Punk hardcore et punk-rock

S’il est peu aisé d’adjoindre une étiquette musicale précise au « grunge » (tant il résulte de la fermentation d’un mélange de différents crus punk, metal, pop, classic rock des années 70 et 80), le dénominateur commun à tous les groupes qui ont créé cette scène semble pourtant être la notion d’ « indie rock« , qui implique une dimension plus sociale que musicale stricto sensu. Rock pour la tendance globale, indie pour l’aspect « Do It Yourself » (DIY), le rejet du music business et le réseau constitué de petits labels et de fanzines.

Il y a, de ce point de vue, une forte accointance avec le punk-hardcore qui commence à grouiller dans les foyers infectieux de Washington DC (Minor Threat, Bad Brains,…), L.A. (Black Flag) ou Frisco (Dead Kennedys) au début des années 1980. Avec la pluie en plus. Et l’aspect militant en moins.

Dead Kennedys – California Über Alles, 1979 … un classique instantané

Point de straight edge connu non plus sur la scène « grunge », ni d’activistes à la Ian MacKaye ou Jello Biaffra. Il est ici question de refus : du matérialisme, de prendre sa place dans la société actuelle, de devenir adulte, de la morale, des règles. Un refus engendré par la déception.

Et ceci sans porte-voix, mais plus à titre individuel. Avec pour seules armes une guitare cheap et une grosse caisse trouée. Plus que de DIY, il s’agit de « Think For Yourself », avec la conscience du monde qui t’entoure. David affrontant Goliath. En sachant qu’il a perdu d’avance.

Black Flag, Nothing Left Inside : premier morceau de la face B de “My War” (1984). Un groupe de hardcore joue pour la première fois lourd, lent, plombé, tout en gardant sa fureur punk. Tout simplement l’acte fondateur du grunge, du sludge metal et du post hardcore.

Les Melvins représentent à merveille ce type de groupe issu du punk-hardcore, fortement influencé par Black Sabbath et par la face B de l’album My War de Black Flag. Provocateurs, malins et sardoniques ², ils ont développé au long de leurs 25 albums une musique lourde, métallique et sans concession à tendance geek ³. Et ils n’ont eu de cesse d’expérimenter et d’innover, en osant même des incursions fugaces du côté de la pop, du glam-rock, du doom, de l’électro ou encore du dark ambiant ⁴.

Le jeu des sept différences :

The Melvins, 1984

The Melvins, 2011 (live intégral au Hellfest, veinards !)

Et un point de bonus pour qui reconnaitra celui qui se cache en backstage =)

Le punk-rock est aussi une influence fondamentale, omniprésente (il a lui-même donné naissance au punk-hardcore). Citons à la volée une poignée de groupes qui ont marqué au fer rouge l’histoire de la musique du vingtième siècle : The Clash, Ramones, Sex Pistols, The Stranglers, The Saints, The Wipers, The Ruts, etc.

Au delà de l’influence musicale majeure de ces groupes sur le grunge et l’indie rock 90’s (qu’il est inutile de développer ici), je tiens à insister sur le modèle qu’ils ont incarné dans les nineties.

American Psycho de Marry Harron, avec le tout jeune Christian Bale. Patrick Bateman, le héros, est un modèle du yuppie, pétri de la culture fric et superficielle des 80′s.

Le coup de balai aux hippies et aux mastodontes du rock, instauré par les punks dans les 70’s, a été la voie à suivre pour les grunge vis-à-vis des yuppies et de la pop commerciale institutionnalisée. C’est un lien étroit et intime qui unit ces deux générations. (Voir la première partie)

Pour le plaisir… (coup de gong)
Note de Gwen : Oups, réflexe conditionné. Désolé, voila la bonne chanson !

Les méséstimés Wipers, Return Of the Rat (1979) …plus tard repris par Nirvana

Métal, glam

Des punks donc, mais pas que ! Époque oblige, il transpire dans la musique grunge une forte odeur de metal à moitié assumée, crasseuse. Plus lourde, plus sale et plus criarde que celle de la transpiration d’un Steve Harris ⁵ à la sortie d’un concert.

De forte influence sabbathienne, on l’évide de sa substance fun (looks hair metal à la Mötley Crüe, histoire rocambolesques, stades, groupies…) pour en conserver la lourdeur et la puissance (pas de solos ni de double grosse caisse à tout va, tempos ralentis, unissons,…) et l’on mélange cela à une fureur punk faite de sueur et de sang.

