Devenir un artiste total, au début, c’est pas gagné. Car il faut faire savoir à un monde incrédule que vos petits mickeys sont une expression de votre moi profond, une vision incisive et révolutionnaire sur le monde et que, oui, ils iront super bien au dessus de votre cheminée. Et tout ceci alors que vous dessinez simplement parce que vous ne pouvez pas vous en empêcher.

C’est là qu’intervient le book, dont je vous avais conté la génèse il y a quelques temps. Il va ainsi permettre d’affirmer avec assurance aux esthètes préalablement contactés que “Tout est lié !”. Ce qui évitera un appel à l’hopital psychiatrique le plus proche pour demander votre internement.

"Ici j'ai voulu transmettre l'éventail des émotions de l'artiste total d'une manière naïve. Les lignes de fractures interpellant le spectateur sur le trop plein de cases, de frontières qui ne font qu'augmenter la violence de ses sentiments. C'est l'art vu comme un cri, un appel au secours devant l'apocalypse qui nous guette." Ca ira comme ca ?

Cependant l’autre écueil en vue est justement ce goût obsessionnel pour le dessin. Car un dessin en amène un autre et, à la fin de la semaine, fier du travail accompli, vous vous rendez compte que personne n’est au courant, si ce n’est les esprits éclairés qui visiteront ma galerie Flickr.

Il convient alors d’admettre cette tendance autistique et de faire appel à quelqu’un qui connait son job. Parcourant les internets, je suis donc arrivé sur le site de l’agent artistique Caroline Houde dont la mission périlleuse sera de convaincre l’amateur d’art que, oui, j’ai vraiment la prétention de lui vendre mes petits mickeys. Et le plus improbable là dedans c’est qu’elle y arrive en organisant, si tout va bien, une expo de votre serviteur dans la riante cité de Québec au printemps prochain. Mais nous verront ca en temps et en heure.

Et puis des fois, au gré des missives envoyées, on a des réponses qui vous font dire qu’on est pas tout seul.
Comme celle d’un Briochin exilé à Paris qui vous propose de participer à un projet autour des sports de glisse, Reg’Art Glisse. Ca motive évidemment à sortir de sa bulle créatrice et, avec un peu de patience, ca pourra déboucher sur quelque chose de joli.

Ca arrive même qu’un magazine spécialisé s’intéresse à votre boulot.

Ainsi que des amateurs éclairés !

Ou d’un Californien de Modesto, aussi amoureux que vous de la culture aztèque, qui saura utiliser à bon escient vos restaurations afin de pérpétuer la mémoire des dieux anciens dans les esprits d’enfants encore purs et innocents.

Alors oui, c’est peu comme retours face à la qualité indéniable de mon travail qui fait de plus en plus d’ombre à Hokusaï, ca rapporte encore que dalle pour éviter de perdre sa vie à la gagner et ca me détourne provisoirement de mon autre destinée de journaliste total mais, par la malepeste, ca fait plaisir. Et ma foi c’est déja pas mal.

Et c’est ici que je vous fais mes adieux pour quelques semaines, chers lecteurs, car je vais bientôt emprunter un autre chemin, par delà les océans, dans une contrée peuplée de hippies, de nerds et de loutres de mer où le talentueux camarade Franck a eu l’ingénieuse idée de s’installer. Mais ne vous inquiétez pas, Centrifugue reviendra plus beau et plus fort le mois prochain, et d’ici là, vous aurez tout loisir d’explorer articles édifiants et dessins chatoyants.

En vous remerciant, et à plus tard !

Gwen

Plus que leur musique, les Sex Pistols auront marqué le punk en prouvant que n’importe qui pouvait monter sur une scène, du moment qu’il était prêt à sortir ses tripes. Dans leur sillon, et à l’image de leurs confrères américains, des groupes se forment un peu partout dans les quartiers populaires du Royaume Uni, histoire d’occuper leur chômage. Et, même dans le fin fond de l’Ecosse, à East Kilbride, Exploited ne déroge pas à la règle. Walter « Wattie » Buchan se pose ainsi, aux débuts du groupe, comme un véritable clone de Johnny Rotten, vêtements, coupe et goût de la provocation compris.

Né en 1960 à Edimbourg, Wattie s’engage très tôt dans l’armée (l’un des rares moyens, quand on vient d’un milieu modeste, de quitter son trou). Ce qui lui permet de découvrir l’explosion du punk à Londres, à la fin de l’année 76. Ancien skinhead ¹, l’écoute des Sex Pistols ou des Vibrators est une révélation. Il plaque tout et décide de faire partie d’un groupe. Ce sera Exploited, en 1979.

Composé à l’origine d’Hay Boy à la guitare, Mark Patrizio à la basse et Dru Stix à la batterie (remplacés en 1980 par Big John Duncan à la guitare et Gary Mc Cormack à la basse), Exploited déclare très rapidement les hostilités. Le 4 mai 81 sort Punk’s not Dead, leur premier album studio. Cop Car, I still believe in Anarchy, Sex and Violence ou, bien évidemment, le mythique Punk’s not Dead : l’album est une bombe.

Vendu à plus de 150 000 exemplaires, il se classe pendant 44 semaines dans le classement indépendant. Il atteint même la vingtième place du classement national et est couronné « premier album indépendant » par le magasine Sounds. Enfin, « cherry on the cake » : leur hommage à la fameuse interview des Sex Pistols par Bill Grundy. Invité la même année à l’émission Top of the Pops pour interpréter leur single Dead Cities, Exploited provoque une pagaille générale. L’ardeur de Wattie à pourchasser les danseuses et à pogoter comme un damné pour perturber la prestation du groupe New Romantics n’est pas du goût de la BBC, qui interdit le groupe d’antenne.

"On est une bande de jeunes, on s'fend la gueule."

Un geste suicidaire pour un groupe en quête de reconnaissance médiatique. Mais l’équivalent d’une profession de foi pour Exploited ². En brulant les ponts avec la société policée, le groupe ne devra sa carrière qu’à la fidélité du public. Or dans une Angleterre plombée par le chômage et une politique anti-sociale, leurs textes s’attaquant à l’armée, la police, Thatcher, Reagan et autres autorités trouvent un écho certain chez les jeunes des classes populaires. Une vague sur laquelle surfe le groupe avec l’apocalyptique Troops of Tomorrow en 1982, puis Let’s start a War l’année suivante qui donnera au groupe son célèbre étendard : le crâne surmonté d’une crête.

