1943. Les troupes allemandes, après avoir subi un premier revers à Stalingrad en décembre 1942, sont définitivement stoppées en aout à Koursk.L’armée russe a beau être saignée à blanc depuis 1941, la Wehrmacht doit se replier. Et celle-ci organise une impitoyable politique de la terre brûlée. C’est dans ce contexte que le jeune Florya, malgré les supplications de sa mère, décide de rejoindre les partisans russes nanti de son sésame : un fusil déterré sur un champ de bataille.

Un rêve vite douché en raison de son inexpérience au combat, qui l’oblige à rester à l’arrière lors d’une offensive russe. Au coeur de la forêt, il fait cependant la rencontre de Glasha, jeune femme pleine de vie. Premiers troubles pour Florya dans son engagement, renforcés par le bombardement de leur base arrière qui les laisse seuls en pleine nature. Le couple improvisé décide alors de retourner au village de Florya. Le début d’un voyage en enfer qui les changera à jamais.

Votre serviteur ne poussera pas plus loin la description, au risque d’atténuer en partie la force d’une première vision. Mais il se doit de souligner le talent d’Elem Klimov. Déroutant dans ses premières minutes par le comique des scènes avec le jeune ami de Florya ou chez les partisans russes, le film nous happe par la justesse de son approche humaine. Toujours au plus près de ses sujets par son utilisation de la steadycam, de la vue subjective ou des gros plans fixes, Klimov nous retourne émotionnellement. Fasciné par la beauté et l’onirisme des séquences en forêt entre Glasha et Florya, le spectateur noue avec eux un lien indéfectible, quitte à devoir contempler l’abysse. Un abysse fait de boue et de sang.

Mais pas question ici de le regarder de loin. Klimov vous plonge la tête la première dedans. Une immersion renforcée par ses acteurs, tous amateurs (2), et d’une grande justesse, pour qui le tournage fut des plus éprouvants (3). Et un travail impressionnant sur le son (en particulier la séquence du marais dignes du drone metal)  qui rappelle celui sur Massacre à la tronconneuse par sa capacité à mettre la sensibilité du spectateur à vif.

Injustement méconnu (4) Idi i smotri ne vous divertira pas. Mais il vous retournera comme peu de films peuvent le faire.

Pour aller plus loin
Pour ceux (mais pas seulement) qui seraient surpris par cette équipée nazie, je vous renvoie à cette page de Wikipedia ou cet article de l’Encyclopédie multimédia de la Shoah.
Si l’épisode narré dans Idi i smotri se concentre, politique oblige (5), sur les persécutions sur la population russe par le 15e Einsatzkommando, il fait partie d’un plus grand ensemble. Ce que l’on nomme la Shoah par balle. Débutée en 1939 en Pologne, elle constitue la première étape de la Solution finale, avant le passage au fonctionnement industriel. Visant au départ Juifs, Tsiganes ou handicapés, elle s’attaquera ensuite, à partir de l’invasion allemande, en 1941, aux populations russes, aux partisans et aux cadres soviétiques.
Ces missions d’extermination furent confiées aux Einsatzgruppen (« groupes d’intervention ») qui suivaient l’avancée des troupes. Pas assez « efficaces » (Edit : et couteuses), elles seront donc remplacées par les camps de la mort à partir de 1941-1942.
A ce sujet, je vous recommande Einsatzgruppen : Les commandos de la mort, un documentaire de Michael Prazan, diffusé en 2009 sur France 2 et disponible en DVD (ou visible ici). A consulter en ligne, le rapport Jäger sur le massacre de plus de 130000 personnes, en majorité juifs.

Même si ce livre ne concerne pas directement les einsatzgruppen, je vous conseille de lire Des hommes ordinaires. Le 101e bataillon de réserve de la police allemande et la solution finale en Pologne. L’historien Christopher Browning se penche sur le quotidien de réservistes aux travers de leurs archives. Indispensable pour tenter de comprendre les mécanismes d’acceptation de l’horreur.

Requiem pour un massacre / Idi i smotri / Va et regarde, d’Elem Klimov. DVD français disponible chez l’éditeur Potemkine.
Texte : Gwendal (et un grand merci à Stoner pour m’avoir fait découvrir ce film)

Rien de tel pour se mettre dans l’ambiance avec l’un des morceaux phares de Skream

Historique et définition
Né à l’aube du troisième millénaire (ca fait plus chic que l’an 2000) à Londres, et en particulier sa banlieue sud métissée, le dubstep est un courant récent. Si les pionniers débutent leurs expérimentations à la fin des années 90, le dubstep va décoller à partir de 2001 avec le label Ammunitions Promotions, qui produit les premiers disques dubstep et organise des soirées spéciales au club Forward>>.

Créé de manière underground, le dubstep se veut un genre propre à l’expérimentation. Et s’il s’inspire de scènes electro préexistantes (drum’n bass, techno, dub), chaque DJ cherche à casser les cloisons qui se sont érigées dans la scène anglaise. A ce titre, il est ardu d’en donner une définition précise mais, heureusement, il reste quelques constantes. A savoir une dimension avant tout instrumentale et des basses qui s’attaquent autant à vos oreilles qu’à votre corps tout entier. En découle une impression d’espace, similaire à l’écoute de la dub. Mais la sérénité cède la place ici au désenchantement ou au doute. Celui du citadin contemplant la jungle urbaine contemporaine.

Rappel des origines dub avec ce morceau de Digital Mystikz

Archives/ressources
Pour ceux qui souhaitent en savoir un peu plus que cette introduction (et comme on n’est jamais aussi bien servi que par les autres), je vous renvoie logiquement à la page Wikipedia et surtout à l’article bien troussé de Benoit Deuxant, publié sur La Médiathèque.

Les anglophones auront de quoi s’informer un peu plus via les articles de Martin Clark dans le magazine Pitchfork  et de Gervase de Wilde sur le site du Telegraph . Mais je ne saurais trop vous conseiller de lire celui de Sharon O’Connell sur Time Out London  qui fait vraiment le tour de la question. Et si vous avez encore 7 minutes 40 à perdre, un reportage de la BBC est visible à cette adresse.

Autre qualité indéniable du dubstep, arriver à faire aimer de la pop à votre serviteur : la notion d’espace du dubstep rend justice à la très jolie voix de la chanteuse, alors que l’original me rappelle les belles heures de Message à caractère informatif.

Actualités et webzines
Dubstep.fr. Pas besoin d’aller chercher bien loin avec un site francophone très complet. Actu, chroniques, forum, le tout en français, largement de quoi vous rassasier. Plus généraliste, le site de l’association Suce mon beat n’en offre pas moins son lot d’infos sur le dubstep, et si par bonheur vous êtes du côté de Montepellier, vous pourrez même profiter de leurs concerts.

Quelques sites en anglais à mentionner : le webzine Get Darker et le blog Weareie.com qui, bien qu’il n’y ait pas eu de mise à jour depuis avril, contient de nombreux mixes et infos. Et enfin Blackdown, blog dubstep-grime tenu par le journaliste Martin Clark, spécialiste de cette nouvelle scène.

Au niveau communautaire, direction à nouveau vers le sus-cité Dubstep.fr qui comprend un forum, dont une section est dévolue aux artistes français. Mais Dubstepforum et Dubstepxclusive constituent également des carrefours intéressants.

Radios, mixes et streaming
Ecouter du dubstep est vraiment très facile. Entre Dubstepdownloads, la section dubstep de Newmixes et Core News,  vous avez de quoi faire (dans le lot je vous conseille une des émissions de Caspa et une de Mista Jam).

C’est d’ailleurs l’un de ses aspects remarquables. Le genre a utilisé à plein les possibilités d’internet. Le pressage d’albums ne peut suivre le nombre de morceaux qui sont créés puis échangés, de facon dématérialisé, via les forums. Ce qui permet à des DJ d’acquérir en quelques heures tout le matériel sonore pour se lancer. Et échanger à leur tour des créations. Meilleur exemple à ce sujet, le site Barefiles.com. Simple lieu d’échanges au départ, il a depuis évolué avec le magasin online Bare Dub Records.

