Aujourd’hui, mes chers et fidèles lecteurs, j’ai un défi de taille à relever : vous persuader que cet homme n’est pas une montagne de barbaque mononeuronale et dopée à la testostérone et aux stéroïdes. Légende du punk-hardcore, écrivain, acteur, maestro du spoken word, voyageur sans repos, l’ami Henry Rollins, alias, alias Riton l’énervé est au contraire une incarnation de l’ouverture d’esprit. Un type qui brise les barrières, histoire de nous faire voir un peu plus loin que notre petit monde. Sauf qu’il le fait à coups de boule facon Gégé Depardieu.

Né en 1961, à Washington DC, Henry Lawrence Garfield de son vrai nom est un adolescent quand l’explosion du punk touche les Etats-Unis. L’énergie brute dégagée par cette musique sera un choc pour lui, tout comme son ami de toujours, Ian MacKaye ¹. La suite, ce n’est rien de moins que la naissance du punk-hardcore, petit frère du punk, en encore plus énervé. Mais si voulez tout savoir, c’est par ici.

Membre du groupe éphémère State of Alert en 1980, c’est l’année suivante qu’il rentre dans l’histoire en rejoignant Black Flag, pionnier du punk-hardcore, avec DOA ou Minor Threat. Fan dès le début, il entretient une correspondance avec leur bassiste, Chuck Dukowsky, et, lors d’un concert en décembre 81 à New York, le groupe le fait monter sur scène, histoire d’en chanter une petite avant qu’il ne parte au boulot. Sa prestation scotche les membres de Black Flag et, heureux hasard, leur chanteur veut se concentrer sur la guitare.

Le lendemain c’est le choc pour Henry Rollins : le groupe lui propose de devenir leur chanteur. Une offre qui le terrifie au départ mais, sous le bon conseil de Ian MacKaye, il décide de tout plaquer et de saisir l’occasion. Et c’est le début d’un trip à 100 à l’heure qui dure depuis 30 ans.

Départ de Washington DC pour Los Angeles, siège du label SST, le label créé autour de Black Flag. Puis tournées spartiates et intenses aux Etats-Unis et en Europe. En 86, c’est la fin du groupe mais Rollins poursuit sa route. Musicalement bien entendu, avec son groupe le Rollins Band et de nombreuses collaborations. Mais cela ne lui suffit pas.

Je vous invite à fouiller Youtube, plusieurs de ses spoken words sont visibles en intégralité

Ce besoin de s’exprimer, de parler, c’est par l’écriture, et plus encore la lecture en public, aka le spoken word en anglais, qu’il va pouvoir l’assouvir. Une heure, voire plus, à “bullshiter” sur tout et n’importe quoi. Raconter sa vie de “légende du punk” (surtout faite d’un manque chronique d’argent pour manger et d’agressions physique de fans), parler des personnages improbables qu’il a pû y croiser, décrire les pays qu’il a visités et les expériences qu’il y a faites, s’excuser d’avoir Bush comme président, etc, etc. Henry Rollins ne laisse pas son public respirer mais l’énergie dégagée et son enthousiasme vous font rester en alerte tout du long. Dans l’attente de sa prochaine aventure improbable.

D’où vient donc une telle énergie qui, si l’on mettait Henry Rollins dans une cage à hamster, pourrait remplacer le parc nucléaire français ? Nous pourrions remonter à son enfance, lorsqu’il était sous Ritaline, histoire de soigner son hyperactivité, et y voir le ver dans le fruit, la source du disfonctionnement.

Mais c’est surtout sa rencontre avec un conseiller d’éducation et vétéran du Vietnam, Mr Pepperman, qui va le forger. Au sens propre et figuré. Taillé dans un cure-dent, victime de brimades venant des élèves noirs ² ou des jocks ³, Rollins se soumet à un entrainement physique sous les conseils du vétéran.

Devenu physiquement l’égal des bourrins de son école, il peut désormais afficher au dessus de lui, en éclairage néon “Don’t fuck with me” ⁴. Avec son armure de muscles, le gringalet qui manquait de confiance en lui est paré pour aller botter le cul du monde (« I want to be a pain in life’s ass »).

Mais au delà de cette quête mystique si sublimement décrite par ce culturiste philosophe, c’est une éthique de vie qu’apprend le petit Henry. Un esprit et un corps concentrés sur un objectif peuvent tout changer. Sans effort, pas de récompense. Du do it yourself à la force du biceps et du cortex. Une vision très américaine du self-made man qui, d’ailleurs, peut se rapprocher du parcours d’un émigré autrichien qui fait cracher sa vapeur à une sale pourriture.

Si nous nous résumons, donc avons donc un type qui fait de la musique de bourrin, à une allure de bourrin et une discipline de bourrin. Vous devriez donc en conclure qu’Henry Rollins est un bourrin, voire pire, un Wattie.

Et vous auriez tout faux.

Peu de gens peuvent se vanter d’avoir plongé aussi profondément, et surtout survécu, dans l’aventure punk comme Henry Rollins. Black Flag a été sa vie pendant près de cinq ans, ce qu’il raconte magnifiquement dans son livre audio Get on the Van. Installé au panthéon du punk, il ne mâche pourtant pas ses mots à propos de cette tribu. Entre les types déchirés aux substances diverses et variées, ceux qui s’amusent à l’agresser physiquement sur scène et la connerie xénophobe de certains, Rollins ne voudra jamais se résumer à cette étiquette.

Et c’est cette volonté de sortir des cases, de casser les cloisons qui nous bouchent la vue – à lui comme à nous – qui ressort le plus du personnage au final. Vous pensez qu’il n’écoute que de la musique de bourrin ? James Brown ou Nick Cave, autre ami de longue date, sont parmi ses artistes favoris. Qu’il n’a jamais lu un bouquin de sa vie ? Il a dévoré les oeuvres de Miller, Céline, Ginsberg, Camus, Lautréamont ou Hemingway. Un gros macho ? Il est un militant de longue date des droits des homosexuels. Un américain fier de son pays ? Il l’est, mais pas de la politique de son pays et il a fait plus de voyages (et pas du tourisme) dans le monde que 90% d’entre nous.

Un parfait exemple de la technique discordienne dites du mindfuck

Toute l’incompréhension liée à l’agressivité d’Henry Rollins tient dans le décalage entre l’énergie qu’il déploie à être lui-même, brut de décoffrage, face à un monde où l’on est tenu de baisser la tête. De ne pas faire de vagues. De rentrer dans le moule.  Qu’il soit chanteur hurlant à en crever sur scène, lecteur chopant à la gorge son auditoire, voyageur infatigable qui s’en va causer au premier passant venu, Rollins est en perpétuelle recherche de l’autre. Même s’il sait qu’il sera toujours seul. Son côté bélier dans la facon dont il casse la barrière entre lui et son interlocuteur peut être vue comme une agression. Mais cette volonté d’ébranler l’autre et une manière de le forcer à réagir. Et donc à interagir. Pour s’enrichir.

