Et, comme Stévène, j’ai une de ces pêches, du genre à fredonner du Michel Legrand :

« Quand je s’rai célèbre j’me f’rai des meuuufs hmmmmm, je f’rai des fooliiies ! »

Mais foin de plaisanterie de bon aloi, et place au round 5 de cette battle de l’été dont le thème n’est autre que la classe (américaine).

J’avoue avoir haussé un sourcil à l’écoute du morceau de Moyenman. Est-ce donc cela la classe West Coast ? Ménélik est-il donc le godfather de la classe californienne ?

Soyons sérieux.

La voici la vraie classe (américaine) :

C’est subtil, c’est envoutant, ca fait pousser des ailes. Et, à 1,28 mn, tel  Mohamed Ali se jouant de Sonny Liston,  je décoche une rafale sonique au foie de Moyenman qui s’écroule,  terrassé. Tandis que votre serviteur fait quelques saltos dignes de HR pour fêter ca.

Et je remercie au passage le professeur Manatane pour son entrainement physique top niveau qui m’a permis de faire hurler mon corps dans ce round 5.

Quant à vous chers lecteurs, votez pour moi (en commentaires ou sur Facebook, si tant est que nous nous connaissions).

Votez pour l’évidence !

En vous remerciant

Texte, dessin : Gwendal

Soyons un peu chauvin et commençons par un groupe français (nantais pour exact) : Right 4 Life. Formé en 1995, le groupe se place dans la lignée du hardcore new-yorkais (Madball, Cro Mags, Sick of it All) qui mêle rapidité du punk hardcore et lourdeur du métal. Tout le talent de Right 4 Life est d’enquiller des compositions très abouties sans perdre en puissance. Le groupe se démarque aussi grâce à son chanteur, Olivier. Rappelant par ses intonations Roger Miret d’Agnostic Front, son timbre de voix écorché apporte un je-ne-sais-quoi de subtilité qui fait lorgner le groupe vers l’emotional hardcore. Malheureusement dissous en 2007, vous pouvez cependant vous rattraper en courant acheter leurs albums, en particulier l’indispensable Off The Beaten Track (2004).

Edit : Vous devriez pouvoir vous le procurer sur le label Age of Venus, pour la modique somme de 13 euros. A lire également, une interview sur Metalorgie d’Erwan, ancien guitariste du groupe.

Alors bien sûr, certains d’entre vous ont encore un peu de mal avec la lourdeur si particulière du hardcore new-yorkais. Mais rassurez-vous, on peut faire plus léger sans perdre en qualité. Pour preuve le groupe américain Ignite. Originaire d’Orange County en Californie comme Suicidal Tendancies, Ignite s’inscrit dans la veine du hardcore mélodique, popularisée par NO FX, Bad Religion ou Pennywise. Prisée par les skateurs et autres surfeurs, la musique garde la rapidité du punk mais s’inspire également de la pop pour livrer des compositions accrocheuses. Ignite remplit toutes ces conditions mais le petit plus est sans conteste la voix de Zoltan Teglas. Pas de grunts, growls et autre cris mais un chant clair qui capte automatiquement l’attention.

Encore trop violent ? Vous êtes difficiles, mais soit, j’ai la solution : The Evens. Formé par le légendaire Ian Mc Kaye (Fugazi, Minor Threat, co-fondateur de Dischord Records) à la guitare et sa compagne Amy Farina à la batterie, le groupe est la démonstration parfaite que l’on peut rester punk sans en jouer forcement. Sur une base qui rappellera à certains White Stripes, The Evens est vraiment un groupe à part, fonctionnant avant tout sur la complicité. Complicité entre les deux membres du groupe bien entendu, mais également avec le public, les concerts se déroulant pour la plupart face à un public réduit. Les plus cyniques n’y verront qu’un mélange entre du « punk de chambre » et une messe mais en regardant cette vidéo de You Wont A Feel A Thing, on a vraiment l’impression de partager un moment inestimable.

Edit :

Ajoutons également une petite fierté brestoise dans cet article avec Boda, dont j’ai retrouvé, grâce à des amateurs hispanophones, une vidéo sur Youtube :

Dissous en 2001, il aura été l’un des groupes qui m’a initié au « emocore » et avec une telle qualité de musique, on a qu’une envie : continuer de creuser :)

Dessin – texte : Gwendal

Après l’explosion de début 80, la scène hardcore marque le pas. Minor Threat et Bad Brains, deux des groupes phare, s’arrêtent (respectivement 1983 et 1984) mais, plus pernicieux, la violence jusqu’ici canalisée par la musique déborde. Les codes (vestimentaires, musicaux) et les termes de respect, d’honneur ou de puissance liés au concept de scène ont tendance à cloisonner les esprits. Symbole de ce changement, la présence de plus en plus grande aux concerts de skinheads nationalistes et/ou racistes ².