Les débonnaires Tad pourraient être de très bons représentants de cette musique. Mais les autres exemples ne manquent pas : Soundgarden qui exploite la lourdeur et le son cru en y accolant une influence rythmique très 70’s, Alice In Chains et ses sons de guitare aux accents doux-acides de scie sauteuse ou encore Blood Circus…

Besoin de cheveux, de graisse et de rock burné ? Tad est la réponse ! Grease Box, 1993

Alice In Chains, Them Bones – 1992. RIP Layne

Pour l’anecdote, le groupe Nirvana écoutait en boucle Ace Of Spades de Motörhead lors de sa tournée américaine de 1989. Mais ne s’en vantait pas, craignant ne pas être conforme à l’image « indé » qu’ils voulaient se donner. Metalleux refoulés, les idoles d’une génération ? Seul Lemmy Dieu le sait :)

Motörhead – Bite the Bullet, 1980

A son corps défendant, Motörhead a toujours revendiqué une identité punk, et s’est défendu d’être un groupe de metal (“We are Motörhead and we play rock’n’roll”). Lemmy a entre autres appris la basse à Sid Vicious pour qu’il rejoigne les Pistols ou joué épisodiquement avec les Damned. Et Bite the Bullet témoigne de cet héritage.

Des connexions avec le glam rock existent aussi, étonnement (à priori le glam est l’opposé du grunge !). Pour preuve des groupes comme Malfunkshun, mené par le regretté Andrew Wood (overdose d’héroïne en 1990), ou Mother Love Bone, qui reprend à son compte la décadence de leurs ainés en y injectant de l’encre noire.

Les shows de Malfunkshun étaient réputés pour leur grand-guignolesque, dû à la personnalité de leur leader qui, enveloppé de fumée malsaine, pouvait arrêter le show pour manger un bol de céréales. Ou serpenter dans la foule, armé de sa basse tel un spectre, maquillé et habillé en couleurs fluo. Le groupe ne sortira qu’un album (posthume) : Return To Olympus, en 1995.

Malfunkshun – Shotgun Wedding (A voir aussi, sur Youtube, “The Andrew Wood Story” qui retrace la carrière météoritique du chanteur)

Mother Love Bone – Maman aime les os ? Non, le second groupe d’Andrew Wood, avec les futurs membres de Pearl Jam, Jeff Ament et Stone Gossard. Stardog Champion, 1990

Clin d’oeil au glam, Green River reprendra Queen Bitch de David Bowie, en enlevant le vernis pour faire apparaître sa carcasse de métal. Green River qui deviendra par la suite Mudhoney (1988), combo majeur de la scène grunge.

Green River – Queen Bitch (1987)

Garage et proto-punk

Contribuant à la définition du « Son de Seattle » en enregistrant ses deux premiers albums chez Sub Pop, sous la houlette de Jack Endino, Mudhoney se démarque par un son garage blues rèche, parfois psyché, où la pédale fuzz omniprésente est soutenue par la voix de chat écorché de Mark Arm (d’influence très stoogienne) et la batterie virevoltante de Dan Peters.

Mudhoney, Suck You dry, 1992

On s’écarte ici de la lourdeur metal de certains groupes contemporains pour privilégier une aggressivité crasse aux relents sixties. En revanche les textes sont alertes et cyniques. Désespérés pour certains. Et truffés d’autodérision (voir In My Finest Suit : I can’t remember The day I was born /But I can clearly see/The day I die(…) I got you / I got a lot to lose ou l’hilarant (F.D.K.) Fearless Doctor Killer, sur l’avortement : “Save The Baby/Kill The Doctor”)

Le classique premier single de Mudhoney “Touch Me I’m Sick”, sorti chez Sub Pop en 1988

Très influencés par les Stooges (on revient au punk), Mudhoney puisera aussi dans l’héritage garage punk 60’s de la scène régionale qui a vu éclore des groupes comme les Sonics (Tacoma, Etat de Washington) et les Kingsmen (Portland, Etat de l’Oregon). Note de Gwen : Même si ce n’est pas le même coin, n’oublions pas le MC5 !

Kingsmen, Louie Louie, 1963

The Sonics, Strychnine, 1965 : Hurlements, saxo fou et clavier martelé : Le chemin est balisé pour l’arrivée d’Iggy Pop. Un des meilleurs morceaux de garage de tous les temps (Note de Gwen : je confirme. Et quel organe !).