A ce titre, nous pouvons donc en conclure que Riton l’énervé est un chic type qui gagne à être connu. Et que sous la lourde armure du bourrin, se cache en fait un magnifique spécimen de trickster. Bref, vous l’aurez compris par vous-même, Henry Rollins est le carcajou du punk-hardcore. Aussi, si vous le rencontrez, au lieu d’éteindre votre cigarette sur son mollet, proposez lui plutot un café. Il vous en sera reconnaissant.

Pour en savoir plus

- Le site offciel d’Henry Rollins

- Un blog consacré à la (nombreuse) actu du gazier

- Un tumblr à la gloire de Riton

Dessin, texte : Gwen

En cadeau bonus, un extrait de spectacle consacré à son ami Joe Cole, roadie de Black Flag et du Rollins Band. Sorti de la fin de l’histoire et d’Over the Top (ca serait plutôt Commando), j’aurais bien aimé écrire un truc pareil sur mes potes.

Et parce que je suis généreux, une petite playlist des collaborations inattendues de Riton, pour achever de vous convaincre :

Ptit morceau avec Tool sur l’album Undertow

Reprise du MC5 par Riton et Bad Brains

Reprise de Black Flag avec Chuck D de Public Enemy

Morceau avec Les Claypool, ex bassiste de Primus

Fin des années 70, le punk est mort selon les médias, avec la fin tragique de Johnny Rotten. Bonjour les années 80, où le cynisme, jadis vanté par les Pistols, deviendra la doxa des yuppies. Lessivé par ses excès de fixes et de lignes, il va pourtant se faire botter l’arrière-train par une armée de teenagers en shorts. Black Flag à Los Angeles, Dead Kennedies à San Francisco ou Bad Brains à Washington DC, les pionniers de la vague punk-hardcore entrainent dans leur sillage une nuée de gamins de 16 à 18 ans qui, s’ils sont trop jeunes pour s’approprier l’esprit de révolte des Clash, ont retenu l’essentiel du message punk : s’emparer d’un instrument, foncer sur scène et balancer toute son énergie.

La capitale américaine va ainsi connaitre au début des années 80 une explosion du punk. Issus pour la plupart des classes moyennes ou supérieures blanches, ces teenagers créent des groupes à la longévité toute relative. Quelques mois, le temps d’une répétition et d’un concert dans la garage ou la cave d’un ami d’ami.

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Draw Blank – State of Alert (SOA)
(Pour les fans qui ne sont pas trop à cheval sur la qualité audio, vous pouvez voir un enregistrement live d’époque ici)

Une curiosité pour cette ville entièrement tournée vers les instances politiques. Contrairement à Los Angeles, New York ou San Francisco, DC ne dispose pas du réseau de salles ou de producteurs propres à faire connaitre ces groupes. Ni d’une grande tradition musicale (si l’on excepte des pépites comme Marvin Gaye ou Duke Ellington). Ignorés par les médias et coincés dans leur « trou », il ne leur reste qu’une solution: se débrouiller tout seul. Trouver un endroit pour répéter ou se produire, passe encore. Mais sortir des disques, c’est une autre paire de manches. Une tâche qui n’effraie pourtant pas Ian Mc Kaye et Jeff Nelson, ex membres du groupe Teen Idles.

Get up and go – Teen Idles

Déçus de ne pas avoir pu garder une trace du groupe, ils décident, à seulement 18 ans, de lancer leur propre label : Dischord. Avec l’argent mis de coté grâce à leurs concerts (et en cumulant les petits boulots), ils sortent en décembre 80 un premier LP de Teen Idles : Minor Disturbance.

Un album dont la fabrication constitue la meilleure illustration de leur philosophie. Artwork, pressage (1000 exemplaires, le minimum possible) : tout est réalisé par eux, de A à Z. Y compris les pochettes, comme le rapporte Alec Bourgeois, porte-parole de Dischord, dans un article de Joel Francis. Avec une pochette d’album dépliée en guise de modèle et un stock de carton, chaque album est fait main. La magie du « Do it yourself ».

Les disques se vendent par le bouche-à-oreille et ce premier essai permet à Dischord d’enchainer les productions. Géré par des musiciens, eux-mêmes impliqués dans la scène locale, le label attire les groupes locaux, heureux de pouvoir sortir leur album. Et ceci avec une liberté incomparable : chaque groupe peut partir quand bon lui semble. Car le but du label n’est pas d’enchainer des « coups » ou de trouver le groupe star qui permettra de leur assurer une retraite paisible.

Il s’agit plutôt de rendre compte, documenter, témoigner de la vitalité de la scène locale. « Placer DC sur la carte« , comme le rapporte Christopher Johnson sur NPR Music. Un objectif rapidement atteint, tant les talents en présence sont nombreux. En témoigne la compilation Flex your Head, sortie en 82 et symbole du « son DC ». Iron Cross, Youth Brigade, Government Issue, State of Alert : la scène a largement de quoi se défendre.

Rock n roll bullshit – Government Issue

Live for Now – Iron Cross

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Youth Brigade – Barbed Wire

Car la concurrence avec New York, sa voisine, est réelle. Ne pouvant plus jouer à Washington (les portes des salles de concerts leur étant fermées), Bad Brains explose au CBGB, poussant d’autres gamins vers le hardcore (Parmi eux, les futurs Beastie Boys). Et Big Apple de répondre avec la compilation New York Thrash chez ROIR la même année.

Il n’est alors pas rare d’assister à des affrontements entre les deux scènes lors de concerts où mosh et stage diving sont la règle. Henry Rollins, de State of Alert et futur chanteur de Black Flag, et Ian Mc Kaye ne sont d’ailleurs pas les derniers à s’y adonner. Mais 83 annonce un tournant pour DC. Minor Threat, le nouveau groupe de Mc Kaye et Nelson, termine son aventure. Formé en 1980 sur les cendres des Teen Idles, il a enchainé les morceaux ravageurs, devenant l’un des groupes phare du punk-hardcore. Et deux de leurs chansons auront un impact indéniable sur l’évolution de la scène : Out of Step et Straightedge.

Minor Threat – Out of Step

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Minor Threat – Straightedge

Don’t smoke/Don’t drink/Don’t fuck/At least I can fucking think (Out of Step).

I’m a person just like you/But I’ve got better things to do/Than sit around and smoke dope (Straightedge).

Des textes qui se placent dans la même logique que pour Dischord. Oui, il y a des choses plus intéressantes à faire que de se droguer : jouer, ou gérer un label. Faire quelque chose de sa vie. C’est ca être punk pour Mc Kaye. Et pas terminer la soirée la tête dans son vomi.