Si vous n’avez cependant pas le temps de trouver votre DJ préféré, podcasts et radios sont toujours la pour vous en proposer une sélection. Le plus simple pour cela est d’aller sur Rinse FM, radio pirate londonienne qui fut la première à offrir l’antenne au dubstep. Mais comme nous pouvons toujours compter sur la BBC, l‘émission de Mary Anne Hobbs est également de très bonne qualité. DJ et journaliste (c’est elle qui signe le documentaire de la BBC cité plus haut), ce fut elle qui lança, en 2006, le dubstep auprès du grand public avec l’émission spéciale Dubstep Warz (trouvable ici), qui regroupait les artistes les plus représentatifs de la scène dubstep.

Allez, je vous laisse avec quelques autres morceaux et bonne écoute !

Je le reconnais, c’est un peu gnangnan mais, comme pour le titre de La Roux, la profondeur du dubstep apporte un supplément de sincérité qui emporte mon suffrage.

L’ami Cardopusher (dont j’avais oublié de parler ici) nous démonte que le breakcore sait aussi se marier avec le dubstep.

Un morceau plus clinique de Kode 9 et Spaceape pour terminer, découvert grâce à un post de Maxence sur Fluctuat.net

Texte, dessin : Gwendal

Trève de plaisanterie, votre serviteur se fend d’un petit billet dédié à tous ceux qui n’ont pas forcement le temps de s’attarder une heure entière pour lire certains de mes articles (Si, si, y en a, j’ai les noms !).

Flux RSS, chaine Youtube, Delicious, galerie : voici donc quelques adresses utiles, et tout aussi intéressantes, qui se cachent malicieusement dans ce blog mais qui vous ont peut être échappé, éblouis que vous étiez par un article sur le breakcore ou le grind.

Oui, vous, là, qui passez sur ce blog chatoyant. Subjugués par tant d’informations essentielles, vous ne savez ou poser votre regard. Et par flemme ou découragement, vous mettez un terme à votre visite. La honte s’empare de vous.

Et bien sachez que vous n’êtes pas seul.

Certes vous méritez que l’on vous jette des pierres pour cette négligence. Mais, tel un Jésus de Nazareth revenu sur les internets, votre serviteur est décidé à vous montrer le chemin, ou plutôt les chemins, qui ménent à la révélation mystique. C’est parti.

- Youtube

Lire des articles sur la musique c’est très bien. Mais d’une cela prend de votre précieux temps, et de deux ca ne s’écoute pas. Ce qui est bien dommage vous en conviendrez.

Grâce à la magie du multimédia il est certes possible de combiner habilement les deux (comme vous l’aurez constaté en cliquant par inadvertance sur l’un des articles de ce blog). Mais rien ne vaut le plaisir de poser son séant et se concentrer pleinement sur les vibrations sonores et chromatiques que l’on appelle plus vulgairement « vidéoclips ».  Et pour cela, rien de plus simple : rendez vous sur la chaine Youtube de Centrifugue (en plus ca rime un peu). Metal, jungle, reggae ou punk, à vous d’enquiller les playlists selon votre humeur.

- Flux RSS

Parfois l’envie de se faire un café, se faire cuire des pâtes ou même sortir et voir des gens vous éloigne de votre ordinateur. Et vous ratez le dernier tir de missile nord coréen ou un nouveau mème internet. Vous pleurez à chaudes larmes, maudissant votre distraction.  Comment rattraper votre bourde, revenir dans le flux de l’actualité et arrêter ainsi les sarcasmes de vos collègues de travail ou de votre entourage ? Une seule solution : ajouter à votre lecteur de flux RSS cette simple page. Amoureusement triée, analysée en fonction de sa pertinence, cette sélection d’informations piochées aux 36 000 coins du web vous procurera un sentiment intense de satisfaction intellectuelle. Désormais vous pourrez adresser à votre audience, d’un regard assuré et hautain, cette cinglante répartie : « grâce aux flux RSS de Centrifugue je le savais déjà depuis une semaine, banane ! »

- Compte Delicious

Avouez le, retrouver ce site qui vous avait subjugué il y a quelques semaines, ou cet artiste entendu une fois chez un collègue, alors que vous vous gaviez de chipitos et de mauvais vin blanc, est devenu une tâche aussi insurmontable que de retrouver vos fiches de salaire pour une inscription à Pole Emploi. Bref, c’est le bordel. Vous pouvez bien essayer de taper quelques requêtes sur un célèbre moteur de recherche mais rien à faire. Séchez vos larmes, le Delicious de Centrifugue est là. (À peu près) rangés en « tag bundles » (sur la colonne à droite), podcasts, webzines, sites d’artistes et autres merveilles vous y attendent.

- Galerie Flickr

Last but not least (et pour ceux qui n’auraient pas remarqué en haut du blog l’onglet « galerie »), quand votre serviteur ne tape pas des phrases sans queue ni tête sur son interface Wordpress, il lui arrive de prendre sa tablette graphique pour tracer des traits et foutre de la couleur partout. Le résultat des ces expériences interdites se trouve ici. Certains visiteurs sont morts, certains sont en hôpital psychiatrique. D’autres furent aperçus pour la dernière fois en train de hurler, à poil, dans une forêt. Mais tous portaient sur leur visage le sourire de la félicité. Alors n’hésitez plus.

Allez en paix

Texte, dessin : Gwendal

Le Colonel John Matrix (Arnold Schwarzenegger), ancien membre d’un commando d’élite et désormais retiré dans la montagne avec sa fille, Jenny (Alyssa Milano), voit ses anciens camarades mourir les uns après les autres. Mais tout ceci n’est qu’une ruse de son ancien coéquipier, Bennett (Vernon Wells), pour le retrouver et le forcer à remplir une dernière mission : tuer Velasquez, le président du San Carlos, et ainsi permettre au général Arius (Dan Hedaya) de reprendre le pouvoir.

Profitez bien du générique, car ce seront les seuls moments de quiétude avant la fin du film.

La fille de Matrix est prise en otage et ce dernier, escorté par les sbires de Bennett, n’a désormais plus qu’une dizaine d’heures pour accomplir sa mission avant que Jenny ne soit exécutée. C’est cependant mal connaître Matrix, qui va tout faire pour récupérer sa fille, tout en abattant par grappes de dix les sbires qui oseront lui barrer la route.

Cas particulier que celui de Commando car le film ne peut, au premier abord, être véritablement considéré comme un nanar, c’est-à-dire, selon la définition généralement acceptée sur le site de référence Nanarland  : un « mauvais film sympathique ». Réalisé par Mark L. Lester, artisan d’honnêtes séries B (Firestarter, Class of 1984 et Class of 1999 notamment), produit par le célèbre Joel Silver (Die hard, Predator, L’Arme fatale, etc.), Commando bénéficie pour sa bande-son du tout aussi célèbre James Horner et d’un casting plus qu’honorable : Vernon Wells (Mad Max 2, L’Aventure intérieure, Fortress), Bill Duke (Predator) ou David Patrick Kelly (Les Guerriers de la nuit). Le film se suit sans aucune baisse de rythme et ne perd rien de son impact après plusieurs visionnages.

Cependant, en tant que film d’action qui assume jusqu’au bout son scénario rachitique (au prix de nombreuses invraisemblances), Commando provoque à sa vision le même sentiment d’absurde qu’un nanar et, à ce titre, mérite à coup sûr un visionnage entre amis.

Le générique, un modèle de mise en valeur du héros.

