dance music (NDLA : musique électronique de façon large, à ne pas confondre avec l’eurodance) et de folk, fortement influencé par le ska, la jungle, l’acid techno, la drum’n bass, le blues, le dub ou le breakcore. Les Pogues ont été ma plus grande influence quand j’ai choisi l’accordéon, j’ai ensuite été avec une petite amie française passionnée d’accordéon. J’ai ainsi vécu en France pendant sept mois et c’est là que j’ai découvert une passion pour le jazz manouche.

Dans quels pays t’es tu produit jusqu’à présent, quelle a été la réaction du public face à ton style musical ?
Pour l’instant, j’ai donné des concerts en Angleterre, en France, en Belgique, aux Pays-Bas, en Allemagne, en République Tchèque, en Hongrie et en Italie. Je suppose que cela dépend de leur humeur initiale, mais la plupart du temps les gens sont agréablement surpris et n’hésitent pas à sourire.

Pourquoi as-tu choisi de te déguiser en clown pour jouer ?
Suite à une blague d’un ami, qui trouvait que ma musique ressemblait à du « hardcore clownesque », ce style est devenu peu à peu un projet parallèle. Quand je jouais dans la rue, je trouvais que c’était une bonne manière de montrer mon travail au public. Cela cassait les clichés habituels sur la musique techno, qui était liée forcément aux drogues pour la plupart des gens. Et quand je vois des enfants de 4 ans comme des personnes de plus de 80 ans apprécier véritablement ma musique, je pense que ça marche.

Ce masque de clown et ces vêtements ont aidé certains à voir ma musique sous un angle positif. Je n’en suis pas vraiment sûr, mais cette panoplie est presque liée à ma musique désormais. Quand des gens achètent une place pour aller me voir, ils semblent parfois déçus que je ne sois pas forcément déguisé.

Au gré de mes déplacements, j’ai rencontré d’autres « congénères clowns » et maintenant, grâce à ce réseau, nous participons ensemble à des concerts. Le public peut ainsi apprécier durant ces soirées de la musique gipsy, suivie d’une rave, avec des clowns faisant du trapèze, du jonglage et bien d’autres choses. Grâce à ce « cirque infernal », cela devient pour le public une autre expérience qu’un simple clown jouant de l’accordéon sur de la techno.

Ta musique combine les deux aspects du clown, l’auguste et le clown blanc, avec le mélange de rythmes frénétiques et de parties mélancoliques, parfois dans la même chanson. Souhaites-tu prendre de la distance par rapport à la vision plus inquiétante du clown (comme le personnage de Pennywise dans Ca, de Stephen King) ?

Pas nécessairement, je pense que je ne dois pas refuser une idée même si je risque d’effrayer les gens. En fait, parfois, je suis ce clown, Pennywise. La plupart de mes mélodies semblent a priori enlevées, avec cette rythmique syncopée, alors qu’au final elle n’a qu’une place mineure dans mes compositions. Le timbre a un effet tout aussi important dans la perception : une même mélodie, avec un son de synthétiseur différent peut tout à fait basculer de la mélancolie à la gaieté.

Gispy Kid, l’un des premiers morceaux d’Ed Cox entendu par votre serviteur. Et qui fut suivi de cette réaction légitime : mais quel est le malade qui a composé ca ?

L’utilisation de l’accordéon ainsi que certaines de tes compositions influencées par le ska semblent, à première vue, étrangères à l’univers de la techno. Comment t’est venue cette idée de combiner ces styles ?

Quand j’ai commencé à produire de la musique, je ne me suis jamais résolu à rester dans un seul genre. J’ai appris à produire de la drum’n bass, de la techno ou de la dub. Cela a été une progression naturelle d’ajouter à de la jungle la rythmique syncopée du ska. C’était une expérience et cela a donné je crois un bon résultat. Ces idées viennent en jouant et en expérimentant. Récemment, j’ai beaucoup travaillé avec MDS et Ghost, ainsi que d’autres DJs de Life4land, et ils m’ont apporté beaucoup.

Actuellement, je travaille avec Stivs sur un autre projet reggae/dubstep/jungle, qui s’appelle The Dog Shit Crew et j’ai également commencé à jouer avec des amis dans un groupe ska-dance music, avec des saxophones, des synthés, de la basse, de l’accordéon et des chanteurs. Je me suis même mis à chanter, accompagné de mon seul accordéon, ce qui me change beaucoup du simple MC lors des sessions drum’n bass.

Le clowncore, comme tu le dis, est un de tes projets, mais pas le seul. Est-ce nécessaire pour toi de ne pas réduire ta musique à ce seul aspect ?

C’est la musique qui décide quel chemin elle veut prendre, et le clowncore a été une source d’inspiration suffisante pour en faire un CD (NDLA : Clowncore, composé de 21 titres de 2000 à aujourd’hui et reprenant 8 titres sortis sur Hardcordian). Ma musique peut être tout aussi bien ennuyeuse et normale. J’aime faire de la drum’n bass ou de la techno classique, je fais aussi de la dub. Dès que j’aborde un style musical, je veux toujours tenter le coup.

Tu fais partie du label Life4land, peux-tu nous expliquer son travail ?
Avec Monsta, nous avons démarré le label Life4land comme un sound system. De plus en plus de monde sont venus nous aider pour organiser des soirées, produire ou faire du djing. Nous avons commencé à sortir des CD et des vinyles début 2000, grâce à l’aide d’amis allemands. Actuellement, nous avons produit 5 vinyles et 5 CD. Contrairement à beaucoup de labels, Life4land est plus un réseau, un collectif de musiciens qui décident de travailler ensemble. Chacun des membres a ensuite sa propre communauté et peut décider de faire des concerts seul ou avec d’autres membres, à travers l’Angleterre ou l’Europe. Nous sommes environ 10 à 15 DJs, de trois générations différentes. Certains ont même participé à leur première soirée techno via celles de Life4land.

Quelle est l’attitude des hommes politiques en Angleterre concernant les free-parties ? As tu eu des problèmes pour en organiser et si oui est-ce toujours le cas ?
Les organisateurs de raves prennent le risque de se faire confisquer leur sound system et d’écoper d’une ASBO (Anti-social behaviour order). Par exemple, vous pouvez risquer la prison si vous organisez une autre rave par la suite. Les free-parties sont au plus bas actuellement dans le sud de l’Angleterre. C’est devenu un jeu du chat et la souris avec les policiers. Le matériel peut se faire confisquer, mais il y aura malgré tout une soirée ailleurs !

Propos recueillis par Gwendal
Photos : Ed Cox et Lil’ Pete

Liens
Site Myspace
Les disques d’Ed Cox sont disponibles sur le site Outerbound et sur le site de Life4land

Des mixes de Life4land, dont ceux d’Ed Cox, sont en libre téléchargement sur Braindamageradio

En bonus, deux morceaux d’Ed Cox plus mélancoliques mais tout aussi réussis :

Clown Koala

Petrified Forest