Mais ce qui n’était qu’une morale personnelle devient, avec le succès des morceaux et leur écho dans le public, un mouvement philosophique et musical : le straightedge. Une réponse au « sex, drugs and rock n’roll » qui a foutu en l’air une bonne partie de leurs ainés punks.

La position est inconfortable pour Mc Kaye : il devient le père d’un mouvement dont il n’a jamais voulu être le guide. Jouer pour des individus c’est sa drogue. Pas pour une foule qui se doit de suivre une mode, avec merchandising à l’appui, quelle qu’elle soit.

Void – Dehumanized

Cette limite à « l’esprit de scène », qui lorgne de plus en plus vers l’esprit de chapelle, va s’aggraver à partir de 1984. La plupart des groupes phares de DC se sont séparés, et l’énergie des concerts se transforme en violence. Point positif au niveau musical, le hardcore va se teinter de métal, faisant la réputation d’une ville comme New York. Mais c’est aussi l’époque où les skinheads d’extrême droite viennent pourrir l’ambiance.

La scène de DC tournait en rond, à l’image d’un circle pit. Il était temps de la réveiller avec un nouveau style, dont Embrace, et surtout Fugazi, autres créations de Mc Kaye, seront les précurseurs : le emocore. Mais nous verrons cela une prochaine fois.

Texte, illustration (à partir de l’album Bad Brains) : Gwendal
Photo : Clint JCL

Discographie sélective
- Un incontournable sorti en 2002, la compilation en 3CD 20 Years of Dischord. Je vous recommande de passer par Dischord pour vous l’acheter. A 16 $ contre plus de 30 sur Amazon, c’est une vraie affaire.

- Une autre compilation à avoir pour les amateurs de hardcore oldschool, The Year in 7″s qui regroupe les premiers albums de State of Alert, Teen Idles, Government Issue et Youth Brigade. A noter que la version CD comporte en plus des morceaux de Minor Threat. 10 $ le CD, 11 le vinyle.

- La compilation Flex Your Head mentionnée plus haut. 32 morceaux pour 10 $ environ.

- Minor Threat Complete Discography qui regoupe 26 morceaux. Pas de grosse différence de prix ici, comptez entre 12 et 13 $.

Liens
- Le site officiel de Dischord et un article (en anglais) de Ben Meyer sur le label dans le Guardian.

- Un site très complet sur Minor Threat et deux interviews de Ian Mc Kaye : un papier de Kyle Rian sur le site AV Club et une vidéo de Ian Svenonius pour l’émission Soft Focus.

- Sur la scène hardcore de Washington DC, vous pouvez vous rendre sur Banned in DC qui propose vidéos, interviews, flyers et infos sur les groupes. Et foncez regarder Capitol of Punk,  un « documentaire cartographique » réalisé par Christopher Allen, Kara Oehler, Jesse Shapins, Geoffrey Guinta, Nathan Phillips et Brian House.

Bonus
Deux morceaux par pur plaisir personnel : un inédit dub de Minor Threat (et dispo sur 20 Years of Dischord) et du State of Alert, parce que c’est Henry Rollins au chant et que les paroles ne sont pas sans rappeler un bon vieux Exploited.
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Minor Threat – Asshole Dub
http://centrifugue.fr/wp-content/uploads/2010/02/Public_Defender.mp3
State of Alert – Public Defender

Créé en 1983, Heimat-Los (Les Apatrides, en allemand) est considéré comme le premier groupe de punk-hardcore français. « Plus vite, plus fort », la devise est la même que pour leurs collègues américains.

Et le résultat est là : des compositions puissantes, riches en mélodie et au jeu de basse impressionnant. Leur talent leur vaudra une reconnaissance de la part des scènes punk américaines ou européennes. Plus de 25 ans après, il serait judicieux d’en faire de même en France, et l’un des meilleurs moyens reste de se procurer leur discographie complète, pour un prix défiant toute concurrence.

Edit : à regarde sur Youtube, une rareté avec cette vidéo de concert à Paris dans les années 80

Texte : Gwendal
Photos : Heimat-Los

Heimat-Los – La seconde nécessaire 1983-1988. 90 chansons (démos, albums, lives) et un livret de 24 pages. Disponible chez Ratbones Records, 7 € + 2€ de frais de port

Liens :
Site officiel du groupe
Site Myspace
Une démo 7 titres est disponible ici
Un article très complet sur l’historique du groupe est consultable sur le site Métalorgie

Né au milieu des années 80 au sein de la mouvance punk, alors que la vague punk-hardcore était à son top, le grindcore s’inspire plus particulièrement d’un sous-genre du punk : le crust. Initié par des groupes anglais comme Discharge ¹ ou Crass ² à la fin des années 70, le crust a ajouté à la vitesse et à l’agressivité du punk-hardcore des élements metal, en particulier des riffs de guitares très lourds. Outre-Atlantique, des groupes comme Siege, Repulsion ou DRI ont également initié ce mélange hardcore-thrash.

L’influence du crust se manifeste également dans les paroles des chansons, plus politisées et lorgnant vers la mouvance anarchiste. Menace nucléaire, pollution, sexisme, homophobie, droits de animaux, oppression sociale et policière sont autant de thèmes récurrents. Une vision sombre et réaliste, très loin de l’ironie des Sex Pistols, mais qui ne fait que refléter le rejet du reaganisme-thatcherisme triomphant de l’époque.

Le grind va se développer de manière très underground mais un groupe aura un impact indéniable dans sa reconnaissance : Napalm Death. S’il n’est pas, historiquement, le premier à jouer du grindcore, c’est lui qui va donner au genre une visiblité, par leur participation aux Peel’s sessions en 1985 à la BBC par exemple (et l’on ne remerciera jamais assez feu John Peel pour cela).

Si la paternité du terme est sujette à caution (Extreme Noise Terror peut être cité également), le batteur Mick Harris a de plus popularisé le terme de « grindcore » ainsi que l’utilisation du blast beat ³ qui va devenir une des bases du genre. Scum (1987), leur premier album, est à ce titre un incontournable : 30 minutes et 30 chansons (dont You Suffer, chanson la plus courte, 1,3 s, dans le livre Guinness des records !) pour une avalanche sonique jusqu’ici inédite. Avec plus de 25 ans de carrière derrière eux, des concerts à la pelle et une discographie impressionnante (un album tous les ans voire plus), le groupe est largement reconnu et respecté dans les scènes metal et punk.

C’est au début des années 90 que le grind va devenir « commercialement » reconnu, grâce au travail en amont d’un label comme Earache (fondé en 1986) ou plus tard de Relapse (fondé en 1990). Parmi les groupes de grindcore qui émergent à cette période, citons parmi les plus intéressants Brutal Truth ou Discordance Axis aux États-Unis, Nasum en Suède et, même si la reconnaissance est encore loin d’être la même, Inhumate ou Blockheads en France.