Matrix, le personnage principal, nous est décrit dès le départ comme un soldat d’élite monolithique que rien, mais alors strictement rien, ne peut arrêter. Dévaler une pente à toute berzingue dans un 4×4 sans frein, sauter du train d’atterissage d’un avion au décollage, briser des flics en deux ou démastiquer des sbires moustachus avec l’arsenal de la Garde nationale semble aussi naturel et facile pour lui que d’aller chercher une baguette de pain à la boulangerie du coin.

Le dévouement des valeureux représentants de l’ordre : aussi inconscient qu’inutile face à John « en silence et en douceur » Matrix.

Sorti la même année que Rambo 2 (1985), Commando joue la surenchère dans l’action et l’iconisation de son héros invincible. Mais la différence est qu’avec son rythme trépidant (conséquence du compte à rebours avant que sa fille ne soit tuée), il oblige le spectateur à accepter des exploits invraisemblables dont les punchlines, qui rythment ces péripéties, ne font que renforcer le côté too much. Pas question ici de craindre un quelconque échec de sa part (comme dans un Die hard par exemple) : avec la force tranquille d’un rouleau-compresseur, le héros va tracer son chemin jusqu’au combat final contre son ennemi juré Bennett, et le spectateur n’a dès lors plus qu’à se caler dans son fauteuil et admirer le travail d’un professionnel.

Un vendeur de voiture ? Où ça ?

Sully (David Patrick Kelly) : une certaine idée de la classe.

L’élément central du potentiel nanar du film réside en effet dans ce que l’on pourrait appeler la « commando attitude » des personnages, pour reprendre l’expression utilisée par un ancien Premier ministre français. Cela consiste à assumer pleinement son rôle et sa mission, sans jamais se départir de son assurance. Et malheur au pauvre hère qui aura l’idée incongrue de croiser le chemin d’un des personnages.

Un sbire de Bennett doit liquider quelqu’un ? Pas de problème ! Une punchline, une rafale et c’est réglé. Sully veut draguer une femme ? Une clope, un costume qui claque, un sourire de loverboy et c’est dans le sac (enfin presque). Cooke veut une voiture ? Il la prend, explose une vitrine, une voiture (grâce au « virage commando », voir plus bas) et un coéquipier de Matrix au passage. Un hydravion ne veut pas décoller ? Un bon coup-de-poing sur le tableau de bord et c’est parti. Voilà la « commando attitude » ! Même la frêle et sans défense Jenny (Alyssa Milano) a la « commando attitude », n’hésitant pas à envoyer valdinguer l’autorité, qu’elle vienne du supérieur de Matrix, le général Kirby (« Vous avez un mandat ? »), ou du général Arius (« Ca sera encore plus chouette de le voir buter votre sale gueule ! »).

Le fameux « virage Commando », que l’on peut reproduire à loisir sur Gran Turismo ou GTA.  En haut, Cooke et en bas, Matrix. Remarquez comme ils partent tous les deux volontairement en sous virage pour percuter la voiture du pauvre pékin arrivant en face et ainsi se remettre dans l’axe de la route sans la moindre perte de vitesse. Du grand art.

J’ai intenté un procès à mon costumier, et mon coiffeur a fait appel…

Non, Henrique, ton sacrifice n’aura pas été vain car ta mort restera gravée dans les mémoires avec ce fabuleux « jeté de bras ».

Mais ce qui fait que l’on se rappelle encore de Commando bien longtemps après, l’œil embué par des larmes de rire, c’est d’avoir un bad guy, que dis-je, LE bad guy à même d’en rajouter encore plus que Matrix dans les scènes barrées : Bennett.

Bennett, sourire en coin et cotte de maille apparente. Enfin un homme qui aime son métier.

Vernon Wells doit cependant ronger son frein pendant une bonne partie du métrage niveau action. Obligé de se coltiner des soldats incapables et de faire la baby-sitter (c’est pas génial pour un soldat d’élite qui « aime un peu trop donner la mort »), il rétablit l’équilibre par ses répliques et son ironie. Sûr de lui, il n’hésite pas à remettre à sa place un troufion et le général Arius, qui pensent avoir une quelconque chance de survivre.

- Troufion : « Une lame de couteau dans une gorge d’enfant, ça s’enfonce comme dans du beurre. »
- Bennett : « Toi, tu me ranges ce couteau et tu fermes ta gueule. »

Bennett sait que tout le monde va crever dans le palais, dans des gerbes de sang et des râles d’agonie. La seule question qui importe étant « quand ?». De plus, à l’instar d’un Clarence Boddicker (Robocop) ou d’un Richter (Total Recall), Bennett est un bad guy qui aime son boulot. Un artisan qui a gardé le goût des choses simples. Pas de prêchi-prêcha avec lui, voir les gens souffrir c’est sa came.

A ronger son frein pendant tout le film, Bennett est un tantinet sur les nerfs.

L’apothéose interviendra lors du duel Matrix-Bennett, où ce dernier en arrive à un tel niveau de jouissance à l’idée de planter son couteau dans le bide de son rival qu’on ne peut s’empêcher d’y voir quelques sous-entendus équivoques, la panoplie de Bennett aidant (bottes et pantalon en cuir, cotte de mailles et moustache achèvent d’en faire une sorte de sosie testostéroné du chanteur de Queen).

Enfin, de manière plus générale, Commando offre aussi l’occasion pour le nanardeur novice de pouvoir apprécier, au détour des scènes, de nombreux éléments qui font le charme du nanar véritable, avec son cortège chatoyant de mannequins en mousse, trampolines, figurants débiles et autres maquettes en balsa. Le site commandofans.com en a d’ailleurs dressé une liste exhaustive. Ce qui a l’avantage de permettre un nombre important de visionnages avant de cerner la totalité de cette œuvre ultime qu’est Commando.

Encore un suicide inexpliqué de mannequin en mousse (à noter également : le fabuleux cri de Sully, notamment dans la version originale et son GOULALALAAAAA inimitable).

LE plan nichon à ne pas rater dans le film. L’actrice, Ava Cadell, est depuis devenue sexologue et est intervenue dans de nombreux talk-shows aux Etats-Unis dans les années 90.

Branscombe Richmond, alias Bobby Sixkiller, paie les traites de sa voiture et nous offre au passage un hommage avant l’heure à Metal Gear Solid en se faisant expédier fissa dans un placard.

Une maquette filmée sous différents angles pour accentuer les ravages de Matrix. On notera la présence de jolies effigies de soldats en carton (et le fait que les bâtiments explosent de l’intérieur alors que les charges sont disposées à l’extérieur).

Voltige, coordination, débilité profonde. Devenir chair à canon demande un entraînement de tous les instants.

Antichambre vers le nanar,  Commando a donc ceci d’exceptionnel qu’il combine à merveille bon film d’action, buddy-movie efficace (avec le duo Matrix-Cindy), jeux d’acteur jubilatoires et ce grain de folie que d’autres, avec des moyens et un talent moindres, ont cultivé à leur façon pour nous offrir des plantes beaucoup plus biscornues. On peut regretter que Mark Lester soit demeuré dans l’ornière de la série B, avec des machins comme Ptérodactyles ; on n’est jamais prophète en son pays.

Les spectateurs qui seront conquis par l’atmosphère absurdo-parodique de « Commando » pourront en suite, sans hésiter, s’envoler vers des contrées plus étranges. En quête de l’ultime nanar.

Texte : Gwendal

Né en 1960 à Edimbourg, Wattie s’engage très tôt dans l’armée (l’un des rares moyens, quand on vient d’un milieu modeste, de quitter son trou). Ce qui lui permet de découvrir l’explosion du punk à Londres, à la fin de l’année 76. Ancien skinhead (1), l’écoute des Sex Pistols ou des Vibrators est une révélation. Il plaque tout et décide de faire partie d’un groupe. Ce sera Exploited, en 1979.