Malheureusement le groupe n’échappe pas au grand coup de mou du rock entre le milieu des années 80 et le début des années 90. Ne comptant plus que Wattie comme membre originel, Exploited continue de sortir plusieurs albums, dont War Now, Death Before Dishonour et surtout The Massacre, mais cela ne suffit pas à assurer sa pitance. Wattie  se retrouve ainsi obligé de travailler comme roadie au début des années 90… et sa femme le quitte avec son enfant.

Le chemin de croix se termine enfin en 1996 avec le fulgurant Beat the Bastards, suivi de Fuck the System en 2001. Exploited reprend alors les tournées à travers le monde et 2011 devrait (enfin? Edit : 2012, on attend toujours… :) ) voir la venue d’un nouvel album.

1979-2010. Plus de trente de carrière si l’on fait les comptes. Un exploit pour un groupe de punk. Clé de cette réussite : assurement la constance. Une constance dans l’énervement. A la manière des Ramones, tout l’impact d’Exploited réside dans son approche basique de la musique, rentre dedans (ou « in your face » pour les anglophones). Couplet refrain, couplet refrain, couplet et un solo, ce n’est certes pas très subtil mais c’est une machine à tubes redoutable. Il en va de même pour les textes, bien loin des brûlots de Jello Biaffra ou des spoken words d’Henry Rollins ³.  Caricature de cette absence de recherche stylistique, le morceau Sex and Violence. Avantage cependant indéniable, il est facile de s’en souvenir, même bien allumé, et il est tout à fait possible (et recommandé) d’y ajouter quelques « Oï » bien sentis quand le coeur vous en dit.

Musique basique, paroles basiques. C’est un peu léger pour durer aussi longtemps. Quelles sont donc les ingrédients supplémentaires qui ont permis ce succès ? Raison la plus évidente, le contexte des années 80 comme nous en parlions plus haut. Le côté « prolo » d’Exploited parle à beaucoup de jeunes et la violence dégagée par le groupe, par leurs chansons ou leurs exploits destructeurs, fait écho à la violence qui secoue l’Angleterre (grèves des mineurs en 1984-1985, une des plus longues de son histoire, ou émeutes dans le quartier londonien de Brixton, de 1981 à 1985).

Autre raison, son approche musicale. Morceaux courts (2mn en moyenne), batterie, guitare et basse au taquet,  la formule est sensiblement la même que dans le hardcore américain mais il s’y rajoute un côté beaucoup plus sombre. Une atmosphère morbide et apocalyptique que l’on retrouve dans l’iconographie (du crâne à la crête aux couvertures de War Now, The Massacre ou Death Before Dishonour) et qui inspirera nombre de groupes aux Etats-Unis, dont Anthrax ou Slayer ⁴ (excusez du peu), avec la naissance du thrash metal.

Mais le coeur d’Exploited, son réacteur nucléaire de rage, et sans doute la principale raison de sa longévité, réside dans un personnage (le terme n’est pas usurpé) : Wattie Buchan. Berzerker shooté au speed, à l’accent écossais à couper au couteau, il torture ses cordes vocales comme si c’était son dernier morceau. Drogues, tournées autant par nécessité (il faut bien manger) que par envie (il faut bien gueuler), résistance aux aléas de 30 ans de carrière (le groupe a du connaitre une trentaine de musiciens), tout concourt à lui donner l’aura de Lemmy Kilmister du punk. Un type qui vit pour la musique et par la musique, sans compromis, sans plan de carrière. Et parfois sans réfléchir.

Conseil lors d’une pause photo : jeter un coup d’oeil derrière soi évite les oreilles de lapin et les mains tendues.

C’est probablement sur ce point (sur lequel il diverge du lettré à rouflaquettes de Motorhead) qui l’empêche d’être, à 50 ans passés, une figure reconnue du rock. En cause, son attitude ambigue vis-à-vis de l’extrême droite qui, via le National Front, recruta à tour de bras dans les années 80 au sein de la communauté punk. Amitiés avec des membres de l’extrême droite (dont Ian Stuart, fondateur du mouvement Blood and Honour), tatouages aux symboles nazis qu’il s’était fait faire au début par provocation (mais sans les enlever depuis) ou présence de skinheads racistes à leurs concerts (particulièrement en Europe de l’Est), les faits sont incontestables ⁵.

Il est certes possible de contrebalancer cela par les déclarations du groupe ⁶, l’absence de chansons ouvertement racistes ou les nombreuses tournées avec des groupes classés à l’extrême gauche. Mais cette polémique devient au final caduque si l’on daigne se pencher sur la logique de Wattie. Ou son absence de logique.

Celle d’un apolitique qui, majeur en l’air, conteste toute forme d’autorité. Et c’est à peu près tout au niveau du message. Le qualifier d’anarchiste grâce à un titre comme I still believe in Anarchy est aller un peu loin, surtout quand on lit les paroles. Wattie est juste un chaos punk pas très éveillé (pour ne pas dire un peu con), prêt à faire la fête avec toute personne susceptible de lui offrir une bière. Ne rentrant dans aucune case, ce type semble fonctionner exclusivement à l’instinct, traçant sa route dans un immense foutoir (qu’il soit celui de la société normale ou du milieu punk) et canalisant sa fureur au travers de chansons depuis plus de 30 ans. A l’image d’un GG Allin, le personnage est fascinant et mérite, sans forcement l’admiration, un tant soit peu votre attention.

Texte, dessins : Gwendal

Photos : Virginia Turbett et Exploited

Liens

Site officiel

Un des sites francophones les plus complets sur le groupe. Je vous conseille de jeter un coup d’oeil à leur interview dans Punk Rawk,  histoire de cerner un peu mieux le Wattie, ou cette interview (au format audio) lors de leur passage dans Tracks, sur Arte

Un autre texte sur Exploited à lire ici

Vous pouvez également vous rendre sur la page de Kill from the Heart (en anglais)

Concernant plus généralement le mouvement UK82, dont est issu Exploited, rendez vous sur ce site qui regroupe de nombreuses discographies. Et si vous voulez en savoir un peu plus sur les tensions politiques qui ont animé le mouvement punk c’est par ici. Ou vous pouvez également vous faire une séance de This is England de Shane Meadows, rien que pour la bande originale, cela vaut le coup :)

A regarder :

Réalisé par Stuart Newman, du magazine Kontrol, le documentaire Rock n Roll Outlaw consacré à Exploited et visible sur Youtube (ou vous pouvez le commander sur le site Cherry Red). Extrait de l’émission Top of the Pops, clips vidéos, interviews, de quoi avoir un bon aperçu du groupe si vous maitrisez un peu l’anglais.