Proximité avec le metal oblige, le grindcore va multiplier les sous genres aux noms évocateurs (deathgrind, cybergrind, goregrind ou noisegrind). Mais le grind (tout comme le death metal) a su aussi dépasser son cercle de fans et les blast beats et autres chants hurlés ont déteint sur bien des groupes. La très grande technicité du grindcore a alimenté les compositions complexes des groupes de mathcore, comme Dillinger Escape Plan, ou les projets démentiels de Mike Patton (Fantomas, Peeping Tom ou Mr Bungle) qui empruntent au death et au grind .

Plus étonnant, les explosions grind s’adaptent également très bien au jazz-funk et à ses expérimentations, comme l’a prouvé John Zorn avec son groupe Naked City ou, plus récemment, des groupes comme Blast Muzungu, Cause for Effect ou Dynamite Club. Et s’il reste parmi vous des irréductibles qui ont encore en sainte horreur les guitares saturées, bénissez les Suisses de Nostromo (groupe malheureusement disparu) qui, avec l’album Hysteron – Proteron, vous refont leurs chansons en acoustique. Plus d’excuses donc pour headbanger !

Morceau bonus tiré de l’album Ecce Lex de Nostromo sorti chez Overcome Records (je n’ai malheureusement pas le nom de la chanson Edit : c’est donc Epitomize – merci à Zac ! – dont la version originale, sur l’album Eyesore, est écoutable ici)

Dessin, texte : Gwendal

Pour aller plus loin :

Un autre petit historique du grindcore (en anglais)

Un livre incontournable (dont nous reparlerons dans notre prochain article consacré au death metal), Choosing Death : The Improbable History of Death Metal and Grindcore de Albert Mudrian et préfacé par John Peel (encore lui !). A lire également, un article du journal The Village Voice consacré au livre.

Il existe sinon de nombreux webzines, la plupart consacrés aussi bien au grindcore qu’au death metal. En français, les sites généralistes sur le metal comme Métalorgie ou Zone métal (avec une partie liens très fournie) offrent de très bonnes bases pour découvrir le genre mais n’hésitez pas à vous rendre sur Terrorizer, Grindgore ou Grinding the Apparatus pour affiner vos choix.

Quant à vos achats, en dehors de l’incontournable Earache, mentionnons le label français Bones Brigade qui a édité de très bons groupes français comme Inside Conflict ou Sylvester Staline, les Belges Leng Tch’e ou les Suisses de Mumakil (avec des anciens membres de Nostromo).

Avant de parler de ton émission, peux-tu nous en dire en peu plus sur toi et ton parcours ?

Mike : Et bien j’ai 34 ans et je suis originaire de Caroline du Nord. J’ai grandi à Durham qui, à l’époque, était une petite ville mais s’est agrandie depuis. J’ai terminé mes études au lycée [graduation] là-bas puis je suis parti à l’université d’Etat de Caroline du Nord. J’y ai passé trois années avant que, au vu de mes efforts, je comprenne que cela ne servirait à rien. J’ai alors arrêté mes études à la fin de la troisième année et déménagé à Savannah, en Géorgie. J’ai vécu la bas quelques années avec des amis puis je me suis installé à Athens, où je vis maintenant, ce qui a permis à ma compagne de suivre les cours à l’Université d’Etat de Georgie.

Après son diplôme, nous avons décidé de rester dans cette ville, à laquelle nous sommes très attachés. Depuis le lycée j’ai fait un certain nombre de petits boulots pour subvenir à mes besoins. Cela va faire désormais 10 ans que je travaille dans un magasin de photocopies assez connu à Athens. Ce n’est pas vraiment ce que l’on peut appeler une « carrière » mais cela me permet de gagner suffisamment d’argent pour profiter des choses qui me tiennent à coeur, et c’est l’essentiel.

Quand as-tu commencé à écouter du punk et du hardcore, et comment as tu découvert ce style de musique ?

J’ai découvert la scène punk-hardcore au lycée. Cela remonte au début des années 90 – je devais avoir 15 ans environ. Je me rappelle de la fois où notre école a accueilli ses premiers « punks » et j’ai tout de suite été intrigué par eux. J’étais d’ailleurs moi aussi un peu en dehors du groupe, à la différence que je n’avais pas de ligne de conduite particulière. Un ami connaissait ces personnes, aussi j’ai commencé à passer mon temps avec eux. Ils m’apportaient des cassettes et m’expliquaient où je pouvais trouver des disques, ils étaient très au fait de la scène musicale.

Peux-tu nous expliquer pourquoi tu t’es intéressé à cette musique plutôt qu’à une autre ?

Avant de les rencontrer j’écoutais déjà du heavy metal, la transition vers le punk et le hardcore n’a donc pas été trop dure. J’ai toujours aimé la musique rapide – Metallica ou Motörhead par exemple – et le hardcore se plaçait tout à fait dans cette continuité. Je suis devenu très rapidement ce que l’on peut appeler un « accro », achetant des disques et amassant le plus de musique possible. Cela a représenté jusqu’à 600 LPS [Long play, équivalent du 33 tours], 750 7 inches [équivalent du 45 tours] et environ 1500 CD. Malheureusement, à la fin des années 90, j’ai vendu une partie de ma collection, ce que je regrette toujours. Désormais je garde presque tout et ne me débarasse de certains qu’à regret.

J’aime toujours écouter du métal, notamment quand il est teinté de hardcore, mais la vitesse et l’agressivité prodigieuses du punk et du hardcore m’ont véritablement enthousiasmé. Quelque chose m’empêchera toujours de rester de marbre face à cette musique, quand bien même nombre de gens pensent que ces groupes sonnent toujours pareil ou « ne font que du bruit ». Je pense que cela vient de toute l’énergie, la rage et la passion qui y sont incorporées. Pour la plupart des groupes de punk DIY [Do it yourself,  « faire soi-même »],écrire, enregistrer, tourner, tout en réussissant à vivre à côté, représente une immense somme d’efforts et je pense vraiment que l’on peut le ressentir dans leurs musiques.

Qu’est-ce que t’apporte cette musique ?

Beaucoup de choses : faire sortir toutes les tensions et les frustrations emmagasinées, le plaisir que me procure le son, la camaraderie et les affinités que j’ai tissées avec mes amis de la scène punk-hardcore, un certain sens de la communauté. Tout cela me revigore et renouvelle pour mon intérêt pour elle. Pour faire simple, la musique me fait rester jeune à l’intérieur.

Quand as-tu commencé à diffuser tes émissions sur internet et pour quelles raisons ?