Composé à l’origine d’Hay Boy à la guitare, Mark Patrizio à la basse et Dru Stix à la batterie (remplacés en 1980 par Big John Duncan à la guitare et Gary Mc Cormack à la basse), Exploited déclare très rapidement les hostilités. Le 4 mai 81 sort Punk’s not Dead, leur premier album studio. Cop Car, I still believe in Anarchy, Sex and Violence ou, bien évidemment, le mythique Punk’s not Dead : l’album est une bombe. Vendu à plus de 150 000 exemplaires, il se classe pendant 44 semaines dans le classement indépendant. Il atteint même la vingtième place du classement national et est couronné « premier album indépendant » par le magasine Sounds. Enfin, « cherry on the cake » : leur hommage à la fameuse interview des Sex Pistols par Bill Grundy. Invité la même année à l’émission Top of the Pops pour interpréter leur single Dead Cities, Exploited provoque une pagaille générale. L’ardeur de Wattie à pourchasser les danseuses et à pogoter comme un damné pour perturber la prestation du groupe New Romantics n’est pas du goût de la BBC, qui interdit le groupe d’antenne.

Un geste suicidaire pour un groupe en quête de reconnaissance médiatique. Mais l’équivalent d’une profession de foi pour Exploited (2). En brulant les ponts avec la société policée, le groupe ne devra sa carrière qu’à la fidélité du public. Or dans une Angleterre plombée par le chômage et une politique anti-sociale, leurs textes s’attaquant à l’armée, la police, Thatcher, Reagan et autres autorités trouvent un écho certain chez les jeunes des classes populaires. Une vague sur laquelle surfe le groupe avec l’apocalyptique Troop of Tomorrow en 1982, puis Let’s start a War l’année suivante qui donnera au groupe son célèbre étendard : le crâne surmonté d’une crête.

Malheureusement le groupe n’échappe pas au grand coup de mou du rock entre le milieu des années 80 et le début des années 90.  Ne comptant plus que Wattie comme membre originel, Exploited continue de sortir plusieurs albums, dont War Now, Death Before Dishonour et surtout The Massacre, mais cela ne suffit pas à assurer sa pitance. Wattie  se retrouve ainsi obligé de travailler comme roadie au début des années 90… et sa femme le quitte avec son enfant. Le chemin de croix se termine enfin en 1996 avec le fulgurant Beat the Bastards, suivi de Fuck the System en 2001. Le groupe reprend alors les tournées à travers le monde et 2011 devrait (enfin?) voir la venue d’un nouvel album.

1979-2010. Plus de trente de carrière si l’on fait les comptes. Un exploit pour un groupe de punk. Clé de cette réussite : assurement la constance. Une constance dans l’énervement. A la manière des Ramones, tout l’impact d’Exploited réside dans son approche basique de la musique, rentre dedans (ou « in your face » pour les anglophones). Couplet refrain, couplet refrain, couplet et un solo, ce n’est certes pas très subtil mais c’est une machine à tubes redoutable. Il en va de même pour les textes, bien loin des des brûlots de Jello Biaffra ou des spoken words d’Henry Rollins (3).  Caricature de cette absence de recherche stylistique, le morceau Sex and Violence. Avantage cependant indéniable, il est facile de s’en souvenir, même bien allumé, et il est tout à fait possible (et recommandé) d’y ajouter quelques « Oï » bien sentis quand le coeur vous en dit.

Musique basique, paroles basiques. C’est un peu léger pour durer aussi longtemps. Quelles sont donc les ingrédients supplémentaires qui ont permis ce succès ? Raison la plus évidente, le contexte des années 80 comme nous en parlions plus haut. Le côté « prolo » d’Exploited parle à beaucoup de jeunes et la violence dégagée par le groupe, par leurs chansons ou leurs exploits destructeurs, fait écho à la violence qui secoue l’Angleterre (grèves des mineurs en 1984-1985, une des plus longues de son histoire, ou émeutes dans le quartier londonien de Brixton, de 1981 à 1985).

Autre raison, son approche musicale .  Morceaux courts (2mn en moyenne), batterie, guitare et basse au taquet,  la formule est sensiblement la même que dans le hardcore américain mais il s’y rajoute un côté beaucoup plus sombre. Une atmosphère morbide et apocalyptique que l’on retrouve dans l’iconographie (du crâne à la crête aux couvertures de War Now, The Massacre ou Death Before Dishonour) et qui inspirera nombre de groupes aux Etats-Unis, dont Anthrax ou Slayer (4) (excusez du peu), avec la naissance du thrash metal.

Mais le coeur d’Exploited, son réacteur nucléaire de rage, et sans doute la principale raison de sa longévité, réside dans un personnage (le terme n’est pas usurpé) : Wattie Bucchan. Berzerker shooté au speed, à l’accent écossais à couper au couteau, il torture ses cordes vocales comme si c’était son dernier morceau. Drogues, tournées autant par nécessité (il faut bien manger) que par envie (il faut bien gueuler), résistance aux aléas de 30 ans de carrière (le groupe a du connaitre une trentaine de musiciens), tout concourt à lui donner l’aura de Lemmy Kilmister du punk. Un type qui vit pour la musique et par la musique, sans compromis, sans plan de carrière. Et parfois sans réfléchir.

Conseil lors d’une pause photo : jeter un coup d’oeil derrière soi évite les oreilles de lapin et les mains tendues.

C’est probablement sur ce point (sur lequel il diverge du lettré à rouflaquettes de Motorhead) qui l’empêche d’être, à 50 ans passés, une figure reconnue du rock. En cause, son attitude ambigue vis-à-vis de l’extrême droite qui, via le National Front, recruta à tour de bras dans les années 80 au sein de la communauté punk. Amitiés avec des membres de l’extrême droite (dont Ian Stuart, fondateur du mouvement Blood and Honour), tatouages aux symboles nazis qu’il s’était fait faire au début par provocation (mais sans les enlever depuis) ou présence de skinheads racistes à leurs concerts (particulièrement en Europe de l’est), les faits sont incontestables (5).

Il est certes possible de contrebalancer cela par les déclarations du groupe (6), l’absence de chansons ouvertement racistes ou les nombreuses tournées avec des groupes classés à l’extrême gauche. Mais cette polémique devient au final caduque si l’on daigne se pencher sur la logique de Wattie. Ou son absence de logique.

Celle d’un apolitique qui, majeur en l’air, conteste toute forme d’autorité. Et c’est à peu près tout au niveau du message. Le qualifier d’anarchiste grâce à un titre comme I still believe in Anarchy est aller un peu loin, surtout quand on lit les paroles. Wattie est juste un chaos punk pas très éveillé (pour ne pas dire un peu con), prêt à faire la fête avec toute personne susceptible de lui offrir une bière. Ne rentrant dans aucune case, ce type semble fonctionner exclusivement à l’instinct, traçant sa route dans un immense foutoir (qu’il soit celui de la société normale ou du milieu punk) et canalisant sa fureur au travers de chansons depuis plus de 30 ans. A l’image d’un GG Allin, le personnage est fascinant et mérite, sans forcement l’admiration, un tant soit peu votre attention.

Texte, dessins : Gwendal

Photos : Virginia Turbett et Exploited

Liens

Site officiel

Un des sites francophones les plus complets sur le groupe. Je vous conseille de jeter un coup d’oeil à leur interview dans Punk Rawk,  histoire de cerner un peu mieux le Wattie, ou cette interview (au format audio) lors de leur passage dans Tracks, sur Arte

Un autre texte sur Exploited à lire ici

Vous pouvez également vous rendre sur la page de Kill from the Heart (en anglais)

Concernant plus généralement le mouvement UK82, dont est issu Exploited, rendez vous sur ce site qui regroupe de nombreuses discographies. Et si vous voulez en savoir un peu plus sur les tensions politiques qui ont animé le mouvement punk c’est par ici. Ou vous pouvez également vous faire une séance de This is England de Shane Meadows, rien que pour la bande originale, cela vaut le coup :)

A regarder :

Réalisé par Stuart Newman, du magazine Kontrol, le documentaire Rock n Roll Outlaw consacré à Exploited et visible sur Youtube (ou vous pouvez le commander sur le site Cherry Red). Extrait de l’émission Top of the Pops, clips vidéos, interviews, de quoi avoir un bon aperçu du groupe si vous maitrisez un peu l’anglais.