Pop, folk, rock US

D’autres combos ont su, eux, se servir d’un héritage mainstream de la musique américaine (rock US, folk) pour sortir de l’anonymat underground. Notamment Pearl Jam qui, à partir de l’arrivée d’Eddie Vedder en 1991, développera un style mélangeant gros son, mid-tempos et paroles engagées, intimistes et autobiographiques.

Les sonorités du groupe sont proches de celles du classic-rock, en un peu plus lourdes et sales, mais à mille lieues de la brutalité des Melvins ou du tranchant de Mudhoney. Ce qui amènera Kurt Cobain, de Nirvana, à traiter Pearl Jam de « bande de carriéristes » et à expliquer qu’ils ne sont « qu’un groupe de rock conventionnel habillé en grunge », avant qu’ils ne se réconcilient en 1992. Le suicide de ce dernier affectera d’ailleurs énormément Pearl Jam, qui annulera une tournée en 1994.

C’est l’émotion et la sincérité de Vedder qui touchera le grand public et donnera à son groupe une notoriété mondiale ⁶

Pearl Jam – Jeremy, 1991

Pearl Jam – Do the Evolution, 1998 Note de Gwen : Un clip génial, réalisé par Kevin Altieri (qui a bossé sur l’excellentissime série animée Batman) et Todd McFarlane (créateur du personnage de comics Spawn)

Dans cette veine, impossible non plus de faire l’impasse sur les Screaming Trees et leur leader à la voix sombre et rauque, Mark Lanegan. Jouissant d’un grand succès d’estime dès sa création, le groupe n’aura pourtant jamais l’aura commerciale des mastodontes du genre. Et passera totalement à côté de la “mode” grunge, à l’orée des années 1990.

Screaming Trees – Nearly Lost You, 1992

Après avoir recruté Josh Homme en tant que guitariste additionnel pour les tournées des Screaming Trees entre 1996 et 1998, Mark Lanegan, en échange de bon procédé, intègrera les Queens Of The Stone Age dans un rôle d’ électron libre. Et connaîtra le succès mondial avec ce groupe de Palm Desert. Il poursuit en parallèle sa carrière solo et collabore à de nombreux projets.

Lanegan, Homme, Grohl et Oliveri, QOTSA 2002. Les rois mages n’ont qu’à bien se tenir.

Lo-fi, noisy pop

En parallèle à ses tendances “heavy”, le grunge a également su développer un côté fragile, mélodieux, pop. Puisant dans une veine lo-fi et noisy-pop émergente depuis le début des années 1980, notamment en Angleterre et sur la Côte Est des Etats Unis. Plus qu’une influence directe, la noisy pop et le grunge, contemporains, ont tissé des liens et se sont nourris l’un l’autre.

En Angleterre, c’est la compile C86, sortie par le magazine rock NME en 1986, qui aura une influence considérable sur l’émergence de la musique indie (et par la suite sur la naissance du shoegaze). Elle révèle entre autre les Pastels et les Wedding Present.

Everett True, à l’époque journaliste au Melody Maker, concurrent de NME – et qui sera peu amène sur la qualité de la compile C86 -, sera par la suite mandaté par le label Sub Pop pour chroniquer la scène de Seattle et la faire connaître outre-Atlantique. Les ponts sont montés.

Primal Scream, Velocity Girl. Un morceau issu de la compile C86

L’excellent groupe anglais Television Personalities, Silly Girl – 1990

Le pendant américain de la scène indie pop anglaise prendra forme notamment dans les régions de Seattle (tiens, tiens) et d’Austin, Texas.  Sous la houlette de Calvin Johnson, le label K Records d’Olympia, dans l’Etat de Washington (ville d’origine, entre autres, des Melvins, de Nirvana, de Sleater-Kinney, de Beth Ditto ou de l’illustrateur Charles Burns), véhiculera à merveille l’indie pop à la sauce américaine. En signant de nombreux groupes de cette veine, notamment The Go! Team et Beat Happening (dont il est le leader), Calvin Johnson diffusera et, à son échelle, popularisera ce genre venu d’Angleterre.

Beat Happening – What’s Important + Bewitched, 1988

Dans le même laps de temps, la scène du Texas était également en ébullition, avec pour fers de lance les Butthole Surfers, Daniel Johnston ou Jad Fair et son groupe Half Japanese. Tous issus du même courant indé, ces groupes privilégiaient (-ient) l’authenticité, la mélodie et le son lo-fi, avec des textes barrés. Acide oblige.