J’ai réalisé mon premier épisode d’All Go No Slow (AGNS) en août 2005. L’idée m’est venue quand j’ai acheté mon premier iPod. Je me suis procuré un encodeur pour convertir mes albums en MP3 afin de les mettre sur mon baladeur. J’étais, et d’une certaine manière je le suis toujours, obsédé par la volonté d’amasser le plus de musique possible sur mon iPod.

Quand j’en suis arrivé à la moitié de ce travail d’enregistrement et de classement, j’ai entendu parler des podcasts – des émissions radio sur internet, pour résumer. Cela m’a intrigué et j’ai commencé à chercher des émissions produites par cette communauté grandissante et susceptibles de m’intéresser. Mais aucune ne diffusait le genre de musique qui m’attirait.

L’idée est alors venue de ma femme qui m’a dit : « Je te parie que tu pourrais faire ton propre podcast avec tous ces MP3 que tu as encodés ». Tout est parti de là. J’ai fait des recherches sur Google pour savoir comment ces émissions étaient réalisées, quel était l’équipement nécessaire, où je pouvais héberger mes fichiers, etc. Après avoir passé une semaine à faire le tour de la question, j’ai acheté un microphone et je me suis jeté à l’eau.

Avais-tu une expérience dans la radio auparavant ?

Je traînais à coté d’une station de radio durant le lycée. J’ai suivi des leçons afin de pouvoir faire de l’animation. Je n’ai pas réussi à avoir ma propre émission mais j’ai fini par me lier d’amitié avec la personne qui s’occupait de l’émission punk sur le campus. Celle-ci commençait à deux heures du matin, j’amenais des albums et je m’occupais avec lui des premiers enchaînements. Il m’a ensuite permis de réaliser moi-même l’émission à plusieurs reprises.

Cela fut ma seule expérience radio. J’ai compris alors – et j’en suis toujours conscient -  que je ne suis pas vraiment un bon animateur d’émission. Pour moi, c’est la musique qui doit accrocher les gens. Et je fais en sorte que mon podcast soit axé autour de la musique, et non pas de l’animateur.

Est-ce que cette émission te fais gagner l’argent (ou en perdre) ?

AGNS ne m’apporte aucun revenu. Il y a juste quelques menues dépenses – 10 dollars par mois pour l’hébergement et d’autres factures pour du matériel afférent. En dehors de l’équipement que j’avais déjà acheté pour encoder mes vinyles, j’ai dépensé 30 dollars pour un micro et c’est tout. Une autre dépense qui pourrait s’ajouter concerne l’achat de nouveaux albums que je passe dans l’émission, cependant je les aurais de toute façon achetés. L’émission de radio me donne en fait une excuse pour en acheter encore plus !

D’où vient le titre de ton émission ?

« All Go No Slow » est l’un des premiers noms qui m’est venu à l’esprit et il me semblait le plus approprié pour l’émission que je voulais créer. Je souhaitais un titre qui évoque immédiatement le genre de musique que j’allais passer. De plus, c’est la philosophie qui sous tend cette émission, j’ai en effet beaucoup de réticence à diffuser de la musique lente ou mid-tempo. Je continue d’ailleurs à réfléchir à deux fois quant au choix des chansons, afin qu’elles s’insèrent le mieux dans la continuité de l’émission.

Sinon le titre en tant que tel a deux origines : une compilation CD de groupes de Minneapolis (Minnesota) sortie dans les années 90 est intitulée No Slow… All Go. Ce titre est resté gravé dans mon esprit. Et une chanson du groupe Bones Brigade, All Go No Slow, qui convenait si bien que j’en ai d’ailleurs pris un extrait pour débuter l’émission.

As-tu eu des retours de la part des auditeurs quand tu as commencé ton émission et y a t-il eu une évolution de ton public ?

Quand l’émission a commencé, j’ai eu des commentaires enthousiastes et de bons retours de quelques auditeurs. Je me suis également rapproché d’autres personnes qui produisaient des podcasts, et certains émissions dans le même esprit que la mienne ont commencé à apparaître à cette époque. On ne peut pas vraiment dire que j’ai tissé des liens très étroits avec les auditeurs, du moins pas autant que je l’aurais voulu. J’ai reçu des commentaires par ci par là, et j’ai même rencontré certaines auditeurs qui sont devenus de vrais amis, mais l’essentiel des gens écoute mon émission de façon anonyme.

D’après les statistiques de mon serveur, 300 personnes sont à l’écoute chaque semaine, et sur ce total, je dois avoir 1 à 2 commentaires. Mais c’est quelque chose que je peux tout à fait comprendre. Moi même je suis souvent trop occupé pour fouiller chaque site sur lequel je surfe. Je pourrais probablement accroître mon audience en me faisant connaître par le bouche-à-oreille ou la publicité, mais je pense que les gens qui tombent sur mon émission apprécient ce côté la. Si ténue que soit la relation entre les auditeurs et moi, de temps à autre je reçois un commentaire particulièrement enthousiaste, et c’est ce genre de message qui suffit à entretenir mon intérêt et ma motivation à faire de nouvelles émissions.

Quelles ont été les réactions des groupes dont tu as diffusé la musique ?

Jusqu’à maintenant, les groupes ont tous réagi de façon positive. Aucun d’entre eux ne m’a posé de problèmes, et la plupart qui ont entendu leurs morceaux passer dans l’émission m’ont manifesté leur reconnaissance. Je reçois d’ailleurs des CD promo et des MP3 afin de les diffuser dans l’émission et, quand ceux-ci me paraissent appropriés, je les inclus dans l’émission, en général en ajoutant une dédicace à leur intention.

Peux-tu nous expliquer à quoi ressemble une de tes émissions ?

Concernant AGNS il y a pour ainsi dire deux types d’émissions : une programmation normale, sans fil conducteur particulier, à l’image de ce que l’on entend dans une émission classique de radio. Et il existe aussi des émissions à thème. Cela peut être le style musical, des similitudes entre groupes, voire même des paroles de chansons traitant d’un sujet commun [comme la très bonne émission consacrée à Ronald Reagan]. Ou tout simplement un délire, comme celle composée entièrement de chansons de groupes comportant « No » dans leur nom. Dernièrement j’ai commencé à faire des émissions consacrées à des maisons de disque spécifiques, toutes les chansons de l’émission étant issues d’un seul label. J’espère que, d’une certaine manière, cela apporte à l’émission une valeur informative, tout en restant agréable à écouter.

Comment décides-tu de la programmation ?