Bonus :

Je ne pouvais pas faire un article sur Exploited sans y placer un de mes morceaux préférés, Alternative (reprise par le groupe Tagada Jones et l’ex chanteur de Mass Murderers), et sa géniale introduction à la basse :

Cependant j’étais bien en mal de réagir à cette nouvelle sinistre car, au risque de vous surprendre, à part un ou deux Blueberry et sa collaboration avec Katsuhiro Otomo sur Icare, je n’ai quasiment rien lu du bonhomme.  Une ignorance qui ne ferait pas peur au premier journaliste venu mais impossible pour moi à dépasser. Que faire alors ? Et bien tout simplement se souvenir que Centrifugue se veut également un refuge accueillant pour les personnes de qualité. C’est ainsi que j’ai réussi à décharger ce fardeau sur les épaules de mes camarades. Je vous invite donc à lire séance tenante ce texte de l’érudit du groove et de la case dessinée, j’ai nommé Moyen Man, ainsi que cette missive multimédia que je viens de recevoir de l’explorateur des confins de l’univers du verbe, le maestro de la phrase sans fin, l’honnête homme sans peur et sans préjugés – oui, vous l’aurez reconnu – : John Malback.  Et je lui rends l’antenne. A vous Cognac-Jay !

« Chers amis bonjour,

Samedi dernier disparaissait un grand, grand, très grand dessinateur : Jean Giraud, alias Gir, connu également sous le nom de Moebius. Pour les moins bédéphiles d’entre vous qui se complairaient dans l’ignorance et l’oisiveté, sachez qu’il est notamment l’auteur de la série des Blueberry, geste épique de l’Ouest sauvage n’ayant rien à envier aux plus grands westerns spaghettis en termes de classe, de crasse, de poussière, de paysages, de gueules, de flingues, d’alcool facile et de filles frelatées, et des mille codes du western maîtrisés par le sieur Gir. Un monument du genre vous dis-je. L’oeuvre de Moebius est plus fantastique, poétique, et se livre plus facilement à la contemplation surréaliste. Le trait est plus léger, plus pur aussi. Deux noms pour deux univers aux identités distinctes, mais un seul pinceau, taillé aux forges du journal Pilote (Mâtin, quel journal !) à la glorieuse époque des Gotlib, Fred, Druillet, Alexis et consorts.

Afin de noyer mon chagrin de lecteur assidu des aventures du lieutenant nordiste bravache et indianophile au nez cassé, je furetais sur les interwebs comme c’est devenu mon habitude à la mort des gens que j’idolâtre, cherchant interviews et autres documentaires des temps passés me permettant de replonger un instant dans le travail de ces artistes admirés, critiqués, jalousés et trop vite disparus.

Sur le site de l’INA que vous connaissez sans doute, on trouve notamment les archives d’une émission qu’on ne se lasse pas de (re)découvrir, le grandiose Tac au Tac de Jean Frappat. Et avec la bénédiction de Maitre Gwen ¹, j’aimerais partager avec vous mon admiration sans borne pour ce concept aussi simple que génial, une bulle de poésie et de beauté dans notre monde moderne cruel et aseptisé.

Dans les années 60-70, sévit en effet un curieux organisme a la RTF (Radiodiffusion-télévision française) : Le Service de la Recherche ².

Oui mesdames et messieurs, à l’époque révolue où votre maman avait des lunettes d’écaille et un Solex, au temps béni où votre papa arborait le combo moustache-favoris et portait des pulls en laine qui gratte sans rien dessous, on faisait de la recherche experimentale à la téloche, avec une audace et une originalité qui force le respect aujourd’hui encore. La mission de cet organisme : « Promouvoir des études d’ensemble, plus précisément portant sur l’interdépendance des aspects technique, artistique et économique de la radio et de la télévision ; animer des centres expérimentaux dans certains domaines spécialisés où il apparaît que de nouvelles techniques conduisent à de nouveaux moyens d’expression ; entreprendre l’application des résultats à l’intérieur et à l’extérieur de la RTF« .

Regards croisés sur le monde du spectacle, reflexions sur l’image, la musique, les arts, médiation et vulgarisation scientifique et philosophique, le Service de la Recherche promeut, diffuse et produit pour la télé d’Etat, dont le rôle est de subvenir au besoin d’édification intellectuelle et de divertissement du peuple francais. Il est par exemple derrière les cultissimes Shadoks (plus de 200 épisodes encore diffusés aujourd’hui), ces créatures hyperactives à tête d’oiseau, anarchistes crétins et méchants, qui pompent et pompent sans relâche sous le distingué commentaire off de l’inénarrable Claude Piéplu, dont le discours ne s’écoute pas mais se savoure tel un bon vin.

Et donc, Tac au Tac ³.

Le principe est bête comme chou ⁴ : faire venir une poignée de dessinateurs de presse ou de BD (genre littéraire alors en plein boom, la BD « adulte » se développe dans ces années-là et n’est plus un sous-genre reservé aux petits ⁵) et les faire s’affronter lors de joutes graphiques sur d’immenses panneaux blancs, armés de simples stylos. Mise en difficulté de personnages, cadavres exquis, impro sur des thèmes variés, seuls ou en équipes, le téléspectateur est convié à vingt minutes de calme et de volupté, de complicité amicale et de clopage intense.

Un générique minimaliste, pas d’applaudissements hystériques, pas de jingle, pas de public, pas de potiche en sili-conne, un commentaire d’une sobriété maladive, un peu de musique, bien souvent le silence ou le seul couinement du marqueur sur la feuille. Finalement c’est pas plus mal, on est à des kilomètres du blabla crétiniste lol actuel. Mais je conchierai abondament la télé moderne une autre fois.

On présente succintement les auteurs, en quelques mots. Pas toujours. Le rituel est rodé : un par un, ils s’élancent, placent quelques traits fins pour cerner leur sujet, puis avec la maestria que leur confère une vie de pratique, construisent habilement sous nos yeux leur dessin, par taches, traits, rayures, ratures, gribouillis, ces jeunes – et parfois moins jeunes – hommes en costard deviennent des enfants laissant exploser leur imaginaire. Je dis des hommes car à l’exception de Claire Bretecher (dont l’art de faire la gueule touche au divin), c’est visiblement un monde exclusivement masculin que celui des auteurs de comique-bouques.

Cela parait tellement facile. Sur le jouissif cadavre exquis ci-dessous, où se rencontrent Gir (Blueberry donc) et Jijé (Jerry Spring), les talents de dessinateur, de cadreur, de metteur en scène des deux artistes s’expriment en direct sous nos yeux béats d’admiration : une fine esquisse et voici la silhouette d’un cheval, quelques ombres et voila son cavalier, quelques traits encore et le voici en haut d’une falaise, la ligne d’horizon épurée à l’extrême nous donne le décor, une bulle pour lier l’action et, cerise sur le gâteau, trois points et un bout de nuage : une troupe de cavaliers arrive dans la plaine en contrebas.