Half Japanese, 1,000,000,000 Kisses, 1988

Daniel Johnston, Don’t Let the Sun Go Down on Your Greviance, 1983

Noise et avant garde

Enfin, à l’instar de l’indie pop, le grunge a également grandi avec le courant bruitiste, noise. Avant-garde à l’identité punk DIY très forte, n’acceptant aucune concession.

Du coté de Chicago, c’est la “Chicago Noise” qui prend forme, avec des groupes comme Big Black et les combos de Steve Albini (Rapeman, Shellac) ou Big’N, … Puis Jesus Lizard, icône noise-rock par excellence, composé de membres de Scratch Acid (d’Austin, Texas) et de Rapeman.

Sous cette impulsion, de nombreux groupes noise-rock émergeront aux Etats-Unis, restant confinés dans l’underground pour la plupart, conformément à une éthique DIY privilégiant les réseaux indépendants.

Big Black, El Dopa – 1987

Jesus Lizard, Puss – 1992

La côte Est, elle, héritière du New York avant-gardiste et expérimental du Velvet Underground, de la Factory de Warhol, de la cold-wave et du post punk des bas-fonds, développera plus profondément une musique liée à l’art. Visuelle, conceptuelle, industrielle, bruitiste.

Impossible de passer à côté de Sonic Youth, donc, qui officie depuis 1981, ou de Pussy Galore, de Washington DC.

Sonic Youth – Drunken Butterfly, 1992

Pussy Galore, Dick Johnson – 1987

Tous ces groupes, qui ont occupé l’espace musical rock des années 1980 et 1990, ont donc, à leur manière, été des composants du mouvement grunge. De part leur influence artistique, leurs interactions avec les groupes alternatifs du pays (tournées, split-singles, labels communs,…) ou leur éthique underground similaire.

Mais la nuit tombe sur la ville, il est maintenant temps pour moi de remballer mes disques et de vous laisser méditer sur le bouillonnement rock de la fin du siècle dernier… En attendant de se retrouver pour une nouvelle partie, consacrée cette fois à l’impact grunge sur la société 90’s. Hurray !

En vous remerciant, bonsoir !

Texte : Ston3r

Dessin : Gwendal

Comme tant d’autres groupes de garage, l’histoire débute au lycée. Wayne Kramer et Fred Smith, guitaristes et chanteurs passionnés de rock et de rhythm and blues (Chuck Berry, Dick Vale, The Ventures), montent des groupes chacun de leur côté. Répétitions, concerts, départs de membres, dissolution. La routine. Face à la menace de la vie active qui emporte leurs amis respectifs vers l’horizon radieux du bureau, les deux musiciens finissent par s’allier. En 1964 se crée le groupe Headhunters qui enchaîne les concerts, avec des reprises de rhythm and blues, de James Brown, Chuck Berry, les Kinks ou les Rolling Stones. Le succès rencontré leur permet alors de vivre de leur musique.

Le bassiste Rob Derminer (qui changera son nom de scène en Rob Tyner, hommage au pianiste de Coltrane, McCoy Tyner) est embauché en 1965. Impliqué dans la scène beatnik de Detroit et les milieux de gauche, il aura également un temps le rôle de manager. C’est d’ailleurs lui qui a l’idée de rebaptiser le groupe MC5, hommage à Detroit et son surnom de « Motor City ».

Le MC5 enchaîne avec succès les concerts dans la région de Détroit et se fait connaître pour ses prestations enflammées. Une reconnaissance qui débouche sur la sortie, chez Trans-Love Energies, d’un single (comprenant Looking at you et Bordeline) et une tournée, pendant l’été 1968, sur la côte Est des États-Unis. Les prestations du groupe ont un immense impact et se permettent même de voler la vedette aux têtes d’affiche. Pinacle de cette tournée, la une du magazine Rolling Stones, présentant le groupe comme le nouveau phénomène de la scène rock.