En général, ce sont les émissions normales qui me donnent le plus de fil à retordre. D’habitude je construit le déroulement de l’émission durant la semaine, écoutant mon iPod sur mode aléatoire lorsque je suis au volant, devant mon ordinateur ou quand je cuisine. Je sélectionne alors les chansons qui sortent du lot. J’essaie également de me servir de matériels récents – des disques que je viens d’acheter ou venant d’être édités – ou tout simplement des chansons que je veux écouter à cet instant. J’essaie autant que possible que le déroulement de l’émission soit le plus fluide, c’est ce que je garde toujours à l’esprit. Quand j’écoute de la musique désormais, c’est un peu comme si je faisais déjà une sélection des morceaux pour mon émission.

Les émissions à thème sont plus faciles à faire d’habitude. Une fois que j’ai décidé du sujet, les chansons viennent d’elles-mêmes. Trouver de nouvelles idées est devenu en revanche un défi. Je dois approcher désormais des 100 émissions de ce type et trouver de nouveaux thèmes n’est pas simple. Heureusement, je reçois des suggestions de la part d’auditeurs ou d’amis, ce qui me facilite la tâche.

Et pour l’enregistrement, comment cela se passe t-il ?

Enregistrer est souvent la partie la plus simple. J’utilise un logiciel audio pour importer les MP3 sur une « time-line », puis j’enregistre mes interventions à part et je les place aux endroits souhaités. Enregistrer ces parties peut devenir ennuyeux, n’étant pas un animateur sûr de moi. Une fois que l’ensemble de l’émission est monté, avec chansons et commentaires, je n’ai plus qu’à exporter le fichier au format MP3 et à l’uploader sur le serveur, de manière à ce que le public puisse le télécharger ou l’écouter en streaming sur la web radio du site ou sur Myspace.

Est-ce que tu penses qu’Internet a aidé le punk-hardcore à se faire connaître ? Et, plus généralement, as tu vu un changement de perception de ce genre musical depuis que tu as commencé tes émissions ?

Connaissant cette musique et cette sous-culture depuis plus de 15 ans maintenant, je me rends mieux compte désormais, grâce à Internet, de l’immensité de cette communauté. Avant internet, on avait seulement une vague idée du nombre de jeunes impliqués dans cette scène, du nombre de groupes ou de concerts se déroulant dans des salons ou des sous-sols. Ces aperçus provenant de fanzines, comme Maximum Rock’n Roll [l'un des fanzines punk les plus reconnus aux Etats-Unis] ou d’autres plus petites parutions.

Internet a permis de connecter entre elles toutes ces poches de gens qui avaient les mêmes centres d’intérêt, et cela a réellement créé des dynamiques que je n’aurais jamais pu envisager. Je n’aurais jamais pu penser par exemple pouvoir écouter des groupes comme ceux diffusés sur AGNS sur une radio ou un autre média de masse. Il y a des communautés entières de blogs musicaux qui mettent à disposition des musiques oubliées ou qui ne sont plus éditées, et les nouvelles générations n’y auraient jamais eu accès sans cela.

Des émissions radio sur internet comme AGNS, Radio Schizo, MRR Radio, State Control ou d’autres, même si elles n’ont probablement pas agrandi l’audience du punk et du hardcore, ont en revanche permis de faire connaître de nombreux groupes, anciens ou nouveaux.  Et j’espère qu’AGNS joue en partie ce rôle d’information auprès de la communauté punk et hardcore.

Pour terminer cette interview, pourrais-tu, pour ceux qui voudraient découvrir le punk-hardcore, nous citer 5 groupes que tu considères comme incontournables ?

Cinq indispensables ? Bon, ce n’est que mon avis mais le voici : Bad Brains, Minor Threat,The Circle Jerks, Black Flag et MDC. Ce sont ces groupes qui m’ont accroché dès le début et qui m’ont donné envie de découvrir le hardcore et tous les autres groupes.

Et à quand une émission dédiée au punk-hardcore français ?

*Rires* [cela fait un moment que je le harcèle à ce sujet]. Cela n’est pas encore programmé mais j’y travaille. J’essaie pour le moment d’engranger du matériel tout en travaillant sur les émissions à thèmes. J’ai encore beaucoup d’émissions à arranger mais celle consacrée à la France viendra bientôt, j’en suis sûr !

Edit : Mike a tenu parole est c’est ici que ca s’écoute, avec au programme Les Thugs, La Fraction ou Heimat Los

Propos recueillis par Gwendal

Photos et flyers : Mike d’All Go No Slow

Jason Köhnen, alias Bong-Ra, est un musicien hollandais, originaire d’Utrecht. Ses premier pas dans la jungle commencent en 1996 mais il va très vite puiser dans d’autres styles (gabber, jazz, rave).

Après la sortie de trois disques sur Djax Records, la reconnaissance va venir en 2001 avec sa participation aux mythiques John Peel’s Session sur la BBC. Il participe également à la bande originale du film Bikini Bandits, hommage déjanté aux films de Russ Meyer.

Avec des DJ comme Parasite, Enduser ou Shitmat, Bong-Ra devient une des têtes de file de la scène breakcore. Un style inspiré du hardcore ou de la jungle qui permet, par son caractère destructuré, bancal, une assimilation de nombreux instruments et genres comme le rap, le reggae ou le rock.

Témoin de ce mélange continu, l’album Full Metal Racket où Bong-Ra n’hésite pas à puiser dans sa jeunesse, quand il jouait de la batterie et de la basse dans le groupe de doom-métal Celestial Season. Hyperactivité des samples et séquences hypnotiques, ironie et noirceur imbriquées, Bong-Ra nous invite à un free-party en enfer. Au plus profond de la terre, grâce à des sons empruntés à Bolt Thrower, Napalm Death, Carcass ou Slayer. Du grind, du death, du thrash. Ca va vite (voire très vite), c’est lourd et la batterie associée aux machines donne des résultats redoutables.

Alors, certes, il conviendra de signaler aux amateurs de valse que passer au breakcore et ses rythmiques diaboliques risque d’être un tantinet radical, mais la créativité dont fait preuve Bong-Ra mérite de loin ce petit effort.

Liens : Site personnel (très complet, avec de nombreux mixes téléchargeables et achat en ligne) et Myspace

Non, Rassurez vous, cette image n’a rien à voir avec un remake de L’attaque de la Terre par les hommes pieuvres, il s’agit seulement de Drumcorps en pleine représentation.

Né dans le Massachussets, Aaron Spectre (un de ses autres pseudos), après avoir joué dans des groupes de punk-hardcore à l’âge de 16 ans, découvre la jungle et la drum and bass lors de son arrivée à New York en 1999. Il se rend ensuite en 2003 à Berlin, où il débute la production de vinyles. Ces derniers remportent un grand succès et Aaron Spectre enchaîne les concerts.

En 2004, le concept de Drumcorps émerge. Pas de nouveau membre à l’horizon mais un projet parallèle, avec des morceaux beaucoup plus enervés et des prestations originales, combinant parties électro et riffs puissants joués en direct.