En cinq minutes, une vignette, un plan, Gir nous conte une histoire, notre imagination s’emballe : qui sont ces cavaliers ? Que doit empêcher le héros avant qu’il ne soit trop tard ? Voici un personnage immédiatement reconnaissable (le cowboy solitaire), un but, une échéance, un danger potentiel, des ennemis peut-être, un suspens, apparus sous nos yeux comme par enchantement. Et Jijé de répondre, la complicité s’installe, damn ! Nous voici captifs d’une histoire à deux voix, jusqu’à la chute finale, et, bordel, je sais pas pour vous mais moi, à ce moment-là, je suis juste un gosse emerveillé devant ces magiciens du stylo.

Plus on est de fous, plus on rit : destiné à un public très large, l’exercice se décline à l’envie, les auteurs s’amusent bien , et nous aussi : Roba (Boule et Bill), Peyo (Les Schtroumpfs), Franquin (Gaston, Spirou) et Morris (Lucky Luke) nous offrent ainsi un magnifique cadavre exquis en se piégeant les uns les autres au fur et à mesure que le dessin progresse. C’est mignon comme tout, et si ca n’a pas donné à des générations entières de gamins l’envie de tâter du crayon je ne m’y connais pas.

C’est magique : ronds, traits, points, et le monde s’anime ; chaque épisode est une leçon de dessin, où l’on peut glaner quelques trucs sur lesquels les dessinateurs en herbe s’arrachent les cheveux : les proportions, les ombres, les trous, les fenêtres, les reflets, le mouvement, les plis des vêtements, et les pieds bon sang ! Vous savez dessiner un pied réaliste, vous ? Eux oui, en deux coups de cuillère à pot. Recopie, apprends. Le commentaire malicieux encourage le jeune téléspectateur :   »Regardez l’expression du visage de Franquin… maintenant celle de son personnage ; c’est la même… » Regardez-vous, copiez votre main, votre chat, votre soeur, regardez le monde, imaginez l’impossible déborder sur le réel. Et si des messieurs sérieux aux dégaines de profs le font de si bon coeur, vous le pouvez également. Fabulez, que diable !

Certains épisodes atteignent une dimension proprement épique, et ce ne sont plus des p’tits mickeys mais de véritables fresques gravées avec hargne qui surgissent sur le papier. Dernier morceau choisi, ce titanesque battle à quatre mains (Druillet, Forest, Franquin, Gigi) :

Instant merveilleux et orgiaque de création pure sur le thème de l‘Invasion. On se place, on s’observe, on tâte et on goûte le terrain. Petits accrochages, escarmouches, encrages et pattes de mouche laissent petit a petit place à une joute d’une toute autre ampleur : la tension monte, les armées grondent, c’est l’escalade de la violence, une danse macabre, frénésie barbare, Apocalypse Now. Quatre auteurs en transe berserk se répandant sur le papier, on en prend plein la gueule, c’est La Guerre des Mondes sous nos yeux, fourmillant de détails qui font maudire la faible qualité de l’image d’époque, et puis l’orage passe, on respire, et lorsqu’ils se retirent finalement, vidés mais heureux, se grillant la tige du vainqueur ou de l’amant satisfait, nous voila exsangues, les yeux bouillonnants, l’imaginaire à vif, et des envies de gribouillage comme des fourmis dans les doigts.

Ca fait 40 balais, mais merci messieurs pour ces petits moments précieux. »

R.I.P Gir.

Texte : John Malback

Vous pouvez retrouver sur cette page les liens vers les émissions de Tac au Tac disponibles sur le site de l’INA

Les connoisseurs se délecteront du Tac au Tac revu et corrigé par Saint Gotlib :

Voila donc plusieurs mois je m’entête à essayer de combiner dessin et journalisme dans une forme hybride : la mindmap, appelée par chez nous carte heuristique. L’idée est ainsi d’organiser des données de facon visuelle, souvent sous forme d’arborescence et de liens entre éléments, afin  de rendre plus compréhensible la complexité d’un sujet.

Bien évidemment, faire un simple croquis avec des flèches et des bulles n’est pas un défi suffisant pour votre serviteur. D’où l’idée de s’inspirer de mes grands dessins pour donner à chacune des mindmaps une identité graphique propre. Après un test sur Bad Brains foisonnant d’infos et un chouilla bordélique (mais c’est un peu l’esprit du punk dirais-je), j’ai tenté de structurer un peu plus la suivante consacrée au discordianisme.

Aussi, pour cette nouvelle mindmap, j’ai perséveré dans dans cette contradiction entre richesse de l’info et lisibilité. Et c’était pas de la tarte.

Je vous épargne le travail sur les portraits qui, par comparaison avec les précédentes, fut moins important mais, grand dieu, arriver à retenir les informations essentielles sur le sujet fut plus compliqué. Heureusement, j’ai bien été aidé par le livre de John Markoff, journaliste au New York Times, What Dormouse Said: How Sixties Counterculture Shaped Personal Computer Industry, qui m’a servi d’ossature principale.

Cliquez sur l'image pour la regarder en grand format

Comment la contre-culture a t-elle influencé l’informatique telle que nous l’utilisons actuellement – à savoir un assistant personnel qui nous permet de partager avec le monde -, voilà donc le coeur du sujet. Qui vous permettra, je l’espère, de comprendre comment le Mac de Steve Jobs ou le Windows de Bill Gates, qui nous encerclent, n’auraient jamais pu voir le jour. Et vous donnera une image un peu plus humaine de ce peuple de scientifiques en blouse blanche et de nerds.

Je vous laisse donc jeter un coup d’oeil à cette mindmap dans toute sa splendeur, cela m’évitera de paraphraser. Et à bientôt pour un nouvel article et une prochaine mindmap qui, si j’arrive à me foutre assez de coups de pied au cul, devrait être consacrée à un de mes groupes préférés : Fugazi.

Allez en paix.

Texte, dessin : Gwen

Branleurs. Le terme est certes un peu vulgaire mais illustre à la perfection, à l’image de la couverture de leur deuxième album One Fierce Beer Coaster (au passage un des premiers albums achetés par votre serviteur), la profession de foi de Bloodhound Gang. Mélangeant rap, riffs metal et rythmiques pop estampillées 80′s, le tout additionné de paroles débiles ou graveleuses (mais toujours dans la bonne humeur), le groupe originaire de Collegeville en Pennsylvanie signe son premier album en 1995, Use Your Fingers, chez la major Columbia Records.