Bonus :

Je ne pouvais pas faire un article sur Exploited sans y placer un de mes morceaux préférés, Alternative (reprise par le groupe Tagada Jones et l’ex chanteur de Mass Murderers), et sa géniale introduction à la basse :

Branleurs. Le terme est certes un peu vulgaire mais illustre à la perfection, à l’image de la couverture de leur deuxième album One Fierce Beer Coaster (au passage un des premiers albums achetés par votre serviteur), la profession de foi de Bloodhound Gang. Mélangeant rap, riffs metal et rythmiques pop estampillées 80’s, le tout additionné de paroles débiles ou graveleuses (mais toujours dans la bonne humeur), le groupe originaire de Collegeville en Pennsylvanie signe son premier album en 1995, Use Your Fingers, chez la major Columbia Records.

Un album, vendu à 200 000 exemplaires, qui leur ouvre les portes vers une tournée à travers les Etats-Unis. Mais c’est l’année suivante, avec la sortie de One Fierce Beer Coaster, que la popularité de Bloodhound Gang explose, grâce à leur reprise de Fire Water Burn. L’Europe leur ouvre les bras et la sortie en 2000 d’Hooray for Boobies confirme leurs espoirs. Les singles The Bad Touch, Mope (samples de Relax, de Frankies Goes to Hollywood,  et From Whom the Bells tolls, de Metallica,  le tout saupoudré d’un Pacman sous crack) et Along Come Mary se plaçant en tête des charts, notamment en Allemagne et dans les pays de l’Est.

Un succès qui s’explique beaucoup par l’adéquation du groupe, mené par Jimmy Pop Ali (l’un des seuls survivants de la formation originelle), à l’esprit « MTV ». Clips diffusés à foison et participation aux émissions façon Jackass du skaterboardeur Bam Margera assurent au groupe une médiatisation certaine chez les jeunes branchés. Un mélange d’esprit alternatif et de pose plutôt casse-gueule, car il peut mener très vite au cynisme.

C’est sous-estimer cependant le potentiel de débilité des membres de Bloodhound Gang. Que cela soit via leur site ou leurs interviews (1), ces éternels ados semblent avoir pour seule ligne de conduite le plaisir de jouer, de voyager et de déconner (quitte à avoir le poil dans la main pour nous livrer le successeur d’Hefty Fine).

Un petit duo Jimmy Pop – Daddy Long Legs, tiré du premier album de Bloodhound Gang

Une manière de détourner le système, certes inoffensive, mais qui a le mérite de rappeler à certains le simple plaisir de la déconne. Et quand les morceaux sont bons, c’est du bonus.

Passons maintenant au négatif photo de Bloodhound, son coté obscur : Wolfpac. Formé en 1997 à Red Hill (Pennsylvanie), le groupe entretient de nombreux liens. A commencer par son fondateur, Daddy Long Legs, qui débuta dans la première mouture de Bloodhound Gang, Bang Chamber 8, et assura le chant aux cotés de Jimmy Pop Ali sur Use your Fingers. Il quitte cependant l’aventure après un désaccord avec Columbia Records (2).

Question d’indépendance, qui se concrétisera par l’autoproduction (Suggar Daddy Productions) et l’aide d’une street team pour la promotion. Un fonctionnement similaire à Insane Clown Posse et ses hordes de Juggalos, toujours partant pour faire répandre la bonne parole ou pogoter aux concerts. Les deux groupes cultivent en effet le même univers horrifique et violent, tout droit issu des Contes de la Crypte, mâtiné de hip-hop.

Baptisé du doux nom d’horrorcore, ce mélange de violence, de sexe et d’esprit gangsta a tout pour faire ses dresser les cheveux des parents américains moyens. Ca tombe bien, c’est le but, à l’instar du métal dans les années 80. Revers de la médaille, ce n’est pas toujours très fin (3). Prédilection pour les armes à feu, concerts qui virent par moments à du backyard wrestling, galeries et merchandising sexy-porno (via les Girls of Wolfpac), goût de la pose « bad boy », etc. Tout cela a un peu un goût de MTV dégénéré.

Alors pourquoi s’intéresser à ces rebuts de la société ? Pour la musique pardi ! Car Wolfpac arrive à sortir des compos plus chiadées que leurs amis de la galaxie Insane Clow Posse (4). Guitares tronçonneuses façon Misfits, beat bien lourd que n’aurait pas renié Public Enemy, Wolfpac sait également manier les samples pour donner à ses albums une ambiance poisseuse et inquiétante. Et, tel à un clin d’oeil au Bloodhound Gang des débuts, le groupe n’hésite pas à utiliser des choeurs oï, propres à satisfaire l’envie de chanter des auditeurs les plus chargés à la bière. Que demande le peuple ? Encore du son ? C’est parti :

Texte : Gwendal
Photo-albums : Wolfpac / Bloodhound Gang

Discographie :
Concernant Bloodhound Gang, tous leurs albums valent le coup mais si vous êtes plus sensibles au mélange rap-métal, commencez par One Fierce Beer Coaster. Promo MTV aidant, ils sont relativement simples à trouver en magasin. Pour Wolfpac, deux albums sont disponibles, sur iTunes ou en commande sur leur site, Somthin Wicked This Way Comes et Evil is. Tournez vous vers ce dernier, il comporte en effet, en plus des pistes de Somthin, sept autres morceaux.

Sites :
Wolfpac
Bloodhound Gang

Bonus :
Bloodhoung Gang sait aussi animer les maisons de retraites

Après l’explosion de début 80, la scène hardcore marque le pas. Minor Threat et Bad Brains, deux des groupes phare, s’arrêtent (respectivement 1983 et 1984) mais, plus pernicieux, la violence jusqu’ici canalisée par la musique déborde. Les codes (vestimentaires, musicaux) et les termes de respect, d’honneur ou de puissance liés au concept de scène ont tendance à cloisonner les esprits. Symbole de ce changement, la présence de plus en plus grande aux concerts de skinheads nationalistes et/ou racistes (2).

Note : attention, Youth of Today n’est pas du tout un groupe facho, mais cette vidéo vous donne un aperçu de l’engagement physique des teenagers de l’époque (et des débordements possibles).

Les réactions à cette situation seront multiples pour le hardcore : passage vers le mainstream (comme 7 Seconds), fusion avec le metal (à Boston et New York notamment), radicalisation politique ou « morale » (grindcore, crust, straightedge),…  Mais DC va prendre son public à rebrousse-poil avec le emocore.

Pas de changement fondamental dans l’esprit, avec toujours cette culture DIY et ce besoin d’indépendance, mais un questionnement sur l’énergie qui caractérise le hardcore. Jouer le plus vite et le plus fort, la formule avait créé de vraies pépites au début des années 80. Mais également des frustrations. Le genre devenait de plus en plus codifié (et donc limité) et la rage et la colère qui s’en dégageaient ne pouvaient résumer à elles seules tout le spectre des émotions, ses nuances, qui habitaient les musiciens.

Ce virage va s’opérer dès 1984 à Annapolis (près de Washington DC) avec le groupe Husker Du mais c’est à DC que le emocore va décoller. Gray Matter, Soulside, Dag Nasty (déja présent au commencement), Shudder to Think… autant de groupes à l’origine du Revolution Summer. Le rythme se pose, les guitares gagnent en importance, le chant devient plus fragile (mais toujours contrebalancé par des accès de violence). Le changement est radical pour le public habitué au mosh, et l’incompréhension n’est jamais loin (ne vire t-on pas vers la pop honnie ?). Mais ces expérimentations permettent de déployer un univers gigantesque.