Torturée (avec l’utilisation du chant hurlé), rugueuse, la musique de Drumcorps emprunte beaucoup aux expérimentations du post-hardcore (Children, Shora, Ananda). Dissequés et recomposés par ce nouveau Dr Frankenstein, les morceaux originaux gagnent une nouvelle énergie, procurant le même direct à l’estomac que lors de leur première écoute.

Liens : Site personnel avec également des mixes téléchargeables et Myspace

Afin de se remettre de ses émotions, une composition de l’alter-ego de Drumcorps, Aaron Spectre. Un bon vieux riddim à la sauce breakcore :

Dessin, texte : Gwendal
Photos : S.alt (Bong-Ra) - Marco Reckmann (Drumcorps)

En bonus, pour les inconscients et ceux qui n’ont pas encore d’acouphènes, une reprise par Bong-Ra d’un classique du groupe de death metal anglais Bolt Thrower,Cenotaph :

Parce que j’avais un dessin à (re)faire, un autre sujet essentiel dont je souhaitais causer. Ou une envie subite de s’enquiller des comédies françaises des années 80. Mais j’ai finalement fait un gros travail sur moi-même pour extirper cette tendance à la procrastination. Grâce entre autres à l’utilisation astucieuse de l’actualité, à savoir la sortie de leur nouvel album, Descente aux enfers.

Mais pourquoi donc Tagada Jones, me direz-vous, chers lecteurs dont je discerne l’étonnement sur vos doux visages ? Et bien pour plein de choses mes enfants : parce qu’il réveille le punk qui est en moi. Parce qu’il flatte ma fierté totalement accidentelle n’être né en Bretonnie. Parce que leurs morceaux m’accompagnent à chaque nouveau grand dessin.

Et surtout parce que Tagada Jones démontre, depuis sa création en 1993, qu’il est possible de tracer sa route hors des sentiers battus. En optant pour le plaisir de la création plutôt que la recherche de renommée, même s’il faut pour cela bouffer de la vache enragée. Ceci dit, à voir les réponses de Niko, chanteur de Tagada Jones, ca a l’air d’entretenir la forme.

Et tout ceci, mes amis, ca donne envie de s’en inspirer.  Et j’espère que ce sera le cas pour vous également, en lisant cette interview de Niko, chanteur et guitariste de Tagada Jones. Foooooooooaaaaaaa ! ¹

Pascal (guitare), Seb (basse), Job (batterie) et Niko (chant, guitare), le nouveau line up de Tagada Jones. (Y a pas à dire, la pose en contre plongée et l'air sérieux, c'est définitivement la classe)

Toujours à l’affût de l’actualité (journalisme total oblige), je viens de voir que votre nouvel album, Descente aux enfers, venait de sortir le 26 septembre. Est-ce que vous pouvez nous en dire en peu plus, que cela soit au niveau musical ou à propos de l’histoire de votre mascotte, apparue (si je ne m’abuse) avec l’album Manipulé  ²?

Niko : Salut Gwen, alors tout d’abord niveau musical, ce disque est un retour aux morceaux bien énergiques ! On passe toujours au crible du punk, du hardcore et du metal, un peu moins d’electro, mais il y en a toujours un peu.

Reportage en studio à l’occasion de la sortie du nouvel album. A noter que l’album a été enregistré à Lille chez Stéphane Buriez, ingénieur son et fondateur du groupe de thrash-death metal Loudblast.

Les tempos ont augmenté d’environ 10 à 20 BPM par rapport au disque précédent ³. On se rapproche donc plus de l’énergie des albums L’envers du décor ou Le feu aux poudres. L’arrivée de Job, notre nouveau batteur, y est pour beaucoup. En plus on est retournés à une prise de son « live », ce qui change vraiment beaucoup de choses à mon goût.

Quant à notre mascotte, c’est vrai qu’elle ne nous quitte plus… Finalement on l’aime bien ! Cette fois, il y a vraiment un côté fiction romancée, puisque notre personnage est mis en scène tout au long du disque. Les morceaux se succèdent et illustrent une tranche de vie entre 20 et 30 ans. Je n’en dis pas plus et vous laisse découvrir le concept sur l’album.

Que ce soit par le nombre de concerts, les pays traversés, votre approche musicale (un punk très sec au départ qui s’est enrichi, au fur et à mesure des albums, avec des influences electro ou metal) ou vos interviews (que vous semblez accorder sans trop de chichis :) ), le concept de rencontre semble vous tenir à coeur. Est-ce cela qui vous permet de continuer « envers et contre tout » ?
C’est clair, nous venons de la scène « live » ! Ce qui nous anime toujours c’est d’aller à la rencontre du public. On ne fait pas de la zik pour montrer nos gueules à la télé ou encore raconter des banalités sur des radios commerciales. Contrairement à beaucoup de nos confrères, on ne s’est jamais pervertis. Notre seul plaisir reste de voir du pays, de rencontrer des gens, de jouer devant 5, 500 ou 15.000 personnes, peu importe. L’essentiel étant de partager un bon moment ensemble.

Je crois que le groupe durera aussi longtemps que l’on prendra du plaisir sur scène. Dès que cette source sera tarie, il ne nous restera plus qu’à jeter l’éponge.

Star System, tiré de l’album L’envers du décor, avec Gus au chant (qui est parti, à mon grand regret, vers de nouveaux horizons mais continue dans la musique sous le nom de Bionik Dread. Vous pouvez également retrouver un de ses morceaux sur la compilation KrashWatt 1)

Vous autoproduisez vos albums avec le label Enragés Production. Est-ce que vous pouvez nous expliquer comment s’est créé ce label, ainsi que les avantages (ou les inconvénients) que vous trouvez par rapport à la signature chez une major ? Est-ce un choix délibéré ou une obligation de fait pour un groupe de « musique amplifiée » (metal, punk, hardcore) ?
Moi et Séverine, on a créé le label en 1996, pour le premier album de Tagada, Plus de bruit. Dès le début du groupe nous avons voulu être 100% indépendant, il n’était pas question de signer sur une major ou un gros label. Bon ça tombait bien, la musique que l’on faisait ne les intéressait pas non plus ;-) …

Par contre quelques années plus tard, nous avons reçu des offres que nous avons déclinées, pas question de changer de cap ! Au moins, en étant 100% indé, on fait ce que l’on veut, y’a pas de censure, pas d’objectifs de ventes et encore moins de pression du label pour pondre un titre formaté radio ! Il a fallu tout faire sans argent, sans moyen, sans énorme campagne promo, mais au final on est toujours là !

Pour répondre au dernier point de ta question, je dirais que lorsque qu’on a commencé c’était vraiment un choix délibéré de notre part. Par contre, de nos jours, c’est presque devenu une obligation pour les nouveaux groupes énervés.