Un album, vendu à 200 000 exemplaires, qui leur ouvre les portes vers une tournée à travers les Etats-Unis. Mais c’est l’année suivante, avec la sortie de One Fierce Beer Coaster, que la popularité de Bloodhound Gang explose, grâce à leur reprise de Fire Water Burn. L’Europe leur ouvre les bras et la sortie en 2000 d’Hooray for Boobies confirme leurs espoirs. Les singles The Bad Touch, Mope (samples de Relax, de Frankies Goes to Hollywood,  et From Whom the Bell Tolls, de Metallica,  le tout saupoudré d’un Pacman sous crack) et Along Come Mary se plaçant en tête des charts, notamment en Allemagne et dans les pays de l’Est.

Un succès qui s’explique beaucoup par l’adéquation du groupe, mené par Jimmy Pop Ali (l’un des seuls survivants de la formation originelle), à l’esprit « MTV ». Clips diffusés à foison et participation aux émissions façon Jackass du skaterboardeur Bam Margera assurent au groupe une médiatisation certaine chez les jeunes branchés. Un mélange d’esprit alternatif et de pose plutôt casse-gueule, car il peut mener très vite au cynisme.

C’est sous-estimer cependant le potentiel de débilité des membres de Bloodhound Gang. Que cela soit via leur site ou leurs interviews ¹, ces éternels ados semblent avoir pour seule ligne de conduite le plaisir de jouer, de voyager et de déconner (quitte à avoir le poil dans la main pour nous livrer le successeur d’Hefty Fine). Edit : Bloodhound Gang vient de se sortir (en partie) les doigts du c.. avec un nouvel album : Show Us Your Hits. En partie car cet album est une compilation. Pas trop d’intérêt donc si vous avez déjà leurs autres albums, même si pour les plus mordus vous y trouverez un ou deux nouveaux morceaux.

Un petit duo Jimmy Pop – Daddy Long Legs, tiré du premier album de Bloodhound Gang

Une manière de détourner le système, certes inoffensive, mais qui a le mérite de rappeler à certains le simple plaisir de la déconne. Et quand les morceaux sont bons, c’est du bonus.

Passons maintenant au négatif photo de Bloodhound, son coté obscur : Wolfpac. Formé en 1997 à Red Hill (Pennsylvanie), le groupe entretient de nombreux liens. A commencer par son fondateur, Daddy Long Legs, qui débuta dans la première mouture de Bloodhound Gang, Bang Chamber 8, et assura le chant aux cotés de Jimmy Pop Ali sur Use your Fingers. Il quitte cependant l’aventure après un désaccord avec Columbia Records ².

Question d’indépendance, qui se concrétisera par l’autoproduction (Suggar Daddy Productions) et l’aide d’une street team pour la promotion. Un fonctionnement similaire à Insane Clown Posse et ses hordes de Juggalos, toujours partant pour faire répandre la bonne parole ou pogoter aux concerts. Les deux groupes cultivent en effet le même univers horrifique et violent, tout droit issu des Contes de la Crypte, mâtiné de hip-hop.

Baptisé du doux nom d’horrorcore, ce mélange de violence, de sexe et d’esprit gangsta a tout pour faire se dresser les cheveux des parents américains moyens. Ca tombe bien, c’est le but, à l’instar du métal dans les années 80. Revers de la médaille, ce n’est pas toujours très fin ³. Prédilection pour les armes à feu, concerts qui virent par moments à du backyard wrestling, galeries et merchandising sexy-porno (via les Girls of Wolfpac), goût de la pose « bad boy », etc. Tout cela a un peu un goût de MTV dégénéré.

Alors pourquoi s’intéresser à ces rebuts de la société ? Pour la musique pardi ! Car Wolfpac arrive à sortir des compos plus chiadées que leurs amis de la galaxie Insane Clow Posse ⁴. Guitares tronçonneuses façon Misfits, beat bien lourd que n’aurait pas renié Public Enemy, Wolfpac sait également manier les samples pour donner à ses albums une ambiance poisseuse et inquiétante. Et, tel à un clin d’oeil au Bloodhound Gang des débuts, le groupe n’hésite pas à utiliser des choeurs oï, propres à satisfaire l’envie de chanter des auditeurs les plus chargés à la bière. Que demande le peuple ? Encore du son ? C’est parti :

Texte : Gwendal
Photo-albums : Wolfpac / Bloodhound Gang

Discographie :
Concernant Bloodhound Gang, tous leurs albums valent le coup mais si vous êtes plus sensibles au mélange rap-metal, commencez par One Fierce Beer Coaster. Promo MTV aidant, ils sont relativement simples à trouver en magasin. Pour Wolfpac, deux albums sont disponibles, sur iTunes ou en commande sur leur site, Somthin Wicked This Way Comes et Evil is. Tournez vous vers ce dernier, il comporte en effet, en plus des pistes de Somthin, sept autres morceaux.

Sites :
Wolfpac
Bloodhound Gang

Bonus :
Bloodhoung Gang sait aussi animer les maisons de retraites

Zappa en gros

Commençons par la référence anglophone avec Kill Ugly Radio. Articles, galerie Flickr, discographie, liste des bootlegs, vous avez de quoi faire. Je vous conseille d’ailleurs de jeter un coup d’oreille sur la section mix qui propose des dizaines de morceaux et, pour les plus passionnés, faites un tour sur le wiki du site : Zappa Wiki Jawaka. Une vraie mine d’or.

Parmi les sites généralistes sur Zappa, vous pouvez bien sûr vous rendre sur le site officiel ou sur Planet Zappa. Un blog également à mentionner : Frank Zappa’s Revenge, avec son lot de chroniques.

Que les anglophobes se rassurent, de très bon sites en français existent. Coup de coeur personnel, la page de Djouls sur Zappa est très bien faite et vous permettra de choisir au mieux vos premiers albums. Mais faites également un tour sur le site Frank Zappa in France ou celui de Fred Unzel qui offrent de nombreux articles, interviews, photos et vidéos.

Pour les fanas
Les plus fondus du moustachu peuvent se rendre sur la page de United Mutations qui, malgré son aspect rigide, s’avère très riche. Tout comme cette page, aussi laide que complète pour celui qui recherche des informations sur sa discographie, les musiciens de Zappa ou les paroles de ses chansons.

Si vous souhaitez vous pencher sur son univers décalé, rendez vous sur Zappa Analysis qui propose des  explications détaillées sur les paroles et les nombreuses références qui s’entrecroisent dans les albums.

Autre angle d’attaque, plutot original : la philosophie, et en particulier celle de Gilles Deleuze. Trois articles sont lisibles sur Z comme Zappa. Etonnant, et un peu ardu, mais passionnant.