Le succès du groupe s’accompagne cependant d’une odeur de soufre, ou plutôt de marijuana. Devenu en 1966 leur manager, John Sinclair, poète et activiste, va être à l’origine des séries de concerts au Grande Ballroom de Détroit, aboutissant à leur premier album, l’impressionnant live Kick Out the Jam. Mais le manager introduit également le groupe dans les mouvances révolutionnaires de l’époque. Suite à l’insurrection des ghettos noirs de Detroit en 1967 (cinq jours de violences, 43 morts, plus de 1000 blessés et 7000 arrestations), il sera d’ailleurs à l’origine des White Panthers, organisation anti-raciste et d’extrême gauche calquée sur leurs « frères d’armes » des Black Panthers.

Le groupe se trouve alors en phase avec la contestation qui gagne les jeunes Américains, notamment lors de la participation au concert contre la guerre du Vietnam, en parallèle à la convention du Parti démocrate en 1968. Il sera d’ailleurs l’un de derniers à rester sur scène malgré l’intervention de la police. Mais, si l’on peut y voir des rapprochements avec le mouvement hippie (liberté totale, promotion et utilisation du LSD ou du cannabis), le MC5, sous l’influence de John Sinclair, se dote d’un discours beaucoup plus frontal, culminant avec des appels à la révolution et même un simulacre d’exécution du chanteur à la fin d’un concert.

L’approche ultra-politisée de John Sinclair, qui lorgne de plus en plus vers l’insurrection armée, ne colle plus avec celle des membres du groupe. Révolution, explosion des énergies, barrières brisées, oui. Mais dans la musique et pas ailleurs. En 1969, Le MC5 se sépare de leur manager, victime la même année des combines des autorités, bien décidées à calmer cet élément incontrôlé : en achetant deux joints proposés par un policier en civil, John Sinclair est condamné à 10 ans de prison. Une sanction démesurée qui va le marquer profondément (Voir à ce sujet le documentaire Grass, de Ron Mann).

John Sinclair, un morceau de John Lennon interprété lors du concert de soutien au manager du MC5 en 1971. Plus d’infos sur le site Michigan Today.

Le MC5 continue sa carrière sous la direction d’un autre manager, John Landau, qui va calmer leurs ardeurs psychotropes et leur permettre d’enregistrer leur premier album studio. Produit en 1970, Back In The USA porte la patte de son producteur, avec un son plus lisse qui déroute la plupart des fans. Les critiques sont mitigées et les ventes ne suivent pas. Cet album et le passage en studio seront cependant reconnus par les membres du groupe comme une étape indispensable et constructive.

Leur troisième et dernier album, High Times, sorti en 1971, bénéficie d’une meilleure production, avec un son plus puissant. Mais, en dépit de compositions plus libérées et d’un bon accueil des critiques, les ventes sont encore pires que pour Back In The USA. Deux échec à la suite qui vaudront au groupe d’être remerciés par leur label, Atlantic Records.

Accro à l’héroïne, le bassiste Mike Davis quitte le groupe l’année d’après. Les autres membres auront le temps d’enregistrer trois nouvelles chansons à Londres pour la bande originale d’un film, mais c’est déjà la fin. Après un concert d’adieu raté le 31 décembre 1972 (très peu de public, départ de la scène de Kramer en plein concert), le groupe se sépare. Chacun poursuivant une carrière musicale, mais sans retrouver le succès initial.

Mais la musique dans tout ça ? (Très bonne question et je me remercie de me l’avoir posée) Et bien écoutons un morceau, cela sera toujours plus efficace qu’un long discours :

Rock’n roll, c’est donc sûr et certain. Au niveau de ses compositions, le groupe ne diffère pas grandement de la production de l’époque, si l’on excepte des solos de guitare fulgurants. Mais ce qui fait la différence, c’est l’énergie dégagée. L’équivalent d’un hurlement du chanteur des Sonics à 10 cm de votre oreille. Le petit truc en plus, vicieux, énervé, dans lequel germe le punk. Ce n’est donc pas pour rien que le MC5 deviendra, malgré un relatif oubli après sa dissolution, une référence pour nombre de groupes de rock et de punk-hardcore dans les années 80-90. Poison Idea, Pearl Jam, Rage Against The Machine ou Black Flag (auteur d’une reprise de Ramblin Rose avec Bad Brains) en sont autant d’exemples.

Considérer le MC5 comme du proto-punk et s’en contenter serait cependant passer à côté d’une autre facette du groupe, tout aussi importante. Car il ne faudrait pas oublier Motor City dans tout cela. Detroit. Le fief de la Motown.