Deux groupes vont d’ailleurs en être les meilleurs représentants : Embrace (3)  et Rites of Spring. Le premier d’entre eux n’est autre que la nouvelle formation de Ian Mc Kaye. Avec son frère Alec,  accompagné des anciens membres de The Faith, le groupe ne sortira qu’un album éponyme mais fondateur. Rien de pourtant définitif dans leur musique, mais la voix de Mc Kaye, ses intonations, et les sujets qu’il aborde (le deuil, le doute, le rejet de la violence) emportent les suffrages.

Rites of Spring  (4) ne bénéficiait pas quant à lui de l’aura du « pape du hardcore » Mc Kaye. Composé d’inconnus, le groupe va cependant frapper les esprits. Plus que la sortie d’un unique album (lui aussi éponyme), ce sont les prestations scéniques qui retiennent l’attention. Instruments fracassés, fleurs jetés dans le public, chanteur (un dénommé Guy Picciotto) à la sensibilité extrême, au chant torturé et chargé comme une pile sur scène : l’esprit du hardcore, celui qui vous remue les tripes, renait.

Si le public est au départ décontenancé, de plus en plus de groupes vont s’approprier cette approche « emo ». C’est le cas du groupe Hated, également à Annapolis, et surtout de Moss Icon qui accentue le rôle des guitares. Moss Icon lève également le pied au niveau rythmique mais, ce qui pourrait rebuter a priori l’amateur de hardcore, renforce d’autant plus les passages agressifs. La formule développée par Moss Icon va finalement lui permettre d’aligner les concerts. Au point de devenir pour les puristes le véritable iniateur du mouvement emo.

Cependant, cette révolution sonique va connaitre son apogée avec Fugazi. Ce groupe fut d’abord une claque similaire à celle assenée par les Beastie Boys à votre humble rédacteur, mais surtout il pourrait résumer à lui seul l’identité de la scène de DC. Element le plus visible de cette assertion, la présence de l’inévitable Mc Kaye. Un label AOC qui rassure certes l’auditeur mais il faut surtout y voir la fin d’une quête pour lui (même si le bonhomme reprendra la route plus tard avec The Evens).

The Word – demo version (1987) ou comment calmer son monde avec un premier morceau

Toujours accompagné du batteur Brendan Canty, il trouve enfin l’alchimie avec le bassiste Joe Lally et un deuxième chanteur-guitariste, le susmentionné Guy Picciotto. Le coté sentencieux de Mc Kaye décrié par certains trouve dans Fugazi un magnifique contrepoint avec Picciotto, vipérin, torturé. Un peu comme si Chuck D de Public Enemy avait trouvé enfin son Flavor Flav (5).

Fugazi – Long Division (extrait du documentaire Instrument de Jem Cohen, où vous pourrez voir le superbe enchainement sur le morceau Runaway Return)

Autre changement radical, Fugazi n’est plus la énième formation de Mc Kaye, son nouveau bébé. Le groupe se veut le plus démocratique, le plus libre possible. A commencer par les compositions. Comme l’explique Picciotto dans une interview de Mark Prindle, les premiers morceaux furent composés par Mc Kaye mais « après, de plus en plus de membres se sont impliqués dans l’écriture. J’ai d’abord commencé puis ce fut le tour de Joe et maintenant nous écrivons tous« . Et que l’on n’oublie pas Brendan Canty qui n’hésite pas à quitter ses futs pour s’attacher aux partitions de guitare et de basse.

Un processus qui se manifeste également sur scène (6) comme le détaille Picciotto dans une interview de Chris Nelson.  » Nous n’utilisons pas de set list. Nous nous accordons sur la première chanson et à partir d’elle nous la produisont. Il y existe un schéma de base, dans le sens où nous alternons les voix. Celui dont c’est le tour de choisir la nouvelle chanson incorpore au morceau un indice qui va permettre la transition. Tu essaies alors de regarder les autres et d’attraper leur regard. A tout moment, chaque membre peut démarrer une chanson de notre répertoire. Il est très important que chacun soit au point sur chaque album et chaque morceau. Cela devient un jeu : vous essayez d’en choisir une que vous n’avez pas jouée depuis 4 ou 5 concerts, juste pour voir si tout le monde la connait sur le bout des doigts. » Une règle qui entraine une maitrise de leur instrument incomparable, pour notre plus grand bonheur… et qui oblige le fan transi à dénicher sans cesse de nouveaux enregistrement live.

Mais pour le public de l’époque, ceci renforce également le lien avec le groupe. Il devient le témoin d’une représentation unique qui ne doit pas être gachée par quelques types sans cervelle (écouter à ce propos les morceau Rend it et Bad mouth sur le live au Crystal Ballroom, où le groupe n’hésite pas à s’arrêter de jouer pour calmer certains d’entre eux). A ce titre, Mc Kaye répugne à jouer sans voir le public : « Je veux jouer pour des gens. Je veux essayer d’interagir avec eux, et pas seulement en leur criant dessus. Je veux qu’ils sachent que je suis dans la salle avec eux. Et je souhaite qu’ils soient dans la salle avec moi« . Etre une personne, un individu. Et pas un type dans le noir qui se prend un mauvais coup de ranger dans la tête.

Que l’on se rassure, il est malgré tout encore possible d’apprécier Fugazi sans avoir à emprunter une De Lorean (ou arpenter le site Archive.org). C’est l’avantage de l’album et, cela tombe bien, le groupe en est conscient. Finis donc les enregistrements à l’arrache des débuts du hardcore et place à un vrai travail de studio dont Red Medicine est le symbole. Un album, selon une interview de Chris Summerlin sur Diskant, pensé comme « un effort pour arrêter de traiter le studio comme un rendez-vous chez le docteur : désagréable mais nécessaire. Cette fois nous avons décidé de le produire nous même et d’étendre un peu notre palette en incorporant des exercices sur bande ou des démos 8 pistes, comme autant de strates. Nous avons également enregistré chaque chanson séparement de façon à ce qu’elles sonnent chacune d’une manière particulière. » Un travail expérimental qui aboutira à des perles comme End Hits ou The Argument.

Enfin, ce qui donne à Fugazi toute son aura, près de 10 ans après leurs adieux, est l’intégrité qui a conditionné toute leur carrière. Autoproduits, gérant eux-mêmes l’organisation des concerts (du booking aux lumières), jouant dans toutes les salles (de la salle de YMCA à la maison d’un particulier) et toutes les villes, même la plus petite, à des tarifs abordables (jamais plus de 5$), apportant leur soutien via des concerts à des associations (Emmaus Services for the aged, Latin American Youth center), Fugazi démontre qu’il est possible de combiner succès (plus d’un million d’albums vendus à leur actif) et fidélité à l’esprit underground (7).

La flemme, le manque de connaissances et de groupes marquants (ainsi que la peur de dépasser les 20 000 signes) m’empêchent de pousser plus en avant notre aperçu de la scène de DC dans les années 90-2000.  Mais vous pouvez toujours dénicher les nouveaux talents sur le site de Dischord ou jeter un oeil sur le genre qui lui succédera : le screamo. Cependant, en guise de compensation, et en gage de respect envers les groupes dont je n’ai pas pu parler, voici une playlist qui vous changera de la oï ou du crust :

Texte : Gwendal

Liens

Si vous voulez en savoir plus sur le emocore, je vous conseille de vous rendre sur cette page du site du groupe Mesa Verde ou sur la page d’Andy Radin qui offrent de très bons résumés. Sinon, comme, comme pour la première partie de cet article, faites un tour sur le site de Dischord Records.

Bibliographie

Pas de livres à ma connaissance en français, il faudra donc se tourner vers Dance of Days de Mark Anderson et Mark Jenkins (quelques pages sont visibles sur Googlebooks), American Hardcore de Steven Blush (interview de l’auteur ici) et Our Band Could Be Your Life de Michael Azerrad (une chronique en français du bouquin est lisible sur le blog Wonderflu).