Rencontrer des adorateurs
Pour partager votre amour de Zappa, le site officiel propose un forum mais Zappateers offre plus de sections de discussions, notamment sur les ressources audio et vidéo.

Lire
L’autobiographie Zappa par Zappa est disponible en français et elle reste le moyen le plus abordable pour apprécier le talent et l’humour du bonhomme. Mais vous pouvez également vous tourner vers les ouvrages de deux spécialistes français, Guy Darol (et son très bon site) et Christophe Delbrouk : Frank Zappa de Z à A et Frank Zappa et l’Amérique parfaite ¹.

A conseiller sinon sur la Toile, un article de Jean-Sébastien Marsan sur Radio Canada et le blog Zappa, les mots bruyants qui, bien qu’inactif depuis 2008, propose de nombreux extraits et citations. Pour les anglophones, je vous conseille également d’écouter quelques interviews audio sur Kill Ugly Radio.

Ecouter
Si l’on excepte Youtube et autres Lastfm, il y a bizaremment peu de choses à se mettre sous la dent. Quelques morceaux grâce au blog Bandana Blues, mais c’est peu. Reste heureusement un podcast, déniché sur le site du magasin Reserve, spécialisé dans la musique et la culture populaire, et consacré aux premiers travaux de Zappa, de 59 à 69. Une perle à écouter ici. Pour le reste, il faudra se rendre chez votre disquaire le plus proche.

Texte : Gwendal

Illustration : fresque chronologique de Ward Shelley (à voir en grand ici)

Tout commença avec un E tracé à la va-vite, et le réflexe irrépressible de dessiner des têtes à l’intérieur de cet espace :

Le destin était alors scellé. Car après la mise au propre de ce E, et son impact visuel évident, je ne pouvais laisser cette lettre seule et isolée.

"Ne me laissez pas toute seule !", supplia t-elle

Et de

"Je suis l'Alpha !"

Jusqu’à

"Et moi l'Omega ! Oh, wait..."

Journée après journée, s’est constitué un alphabet

"On ne bouge plus !"

Des possibilités innombrables s’ouvraient désormais à moi. Mais je devais faire un premier test. Trouver une phrase à même d’évoquer toute la puissance sommeillant dans ces lettres interdites. Et ce fut la révélation :

Humour glacé et sophistiqué

Puis la suivante :

Hum

Je résiste encore à l’heure actuelle à l’ajout d’une ponctuation complète. Mais la boite de Pandore s’est ouverte et les idées les plus folles s’en échappent. Tout n’est plus qu’une question de temps…

Texte, dessins : Gwen

Détail d'une couverture de Der Orchideengarten, l'un des premiers magazines consacré au fantastique

Créé en août 2007 par Will Schofield, 50 Watts est un véritable paradis pour les amoureux des livres. Mais ici pas de critiques littéraires sur le contenu, et place plûtot à la beauté des objets, et notamment la première chose qui nous décidera à le saisir entre nos mains : sa couverture.

Couverture du livre Planeedi Avarusse (alias "Spacious Enrolloed Planet") d'A. Palei. 1971. Artiste inconnu

Avec désormais plus centaines (voire milliers) de couvertures, d’illustrations, de gravures ou d’ex libris, 50 Watts est devenu un véritable musée dédié à la culture populaire. Et il offre ainsi l’occasion d’admirer le travail remarquable d’illustrateurs dont votre serviteur n’aurait jamais entendu parler autrement.

Couverture du livre Murder on the Palisades d'Arthur Hawkins Jr

Pour en savoir plus, je vous conseille la lecture de cet article de Steven Heller sur The Atlantic. Et n’hésitez pas à vous aventurer également sur l’autre blog de Will Schofield A Journey Around My Skull ainsi que sur sa galerie Flickr (ainsi que la collection de mes restaurations).

Gravure de Frans Masereel. 1952

Sur ce, je vous dit à bientôt, en espérant me remettre à des articles plus consistants :)

Dessins, texte : Gwen

Illustration de début d’article d’après la couverture de De sju visslarna (Alias « Mystery Mile ») de Margery Allingham. 1966. Réalisée par Per Åhlin

Site : 50Watts

Après l’explosion de début 80, la scène hardcore marque le pas. Minor Threat et Bad Brains, deux des groupes phare, s’arrêtent (respectivement 1983 et 1984) mais, plus pernicieux, la violence jusqu’ici canalisée par la musique déborde. Les codes (vestimentaires, musicaux) et les termes de respect, d’honneur ou de puissance liés au concept de scène ont tendance à cloisonner les esprits. Symbole de ce changement, la présence de plus en plus grande aux concerts de skinheads nationalistes et/ou racistes ².

Note : attention, Youth of Today n’est pas du tout un groupe facho, mais cette vidéo vous donne un aperçu de l’engagement physique des teenagers de l’époque (et des débordements possibles).

Les réactions à cette situation seront multiples pour le hardcore : passage vers le mainstream (comme 7 Seconds), fusion avec le metal (à Boston et New York notamment), radicalisation politique ou « morale » (grindcore, crust, straightedge),…  Mais DC va prendre son public à rebrousse-poil avec le emocore.

Pas de changement fondamental dans l’esprit, avec toujours cette culture DIY et ce besoin d’indépendance, mais un questionnement sur l’énergie qui caractérise le hardcore. Jouer le plus vite et le plus fort, la formule avait créé de vraies pépites au début des années 80. Mais également des frustrations. Le genre devenait de plus en plus codifié (et donc limité) et la rage et la colère qui s’en dégageaient ne pouvaient résumer à elles seules tout le spectre des émotions, ses nuances, qui habitaient les musiciens.

Ce virage va s’opérer dès 1984 à Annapolis (près de Washington DC) avec le groupe Husker Du mais c’est à DC que le emocore va décoller. Gray Matter, Soulside, Dag Nasty (déja présent au commencement), Shudder to Think… autant de groupes à l’origine du Revolution Summer. Le rythme se pose, les guitares gagnent en importance, le chant devient plus fragile (mais toujours contrebalancé par des accès de violence). Le changement est radical pour le public habitué au mosh, et l’incompréhension n’est jamais loin (ne vire t-on pas vers la pop honnie ?). Mais ces expérimentations permettent de déployer un univers gigantesque.

Deux groupes vont d’ailleurs en être les meilleurs représentants : Embrace ³ et Rites of Spring. Le premier d’entre eux n’est autre que la nouvelle formation de Ian McKaye. Avec son frère Alec,  accompagné des anciens membres de The Faith, le groupe ne sortira qu’un album éponyme mais fondateur. Rien de pourtant définitif dans leur musique, mais la voix de McKaye, ses intonations, et les sujets qu’il aborde (le deuil, le doute, le rejet de la violence) emportent les suffrages.