Comme cité plus haut, les membres du MC5 sont entrés en relation avec les courants politiques afro-américains grâce à John Sinclair. Mais ils baignaient depuis le début dans cette culture afro-américaine. Le rhythm and blues pour les deux guitaristes et la soul et le gospel pour le chanteur. Comme l’explique Wayne Kramer dans une interview à Swill fanzine : « Nous avions un rituel dans le van nous amenant à un concert. Nous fumions énormement de joints et mettions à fond du James Brown ou du John Coltrane jusqu’à ce nous soyons remontés à bloc et prêts à tout détruire ».

Ces influences se retrouvent plutôt en filigrane dans les premiers albums, avec le morceauStarship, inspiré d’un poème de Sun-Ra, le jazzman galactique, ou la reprise du classiqueTutti Frutti en ouverture de Back in the Usa. Mais c’est surtout dans High Times, leur dernier album, que l’on sent le groupe plus sûr de lui. Plus enclin à brasser ses influences et en ressortir une création personnelle. En témoignent le morceau Shunk, partant dans un délire jazzy, avec trompette et saxophone, ou le merveilleux Sister Ann, débutant comme un bon vieux rockabilly au piano, pour terminer sur des choeurs féminins typiquement soul et une fanfare, tel un hommage aux big bands originels.

La dissolution du groupe peu après ne leur permettra pas, malheureusement, de pousser leurs expérimentations musicales plus loin. Mais le MC5 aura eu le temps d’absorber la contestation inhérente à la musique afro-américaine et de lui donner une forme plus frontale. Alors faites un peu de place dans votre discothèque, à côté des Stooges : le MC5 et le rock’n'roll vous en seront reconnaissants.

Texte, dessin : Gwendal

Photo : I’m Heavy Duty sur Flickr

En bonus : A Crack in the Universe, l’une des chansons composées en solo par le guitariste Wayne Kramer, et disponible dans le volume 1 de Punkorama, compilation du label Epitaph.

Liens :

Portail consacré au MC5 Site très complet, avec interviews (en anglais), galerie vidéo et audio, paroles, etc.

Le site de Leni Sinclair, photographe et femme de John Sinclair.

Et pour les anglophones, un extrait du DVD Sonic Revolution : A Celebration Of The MC5 :

The Raven ‘n’ the Blues

Amateurs de blues, ce site est pour vous. The Raven ‘n’ the Blues propose chaque semaine une émission de deux heures consacrée à cette musique ainsi que des enregistrements. Le rendu du site est un peu vieillot mais les émissions ont l’avantage d’avoir une playlist, avec un  lien vers chaque artiste. N’hésitez pas à fouiller dans les archives qui comprennent désormais plus d’une centaine d’émissions.

Garagepunk.com
Le paradis des fans de garage-rock, précurseur dans les années 60-70 de la musique punk. Mais la programmation, selon les préférences des animateurs, déborde également sur les autres musiques de l’époque : surf music, rockabilly, pyschédélique, soul. L’interface du site est très bien conçue, avec accès aux archives (depuis août 2005) et même un forum. De quoi donner envie de former un groupe dans son garage.

Pour découvrir le garage-rock, n’hésitez pas à écouter la compilation Nuggets : Original Artyfacts from the First Psychedelic Era, 1965-1968

The Subculture Collective
Un dernier coup de peigne pour réarranger sa banane, le moteur de votre bolide qui ronronne. Il ne manque plus qu’un accompagnement musical digne de ce nom : le psychobilly. Fruit d’une union entre les bases musicales du rockabilly et la nervosité du punk et son sens de la dérision, ce genre musical n’a qu’un but : enflammer les pistes de danse. Et cela tombe bien, Psychobillydeluxe se charge de vous fournir le carburant, avec pas moins de quatre émissions différentes consacrées à ce courant musical résolument underground.

Audio Gumshoe
La facilité d’utilisation du podcast et l’audience potentielle d’Internet sont deux atouts non négligeables pour les artistes indépendants. Pour preuve Audio GumShoe, qui propose des émissions exclusivement réservées à des talents peu connus. L’émission s’articule en général autour de deux à trois artistes, avec des liens clairs pour accéder ensuite à leurs sites personnels. Un très bon exemple d’utilisation du podcast.

Soul Trut
Créé par Rick Smith en 1999, le fanzine Soul strut, propose sur son site, en plus de critiques d’albums et d’un forum, près de 150 mixes différents (onglet DJ Mixes) se rapportant à la funk, la soul, le jazz ou le hip-hop.

Dessin, texte : Gwendal