Note : attention, Youth of Today n’est pas du tout un groupe facho, mais cette vidéo vous donne un aperçu de l’engagement physique des teenagers de l’époque (et des débordements possibles).

Les réactions à cette situation seront multiples pour le hardcore : passage vers le mainstream (comme 7 Seconds), fusion avec le metal (à Boston et New York notamment), radicalisation politique ou « morale » (grindcore, crust, straightedge),…  Mais DC va prendre son public à rebrousse-poil avec le emocore.

Pas de changement fondamental dans l’esprit, avec toujours cette culture DIY et ce besoin d’indépendance, mais un questionnement sur l’énergie qui caractérise le hardcore. Jouer le plus vite et le plus fort, la formule avait créé de vraies pépites au début des années 80. Mais également des frustrations. Le genre devenait de plus en plus codifié (et donc limité) et la rage et la colère qui s’en dégageaient ne pouvaient résumer à elles seules tout le spectre des émotions, ses nuances, qui habitaient les musiciens.

Ce virage va s’opérer dès 1984 à Annapolis (près de Washington DC) avec le groupe Husker Du mais c’est à DC que le emocore va décoller. Gray Matter, Soulside, Dag Nasty (déja présent au commencement), Shudder to Think… autant de groupes à l’origine du Revolution Summer. Le rythme se pose, les guitares gagnent en importance, le chant devient plus fragile (mais toujours contrebalancé par des accès de violence). Le changement est radical pour le public habitué au mosh, et l’incompréhension n’est jamais loin (ne vire t-on pas vers la pop honnie ?). Mais ces expérimentations permettent de déployer un univers gigantesque.

Deux groupes vont d’ailleurs en être les meilleurs représentants : Embrace ³ et Rites of Spring. Le premier d’entre eux n’est autre que la nouvelle formation de Ian McKaye. Avec son frère Alec,  accompagné des anciens membres de The Faith, le groupe ne sortira qu’un album éponyme mais fondateur. Rien de pourtant définitif dans leur musique, mais la voix de McKaye, ses intonations, et les sujets qu’il aborde (le deuil, le doute, le rejet de la violence) emportent les suffrages.

Rites of Spring ⁴ ne bénéficiait pas quant à lui de l’aura du « pape du hardcore » McKaye. Composé d’inconnus, le groupe va cependant frapper les esprits. Plus que la sortie d’un unique album (lui aussi éponyme), ce sont les prestations scéniques qui retiennent l’attention. Instruments fracassés, fleurs jetés dans le public, chanteur (un dénommé Guy Picciotto) à la sensibilité extrême, au chant torturé et chargé comme une pile sur scène : l’esprit du hardcore, celui qui vous remue les tripes, renait.

Si le public est au départ décontenancé, de plus en plus de groupes vont s’approprier cette approche « emo ». C’est le cas du groupe Hated, également à Annapolis, et surtout de Moss Icon qui accentue le rôle des guitares. Moss Icon lève également le pied au niveau rythmique mais, ce qui pourrait rebuter a priori l’amateur de hardcore, renforce d’autant plus les passages agressifs. La formule développée par Moss Icon va finalement lui permettre d’aligner les concerts. Au point de devenir pour les puristes le véritable iniateur du mouvement emo.

Cependant, cette révolution sonique va connaitre son apogée avec Fugazi. Ce groupe fut d’abord une claque similaire à celle assenée par les Beastie Boys à votre humble rédacteur, mais surtout il pourrait résumer à lui seul l’identité de la scène de DC. Element le plus visible de cette assertion, la présence de l’inévitable McKaye. Un label AOC qui rassure certes l’auditeur mais il faut surtout y voir la fin d’une quête pour lui (même si le bonhomme reprendra la route plus tard avec The Evens).

The Word – demo version (1987) ou comment calmer son monde avec un premier morceau

Toujours accompagné du batteur Brendan Canty, il trouve enfin l’alchimie avec le bassiste Joe Lally et un deuxième chanteur-guitariste, le susmentionné Guy Picciotto. Le coté sentencieux de McKaye décrié par certains trouve dans Fugazi un magnifique contrepoint avec Picciotto, vipérin, torturé. Un peu comme si Chuck D de Public Enemy avait trouvé enfin son Flavor Flav ⁵.

Fugazi – Long Division (extrait du documentaire Instrument de Jem Cohen, où vous pourrez voir le superbe enchainement sur le morceau Runaway Return)

Autre changement radical, Fugazi n’est plus la énième formation de McKaye, son nouveau bébé. Le groupe se veut le plus démocratique, le plus libre possible. A commencer par les compositions. Comme l’explique Picciotto dans une interview de Mark Prindle, les premiers morceaux furent composés par McKaye mais « après, de plus en plus de membres se sont impliqués dans l’écriture. J’ai d’abord commencé puis ce fut le tour de Joe et maintenant nous écrivons tous« . Et que l’on n’oublie pas Brendan Canty qui n’hésite pas à quitter ses futs pour s’attacher aux partitions de guitare et de basse.