Rites of Spring ⁴ ne bénéficiait pas quant à lui de l’aura du « pape du hardcore » McKaye. Composé d’inconnus, le groupe va cependant frapper les esprits. Plus que la sortie d’un unique album (lui aussi éponyme), ce sont les prestations scéniques qui retiennent l’attention. Instruments fracassés, fleurs jetés dans le public, chanteur (un dénommé Guy Picciotto) à la sensibilité extrême, au chant torturé et chargé comme une pile sur scène : l’esprit du hardcore, celui qui vous remue les tripes, renait.

Si le public est au départ décontenancé, de plus en plus de groupes vont s’approprier cette approche « emo ». C’est le cas du groupe Hated, également à Annapolis, et surtout de Moss Icon qui accentue le rôle des guitares. Moss Icon lève également le pied au niveau rythmique mais, ce qui pourrait rebuter a priori l’amateur de hardcore, renforce d’autant plus les passages agressifs. La formule développée par Moss Icon va finalement lui permettre d’aligner les concerts. Au point de devenir pour les puristes le véritable iniateur du mouvement emo.

Cependant, cette révolution sonique va connaitre son apogée avec Fugazi. Ce groupe fut d’abord une claque similaire à celle assenée par les Beastie Boys à votre humble rédacteur, mais surtout il pourrait résumer à lui seul l’identité de la scène de DC. Element le plus visible de cette assertion, la présence de l’inévitable McKaye. Un label AOC qui rassure certes l’auditeur mais il faut surtout y voir la fin d’une quête pour lui (même si le bonhomme reprendra la route plus tard avec The Evens).

The Word – demo version (1987) ou comment calmer son monde avec un premier morceau

Toujours accompagné du batteur Brendan Canty, il trouve enfin l’alchimie avec le bassiste Joe Lally et un deuxième chanteur-guitariste, le susmentionné Guy Picciotto. Le coté sentencieux de McKaye décrié par certains trouve dans Fugazi un magnifique contrepoint avec Picciotto, vipérin, torturé. Un peu comme si Chuck D de Public Enemy avait trouvé enfin son Flavor Flav ⁵.

Fugazi – Long Division (extrait du documentaire Instrument de Jem Cohen, où vous pourrez voir le superbe enchainement sur le morceau Runaway Return)

Autre changement radical, Fugazi n’est plus la énième formation de McKaye, son nouveau bébé. Le groupe se veut le plus démocratique, le plus libre possible. A commencer par les compositions. Comme l’explique Picciotto dans une interview de Mark Prindle, les premiers morceaux furent composés par McKaye mais « après, de plus en plus de membres se sont impliqués dans l’écriture. J’ai d’abord commencé puis ce fut le tour de Joe et maintenant nous écrivons tous« . Et que l’on n’oublie pas Brendan Canty qui n’hésite pas à quitter ses futs pour s’attacher aux partitions de guitare et de basse.

Un processus qui se manifeste également sur scène ⁶ comme le détaille Picciotto dans une interview de Chris Nelson.  » Nous n’utilisons pas de set list. Nous nous accordons sur la première chanson et à partir d’elle nous la produisont. Il y existe un schéma de base, dans le sens où nous alternons les voix. Celui dont c’est le tour de choisir la nouvelle chanson incorpore au morceau un indice qui va permettre la transition. Tu essaies alors de regarder les autres et d’attraper leur regard. A tout moment, chaque membre peut démarrer une chanson de notre répertoire. Il est très important que chacun soit au point sur chaque album et chaque morceau. Cela devient un jeu : vous essayez d’en choisir une que vous n’avez pas jouée depuis 4 ou 5 concerts, juste pour voir si tout le monde la connait sur le bout des doigts. » Une règle qui entraine une maitrise de leur instrument incomparable, pour notre plus grand bonheur… et qui oblige le fan transi à dénicher sans cesse de nouveaux enregistrement live.

Mais pour le public de l’époque, ceci renforce également le lien avec le groupe. Il devient le témoin d’une représentation unique qui ne doit pas être gachée par quelques types sans cervelle (écouter à ce propos les morceau Rend it et Bad mouth sur le live au Crystal Ballroom, où le groupe n’hésite pas à s’arrêter de jouer pour calmer certains d’entre eux). A ce titre, McKaye répugne à jouer sans voir le public : « Je veux jouer pour des gens. Je veux essayer d’interagir avec eux, et pas seulement en leur criant dessus. Je veux qu’ils sachent que je suis dans la salle avec eux. Et je souhaite qu’ils soient dans la salle avec moi« . Etre une personne, un individu. Et pas un type dans le noir qui se prend un mauvais coup de ranger dans la tête.

Que l’on se rassure, il est malgré tout encore possible d’apprécier Fugazi sans avoir à emprunter une De Lorean (ou arpenter le site Archive.org). C’est l’avantage de l’album et, cela tombe bien, le groupe en est conscient. Finis donc les enregistrements à l’arrache des débuts du hardcore et place à un vrai travail de studio dont Red Medicine est le symbole. Un album, selon une interview de Chris Summerlin sur Diskant, pensé comme « un effort pour arrêter de traiter le studio comme un rendez-vous chez le docteur : désagréable mais nécessaire. Cette fois nous avons décidé de le produire nous même et d’étendre un peu notre palette en incorporant des exercices sur bande ou des démos 8 pistes, comme autant de strates. Nous avons également enregistré chaque chanson séparement de façon à ce qu’elles sonnent chacune d’une manière particulière. » Un travail expérimental qui aboutira à des perles comme End Hits ou The Argument.

Enfin, ce qui donne à Fugazi toute son aura, près de 10 ans après leurs adieux, est l’intégrité qui a conditionné toute leur carrière. Autoproduits, gérant eux-mêmes l’organisation des concerts (du booking aux lumières), jouant dans toutes les salles (de la salle de YMCA à la maison d’un particulier) et toutes les villes, même la plus petite, à des tarifs abordables (jamais plus de 5$), apportant leur soutien via des concerts à des associations (Emmaus Services for the aged, Latin American Youth center), Fugazi démontre qu’il est possible de combiner succès (plus d’un million d’albums vendus à leur actif) et fidélité à l’esprit underground ⁷.