Zappa en gros

Commençons par la référence anglophone avec Kill Ugly Radio . Articles, galerie Flickr, discographie, liste des bootlegs, vous avez de quoi faire. Je vous conseille d’ailleurs de jeter un coup d’oreille sur la section mix qui propose des dizaines de morceaux et, pour les plus passionnés, faites un tour sur le wiki du site : Zappa Wiki Jawaka. Une vraie mine d’or.

Parmi les sites généralistes sur Zappa, vous pouvez bien sûr vous rendre sur le site officiel ou sur Planet Zappa. Un blog également à mentionner : Frank Zappa’s Revenge, avec son lot de chroniques.

Que les anglophobes se rassurent, de très bon sites en français existent. Coup de coeur personnel, la page de Djouls sur Zappa est très bien faite et vous permettra de choisir au mieux vos premiers albums. Mais faites également un tour sur le site Frank Zappa in France ou celui de Fred Unzel qui offrent de nombreux articles, interviews, photos et vidéos.

Pour les fanas
Les plus fondus du moustachu peuvent se rendre sur la page de United Mutations qui, malgré son aspect rigide, s’avère très riche. Tout comme cette page, aussi laide que complète pour celui qui recherche des informations sur sa discographie, les musiciens de Zappa ou les paroles de ses chansons.
Si vous souhaitez vous pencher sur son univers décalé, rendez vous sur Zappa Analysis qui propose des  explications détaillées sur les paroles et les nombreuses références qui s’entrecroisent dans les albums.
Autre angle d’attaque, plutot original : la philosophie, et en particulier celle de Gilles Deleuze. Trois articles sont lisibles sur Z comme Zappa. Etonnant, et un peu ardu, mais passionnant.

Rencontrer des adorateurs
Pour partager votre amour de Zappa, le site officiel propose un forum mais Zappateers offre plus de sections de discussions, notamment sur les ressources audio et vidéo.

Lire
L’autobiographie Zappa par Zappa est disponible en français et elle reste le moyen le plus abordable pour apprécier le talent et l’humour du bonhomme. Mais vous pouvez également vous tourner vers les ouvrages de deux spécialistes français, Guy Darol (et son très bon site) et Christophe Delbrouk : Frank Zappa de Z à A et Frank Zappa et l’Amérique parfaite (1).
A conseiller sinon sur la Toile, un article de Jean-Sébastien Marsan sur Radio Canada et le blog Zappa, les mots bruyants qui, bien qu’inactif depuis 2008, propose de nombreux extraits et citations. Pour les anglophones, je vous conseille également d’écouter quelques interviews audio sur Kill Ugly Radio.

Ecouter
Si l’on excepte Youtube et autres Lastfm, il y a bizaremment peu de choses à se mettre sous la dent. Quelques morceaux grâce au blog Bandana Blues ou sur Planet Jupiter, spécialisé dans le psychédélique, mais c’est peu. Reste heureusement un podcast, déniché sur le site du magasin Reserve, spécialisé dans la musique et la culture populaire, et consacré aux premiers travaux de Zappa, de 59 à 69. Une perle à écouter ici. Pour le reste, il faudra se rendre chez votre disquaire le plus proche.

The High Back Chairs – Summer

Texte : Gwendal

Illustration : fresque chronologique de Ward Shelley (à voir en grand ici)

Non content de jouer et de composer de la musique, Zappa souhaitait depuis plusieurs années approcher la caméra. En 1962, il avait déja pu le faire d’une manière indirecte en composant la bande originale de The World’s Greatest Sinner (1) de Timothy Carey. Mais c’est en 1967, avec le tournage d’Uncle Meat, que l’idée de marier musique et image s’affirme. Manque de chance, et surtout manque d’argent, seul un double-album sera commercialisé en 1969 (2).

Deuxième chance en 1971 avec le projet 200 Motels, dont la ligne directrice pourrait être « Touring can make you crazy » (les tournées peuvent vous rendre dingue). Soit les aventures des Mothers (3), venus jouer à Centerville, petite bourgade où l’on voit d’un mauvais oeil l’arrivée de ces énergumènes. Ces derniers devront de plus lutter contre les tentations (pacte faustien proposé par l’acteur Theodore Bikel, désirs de carrière solo, course aux groupies, etc.)

Keith Moon déguisé en nonne et en plein bad trip. Heureusement que les (ravissantes) groupies sont là pour le soutenir dans cette dure épreuve.

« C’était vraiment pas l’année pour arrêter de sniffer de la colle »

Voila pour le canevas général, déja bien halluciné. Mais le tournage ne va faire qu’amplifier cette étrangeté, ce caractère bancal. Avec un petit budget financé par la United Artists et la MGM, le film est mis en boite en une semaine en Angleterre. Les idées fourmillent dans la tête de Zappa, qui n’hésite pas à engager dans son aventure le Royal Philarmonic Orchestra, la mezzo soprano Janet Ferguson (4) et le Classical Guitar Ensemble de John Williams. Mais il se heurte rapidement aux réalités du cinéma. En particulier le script.

Reconnu pour ses collaborations avec les Beatles ou Hendrix, le co-réalisateur Tony Palmer arrive sur le projet sans fil directeur. Rien de tel pour gaspiller le temps. Comme il le raconte, la moitié des scènes prévues à l’origine ne peuvent ainsi être tournées en temps et en heure, nuisant à la continuité du film. Ceci a pour conséquence le départ de Tony Palmer, auquel se joindront d’autres acteurs et même le musicien Jeff Simmons (5).

Pour couronner le tout, le film sera un bide à sa sortie. La même année, Zappa sera grièvement blessé lors d’un concert, poussé hors de la scène par un spectateur, et le matériel des Mothers partira en fumée lors d’un concert à Montreux (inspirant Smoke on the Water de Deep Purple). Bref, « c’était vraiment pas l’année pour arreter de sniffer de la colle« .

A quoi peut donc ressembler le bébé 200 Motels après un accouchement si douloureux ? Plus à une expérience sensorielle qu’à un véritable film, c’est certain. Montage épileptique, travail sur les bruitages conférant une ambiance cartoon, surimpressions (mains glissant sur les touches de piano et partitions mélées), fumées sortant de liquides étranges, le tout réhaussé par les couleurs de la vidéo (6) : Zappa n’a jamais été le porte étendard des drogues mais avec ce film, on a vraiment des doutes.

Cet happening déglingué et psychédélique emporte finalement le spectateur par son coté doux-dingue. Que ce soient Ringo Starr, déguisé en Zappa ou en nain (?!), Keith Moon en nonne adepte des drogues dures (?! bis) ou le duo Flo et Eddie (7) en roue libre, la bonne humeur est communicative.

Zappa aux manettes, le film contient bien évidemment son lot de chansons. Mêlant expérimentations pop et parties orchestrales, elles ne sont pas forcement les plus intéressantes composées par Zappa. Mais des morceaux comme Magic Fingers, Tuna Fish Promenade, Penis Dimension ou le final Strictly Genteel sont loin d’être déshonorantes.

« Nothing really matters »
Cependant, ce que l’on retient après ce tourbillon de 91 mn, ce sont des séquences ou vous agitez les bras d’incompréhension face aux aventures des Mothers. Jim Motorhead Sherwood tombe amoureux d’un aspirateur géant au doux nom de Gypsy Mutant Vacuum Cleaner tandis que Jimmy Carl Black dégomme du hippie à coup de mitrailleuse dans un bar de rednecks. Et l’orchestre de se voir parqué dans un camp de rééducation, tandis que des hommes à tête de lézard se baladent dans ses rangs. Autant de moments « autre » qui rappellent furieusement le sketch Find a Fish dans Le sens de la vie des Monty Pythons. Une impression encore renforcée par Dental Hygiene Dilemna de Charles Swenson, séquence animée mêlant prises de vue réelles, à l’image des travaux de Gilliam.