Un processus qui se manifeste également sur scène ⁶ comme le détaille Picciotto dans une interview de Chris Nelson.  » Nous n’utilisons pas de set list. Nous nous accordons sur la première chanson et à partir d’elle nous la produisont. Il y existe un schéma de base, dans le sens où nous alternons les voix. Celui dont c’est le tour de choisir la nouvelle chanson incorpore au morceau un indice qui va permettre la transition. Tu essaies alors de regarder les autres et d’attraper leur regard. A tout moment, chaque membre peut démarrer une chanson de notre répertoire. Il est très important que chacun soit au point sur chaque album et chaque morceau. Cela devient un jeu : vous essayez d’en choisir une que vous n’avez pas jouée depuis 4 ou 5 concerts, juste pour voir si tout le monde la connait sur le bout des doigts. » Une règle qui entraine une maitrise de leur instrument incomparable, pour notre plus grand bonheur… et qui oblige le fan transi à dénicher sans cesse de nouveaux enregistrement live.

Mais pour le public de l’époque, ceci renforce également le lien avec le groupe. Il devient le témoin d’une représentation unique qui ne doit pas être gachée par quelques types sans cervelle (écouter à ce propos les morceau Rend it et Bad mouth sur le live au Crystal Ballroom, où le groupe n’hésite pas à s’arrêter de jouer pour calmer certains d’entre eux). A ce titre, McKaye répugne à jouer sans voir le public : « Je veux jouer pour des gens. Je veux essayer d’interagir avec eux, et pas seulement en leur criant dessus. Je veux qu’ils sachent que je suis dans la salle avec eux. Et je souhaite qu’ils soient dans la salle avec moi« . Etre une personne, un individu. Et pas un type dans le noir qui se prend un mauvais coup de ranger dans la tête.

Que l’on se rassure, il est malgré tout encore possible d’apprécier Fugazi sans avoir à emprunter une De Lorean (ou arpenter le site Archive.org). C’est l’avantage de l’album et, cela tombe bien, le groupe en est conscient. Finis donc les enregistrements à l’arrache des débuts du hardcore et place à un vrai travail de studio dont Red Medicine est le symbole. Un album, selon une interview de Chris Summerlin sur Diskant, pensé comme « un effort pour arrêter de traiter le studio comme un rendez-vous chez le docteur : désagréable mais nécessaire. Cette fois nous avons décidé de le produire nous même et d’étendre un peu notre palette en incorporant des exercices sur bande ou des démos 8 pistes, comme autant de strates. Nous avons également enregistré chaque chanson séparement de façon à ce qu’elles sonnent chacune d’une manière particulière. » Un travail expérimental qui aboutira à des perles comme End Hits ou The Argument.

Enfin, ce qui donne à Fugazi toute son aura, près de 10 ans après leurs adieux, est l’intégrité qui a conditionné toute leur carrière. Autoproduits, gérant eux-mêmes l’organisation des concerts (du booking aux lumières), jouant dans toutes les salles (de la salle de YMCA à la maison d’un particulier) et toutes les villes, même la plus petite, à des tarifs abordables (jamais plus de 5$), apportant leur soutien via des concerts à des associations (Emmaus Services for the aged, Latin American Youth center), Fugazi démontre qu’il est possible de combiner succès (plus d’un million d’albums vendus à leur actif) et fidélité à l’esprit underground ⁷.

La flemme, le manque de connaissances et de groupes marquants (ainsi que la peur de dépasser les 20 000 signes) m’empêchent de pousser plus en avant notre aperçu de la scène de DC dans les années 90-2000. Mais vous pouvez toujours dénicher les nouveaux talents sur le site de Dischord ou jeter un oeil sur le genre qui lui succédera : le screamo. Cependant, en guise de compensation, et en gage de respect envers les groupes dont je n’ai pas pu parler, voici une playlist qui vous changera de la oï ou du crust :

Texte : Gwendal

Liens

Si vous voulez en savoir plus sur le emocore, je vous conseille de vous rendre sur cette page du site du groupe Mesa Verde ou sur la page d’Andy Radin qui offrent de très bons résumés. Sinon, comme pour la première partie de cet article, faites un tour sur le site de Dischord Records.

Bibliographie

Pas de livres à ma connaissance en français, il faudra donc se tourner vers Dance of Days de Mark Anderson et Mark Jenkins (quelques pages sont visibles sur Googlebooks), American Hardcore de Steven Blush (interview de l’auteur ici) et Our Band Could Be Your Life de Michael Azerrad (une chronique en français du bouquin est lisible sur le blog Wonderflu). Edit : un très bon documentaire à voir également, American Hardcore, the History of American Punk-rock par Paul Rachman et Steven Blush.