La flemme, le manque de connaissances et de groupes marquants (ainsi que la peur de dépasser les 20 000 signes) m’empêchent de pousser plus en avant notre aperçu de la scène de DC dans les années 90-2000. Mais vous pouvez toujours dénicher les nouveaux talents sur le site de Dischord ou jeter un oeil sur le genre qui lui succédera : le screamo. Cependant, en guise de compensation, et en gage de respect envers les groupes dont je n’ai pas pu parler, voici une playlist qui vous changera de la oï ou du crust :

Texte : Gwendal

Liens

Si vous voulez en savoir plus sur le emocore, je vous conseille de vous rendre sur la page d’Andy Radin qui offre un très bon résumé. Sinon, comme pour la première partie de cet article, faites un tour sur le site de Dischord Records.

Bibliographie

Pas de livres à ma connaissance en français, il faudra donc se tourner vers Dance of Days de Mark Anderson et Mark Jenkins (quelques pages sont visibles sur Googlebooks), American Hardcore de Steven Blush (interview de l’auteur ici) et Our Band Could Be Your Life de Michael Azerrad (une chronique en français du bouquin est lisible sur le blog Wonderflu). Edit : un très bon documentaire à voir également, American Hardcore, the History of American Punk-rock par Paul Rachman et Steven Blush.

Non content de jouer et de composer de la musique, Zappa souhaitait depuis plusieurs années approcher la caméra. En 1962, il avait déja pu le faire d’une manière indirecte en composant la bande originale de The World’s Greatest Sinner ¹ de Timothy Carey. Mais c’est en 1967, avec le tournage d’Uncle Meat, que l’idée de marier musique et image s’affirme. Manque de chance, et surtout manque d’argent, seul un double-album sera commercialisé en 1969 ².

Deuxième chance en 1971 avec le projet 200 Motels, dont la ligne directrice pourrait être « Touring can make you crazy » (les tournées peuvent vous rendre dingue). Soit les aventures des Mothers ³, venus jouer à Centerville, petite bourgade où l’on voit d’un mauvais oeil l’arrivée de ces énergumènes. Ces derniers devront de plus lutter contre les tentations (pacte faustien proposé par l’acteur Theodore Bikel, désirs de carrière solo, course aux groupies, etc.)

Keith Moon déguisé en nonne et en plein bad trip. Heureusement que les (ravissantes) groupies sont là pour le soutenir dans cette dure épreuve.

« C’était vraiment pas l’année pour arrêter de sniffer de la colle »

Voila pour le canevas général, déja bien halluciné. Mais le tournage ne va faire qu’amplifier cette étrangeté, ce caractère bancal. Avec un petit budget financé par la United Artists et la MGM, le film est mis en boite en une semaine en Angleterre. Les idées fourmillent dans la tête de Zappa, qui n’hésite pas à engager dans son aventure le Royal Philarmonic Orchestra, la mezzo soprano Janet Ferguson ⁴ et le Classical Guitar Ensemble de John Williams. Mais il se heurte rapidement aux réalités du cinéma. En particulier le script.

Reconnu pour ses collaborations avec les Beatles ou Hendrix, le co-réalisateur Tony Palmer arrive sur le projet sans fil directeur. Rien de tel pour gaspiller le temps. Comme il le raconte, la moitié des scènes prévues à l’origine ne peuvent ainsi être tournées en temps et en heure, nuisant à la continuité du film. Ceci a pour conséquence le départ de Tony Palmer, auquel se joindront d’autres acteurs et même le musicien Jeff Simmons ⁵.

Pour couronner le tout, le film sera un bide à sa sortie. La même année, Zappa sera grièvement blessé lors d’un concert, poussé hors de la scène par un spectateur, et le matériel des Mothers partira en fumée lors d’un concert à Montreux (inspirant Smoke on the Water de Deep Purple). Bref, « c’était vraiment pas l’année pour arreter de sniffer de la colle« .

A quoi peut donc ressembler le bébé 200 Motels après un accouchement si douloureux ? Plus à une expérience sensorielle qu’à un véritable film, c’est certain. Montage épileptique, travail sur les bruitages conférant une ambiance cartoon, surimpressions (mains glissant sur les touches de piano et partitions mélées), fumées sortant de liquides étranges, le tout réhaussé par les couleurs de la vidéo ⁶ : Zappa n’a jamais été le porte étendard des drogues mais avec ce film, on a vraiment des doutes.

Cet happening déglingué et psychédélique emporte finalement le spectateur par son coté doux-dingue. Que ce soient Ringo Starr, déguisé en Zappa ou en nain (?!), Keith Moon en nonne adepte des drogues dures (?! bis) ou le duo Flo et Eddie ⁷ en roue libre, la bonne humeur est communicative.

Zappa aux manettes, le film contient bien évidemment son lot de chansons. Mêlant expérimentations pop et parties orchestrales, elles ne sont pas forcement les plus intéressantes composées par Zappa. Mais des morceaux comme Magic Fingers, Tuna Fish Promenade, Penis Dimension ou le final Strictly Genteel sont loin d’être déshonorantes.

« Nothing really matters »
Cependant, ce que l’on retient après ce tourbillon de 91 mn, ce sont des séquences ou vous agitez les bras d’incompréhension face aux aventures des Mothers. Jim Motorhead Sherwood tombe amoureux d’un aspirateur géant au doux nom de Gypsy Mutant Vacuum Cleaner tandis que Jimmy Carl Black dégomme du hippie à coup de mitrailleuse dans un bar de rednecks. Et l’orchestre de se voir parqué dans un camp de rééducation, tandis que des hommes à tête de lézard se baladent dans ses rangs. Autant de moments « autre » qui rappellent furieusement le sketch Find a Fish dans Le sens de la vie des Monty Pythons. Une impression encore renforcée par Dental Hygiene Dilemna de Charles Swenson, séquence animée mêlant prises de vue réelles, à l’image des travaux de Gilliam.

Certes, cela ne tient pas la comparaison au point de vue comique (qui le pourrait face aux Pythons d’ailleurs ?) mais 200 Motels réussit son pari de nous faire voyager à l’intérieur du cerveau de Zappa. A l’image de sa présence dans le film ⁸, la rencontre avec son univers reste fugace, chaotique, brouillonne. Mais 200 Motels s’avère suffisamment délirant au final pour baisser un instant son niveau d’exigence cinématographique et l’apprécier pour ce qu’il est : un joyeux bordel qui vous ne laissera pas indifférent.

Texte : Gwendal

Liens

• Vous pouvez également lire deux chroniques de l’album 200 Motels, une d’Oncle Viande sur Forces parallèles et l’autre, par Sytizen, sur Xsilence.net
• Si vous souhaitez regarder quelques extraits vidéos, vous pouvez consulter cette page sur Metafilter
• A voir, un documentaire sur le making of de 200 Motels (en 3 parties) sur Youtube
• Vous pouvez enfin retrouver quelques photos d’exploitation du film sur Cinematic