Certes, cela ne tient pas la comparaison au point de vue comique (qui le pourrait face aux Pythons d’ailleurs ?) mais 200 Motels réussit son pari de nous faire voyager à l’intérieur du cerveau de Zappa. A l’image de sa présence dans le film (8), la rencontre avec son univers reste fugace, chaotique, brouillonne. Mais 200 Motels s’avère suffisamment délirant au final pour baisser un instant son niveau d’exigence cinématographique et l’apprécier pour ce qu’il est : un joyeux bordel qui vous ne laissera pas indifférent.

Texte : Gwendal

Liens

• Vous pouvez également lire deux chroniques de l’album 200 Motels, une d’Oncle Viande sur Forces parallèles et l’autre, par Sytizen, sur Xsilence.net
• Si vous souhaitez regarder quelques extraits vidéos, vous pouvez consulter cette page sur Metafilter
• A voir, un documentaire sur le making of de 200 Motels (en 3 parties) sur Youtube
• Vous pouvez enfin retrouver quelques photos d’exploitation du film sur Cinematic

Notes

1. Je n’ai pas encore eu le plaisir de le regarder, mais Scorcese le classe parmi les meilleurs films sur le rock n’roll. Ecoutez donc le maitre.
2. Une VHS sortira finalement en 1987. Avis aux dénicheurs de curiosités.
3. Le groupe qui fit connaitre Zappa avec le génial Freak out! Soit Jimmy Carl Black, Don Preston, Jim « Motorhead » Sherwood, Aynsley Dunbar, Ian Underwood, et les chanteurs Flo & Eddie.
4. Elle participera également aux albums Burnt Weeny Sandwich, Waka/Jawaka, and The Grand Wazoo.
5. Il sera remplacé au pied levé par Martin Lickert, chauffeur de Ringo Starr.
6. Le film fut l’un des premiers à être tourné au formart vidéo PAL puis converti en 35mm pour son exploitation au cinéma.
7. Mark Volman et Howard Kaylan chantaient auparavant dans le groupe de pop The Turtles. Cela ne vous dit rien mais ce morceau vous l’avez surement entendu.
8. Zappa hante le film et n’est jamais présent directement : on l’aperçoit jouer de la batterie ou de la guitare, conduire la musique tel un chef d’orchestre à la fin, mais le personnage « Frank Zappa » n’apparait que sous les traits de Ringo Star ou en poupée géante, démembrée par une horde de journalistes. Autre symbole de voyage à l’intérieur du cerveau de Zappa, des plans en insert de son oeil à la fin du film.

Comme nombre de dessinateurs dans les années 50, Fred (Fred Othon Aristidès de son vrai nom) court les journaux pour publier ses dessins. Ce qui favorise les rencontres avec ses semblables. Et en particulier Cavanna, pour qui il publie en 1954 ses dessins, dans le numéro 2 de la revue Zéro, père du fameux Hara-Kiri (1). Il devient en 1960, aux côtés des dessinateurs Gébé, Cabu, Topor, Wolinski ou Reiser, et du professeur Chroron, l’un des piliers du journal bête et méchant, signant d’ailleurs la couverture du premier numéro, puis devenant directeur artistique.

A la suite d’une deuxième interdiction en 1966, Fred doit chercher un autre journal. Et trouve refuge chez Pilote. Une institution du magazine jeunesse qui, avec Spirou, donnera ses lettres de noblesse à la BD franco-belge. Mais le plus de Pilote, c’est un homme : Goscinny. Rédacteur en chef du magazine, Goscinny est bien évidemment connu pour son travail sur Astérix, mais il va également mettre le pied à l’étrier à des dizaines de dessinateurs (dont Gotlib, Cabu, Mandryka, Brétecher, F’mur… excusez du peu).

Tout le talent de Goscinny est de leur laisser une liberté de création. Et du temps, si le succès n’est pas au rendez-vous immédiatement. C’est le cas de Fred, dont la première histoire publiée, Le mystère de la clairière des trois hiboux (que l’on trouve dans l’album Philémon avant la lettre), est peu appréciée par les jeunes lecteurs. Que cela soit le trait, trop rude, ou l’histoire, trop étrange. Il se contente alors de signer des scénarios pour d’autres (dont Alexis). Un intermède qui lui donne le temps de revenir vers Goscinny avec une idée de génie, qu’il développera sur 15 tomes : Philémon.

Plus que le personnage découvert dans la première aventure, un jeune homme accompagné de son âne penseur et amateur de chardons (quand il ne les confond pas avec des hérissons), la révélation pour Fred est de faire voyager son personnages sur les lettres de l’Océan Atlantique (mais oui, celles que l’on voit flotter sur les cartes géographiques !).

Bateau-théâtre à la merci des torpilles des criticakouatiques, phare-hibou, baleine-galère, règle-à-calculs-pour-faire-rire-les-polytechniciens-à-roulettes, etc : Fred joue à merveille avec les mots et l’absurde. Et nous, lecteurs, de tenter, comme Philémon, d’appréhender cet univers parallèle. Un monde d’une poésie indéniable, mais dont les habitants obéissent à des règles on ne peut plus sérieuses, quand elles ne sont pas arbitraires.

La puissance de l’imaginaire de Fred est telle qu’elle contamine son support. Le jeu avec la case de BD est une constante dans les albums de Philémon. Elles se répondent, se combinent pour créer de nouvelles images, servent de passage secret pour le héros, composent des labyrinthes aux perspectives et angles impossibles. L’influence d’Escher n’est jamais loin.

Tout comme l’imagerie d’Epinal. Car non content d’avoir une sacré coup de pinceau, Fred incorpore dans ses dessins ces estampes au charme surrané. Et ce contraste entre l’image originale, empreinte de gravité, et son détournement (phylactères, interactions avec l’univers et les personnages) de renforcer notre sentiment d’étrangeté. (2)

L’aventure Philémon se termine en 1987(3), mais la porte vers le monde de lettres ne se referme pas. Elle change seulement de forme. Histoires courtes ou dessins d’humour (Hum ou Le fond de l’air est frais), histoires complètes (L’histoire du corbac aux baskets ou L’histoire du compteur électrique), chansons (4) ou scénarios, l’imaginaire de Fred est assez vaste pour ne pas se contenter d’un personnage.

Et c’est bien ceci qui rend dangereux ce moustachu pince-sans-rire, que je croisais enfant dans les pages de Gotlib. L’air de rien, Fred vous embarque dans son monde, tel Sally dans la montgolfière du baron de Münchhausen chez Terry Gilliam (5). Plus moyen de faire machine arrière, l’aventure doit continuer. Et elle continuera tant qu’elle aura assez de ce carburant si précieux : votre imaginaire. Soyez donc prévenus quand vous poserez la main sur un album de Fred, une vingtaine d’autres pourraient suivre.

Texte : Gwendal
Dessins : Gotlib et Fred

(1) Vous pouvez lire à ce sujet l’article de Stéphane Mazurier sur le site caricaturesetcaricature.com

(2) Une technique exploitée à merveille dans La dernière cigarette de Victor Baltimore (dans l’album Ca va ça vient). Fred publiera également La Magique lanterne magique, en puisant dans l’iconographie des éditions Pellerin, qui publient ces images d’Epinal.

(3) Un nouvel album a été annoncé en 2007, mais il semble depuis en suspens

(4) Il écrit notamment pour Jacques Dutronc la chanson Le fond de l’air est frais ainsi que deux livres disques pour enfants : La voiture du clair de Lune et Le Sceptre, dont on peut voir la « génèse » dans Les Inédits de Gotlib.

(5) Fred redigera un scenario de BD pour Gilliam, Les Ramoneurs, publié par Goscinny dans Pilote. Un rendez-vous raté, après le succès de Gilliam au cinéma, empêchera cependant d’autres projets en commun.

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