J’ai eu l’occasion d’interviewer il y a quelques temps Bruno Dohelguy, chanteur du groupe de metal Killers. Connaissez-vous ce groupe, l’appréciez-vous ? Et vous retrouvez-vous dans son parcours ?
Alors non, mais il est vrai que ma culture est plus punk / alterno et que, vu mon âge, j’ai commencé à accrocher sur la zik une bonne dizaine d’années après le début de Killers… Mais je ne demande qu’à connaitre. (Ce que je vous recommande de faire, cher lecteurs, en cliquant sur le lien un peu plus haut)

Hasard du calendrier, Mass Murderers, fleuron du punk breton des années 90 et étendard du label Mass Prod, se reforme à l’occasion du Second Round Fest, le 7 octobre, à L’Antipode, à Rennes. L’occasion d’admirer Laurent au chant, qui a autant de rage que Wattie d’Exploited.

Entre le défunt label Overcome Records  ⁴, Mass Prod ⁵, votre label, la scène brestoise aux alentours de 2000 (Voir à ce sujet le reportage Brestorming) ou un groupe comme Les Ramoneurs de menhirs, la scène punk en Bretagne semble vivace. Est-ce que voyez des raisons particulières à cela ? Ou est-ce simplement dû à un bretono-centrisme de ma part ? :)
Je crois tout simplement que la Bretagne est une région assez dynamique, et que les Bretons sont certes têtus mais aussi motivés… Du coup, ça bouge pas mal ici. Je dirais qu’outre quelques groupes ou structures à part, on se sert bien les coudes et forcément ça aide ! A titre d’info, on a bossé et on continue de bosser avec tous les acteurs que tu sites, l’union fait la force !

Une chanson protestataire italienne adaptée en breton avec grattes électriques, biniou et bombarde, c’est possible. Et c’est ce que j’aime dans cette région.

Suite à une interview avec Mike, qui anime l’émission Thematics Radio, je me suis permis de proposer un de vos morceaux pour une playlist spéciale musique française. Me pardonnez-vous pour cet emprunt et, plus généralement, comment vous positionnez-vous à propos d’internet et de la diffusion des oeuvres d’art ?
100% indés, on vient des milieux indépendants et alternatifs, alors de quoi pourrait on t’en vouloir de nous aider à diffuser notre musique ? Il n’y a que les labels d’avant-guerre qui continuent à pester sur internet, il faut savoir vivre avec son temps. Non seulement nous ne t’en voulons pas, mais en plus on encourage quiconque à le faire !

Terminons cette charmante interview par une petite série de questions pointilleuses mais essentielles :

– Avez-vous d’autres projets de collaboration avec Rotator ou d’autres artistes venus d’horizons musicaux autres que le punk ?

On à toujours plein de projets ! Rien en vue pour le moment avec Rotator, car depuis qu’il a fermé sa boutique à Rennes, on le voit un peu moins. Mais en tout cas l’idée de collaborer avec des univers différents nous intéresse toujours autant.

- Le thème de la psychiatrie revient souvent dans vos chansons. Pourriez-vous nous expliquer la raison ? Est-ce le résultat d’une lecture intensive de Surveiller et punir de Michel Foucault (voir la vidéo plus bas) ou d’un visionnage d’Akira ? :)
Héhé, non je crois tout simplement que c’est un sujet qui nous interpelle car on se sent vraiment à l’écart de la société. Où est vraiment la limite entre la folie et la marginalité ? La plupart des clichés qui définissent les critères de la « Normalité », on les emmerde royalement. Alors serons-nous internés d’ici quelques années ? Avec les politicards actuels, il faut s’attendre à tout…

- Vous souvenez-vous de La leçon tagadesque (morceau à écouter plus bas), interlude qui se trouvait dans la compilation punk Ils repasseront par chez vous (produite par les Skalopards anonymes) ? Et savez-vous qui s’était occupé du génial travail de montage de cette compilation, farcie d’extraits de films cultes ⁶ ?

La lecon tagadesque – extrait de la compilation Ils repasseront par chez vous

(Je suis désolé mais mon lecteur audio sur WordPress déconne complétement en ce moment. Je mets du coup à disposition le fichier audio par défaut, en espérant que cela ne vous empechera pas de vous procurer, légalement cette fois, cette compilation)

Alors, on connait bien les Skalopards et c’est clair qu’on a bien rigolé à l’écoute de ce jingle. Maintenant que tu me le demandes, c’est vrai qu’on a même pas posé la question, je pense que Marc, Plume et Kazim devaient être de la partie, mais je ne peux pas l’assurer… Bon, ben je donne ma langue au chat… ⁷

- Voudriez-vous ajouter quelque chose ? Un thème que je n’aurais pas abordé, un bonjour aux (nombreux) lecteurs de Centrifugue ou une idée d’article pour la rubrique bwitologie  ⁸ de ce site ?

Pas grand chose, je te remercie pour cette interview de qualité, on ne nous pose pas toujours des questions intéressantes… Merci aussi à tous les lecteurs, et longue vie a vous tous ! Kenavo et peut être à bientôt sur scène !

Si je prends la même claque que lors de mon concert à Brest, je n’y manquerai pas :) Et un grand merci à Niko et Séverine pour leur gentillesse et le temps accordé pour cette interview !

Reprise de Vive le feu, à l’occasion du Bal des Enragés, avec entre autres Tagada Jones, Parabellum et Lofofora. Une autre idée de la musique en France

Propos recueillis par Gwendal

Logo de l’article à partir de la pochette de Descente aux enfers et photo de Mathieu Ezan 

Descente aux enfers, le dernier album de Tagada Jones, est disponible en magasin ou sur le site d’Enragés Prod, pour la modique somme de 12 euros.

C’est l’été, il fait beau, chaud ¹, on réunit les potes et on sort le barbecue (alias BBQ pour les initiés). Comme vous êtes en bonne compagnie, c’est le moment de faire péter la playlist de saison, celle que vous avez préparée depuis des mois, la bien nommée « BBQCore ».

Le quoi ?! le BBQcore ! Vous savez, ce doux son qui mélange le sludge, un peu de psyché par moment, ou alors de la pop, et le tout saupoudré de grindcore. Bref, un truc bien gras, couvert de sauce qui s’écoute à 35°C à l’ombre, avec des bières et une bonne côte de porc.

Le groupe qui représente le mieux ce style n’est autre que Scissorfight. Groupe signé chez Tortuga Records, un label lié à HydraHead (et donc sous la coupe d’Aaron Turner, monsieur Isis, Greymachine, Jodis, House of Low Culture, etc.).

Et pour découvrir le style, quoi de mieux qu’une bonne playlist ?

Scissorfight – Acid for Blood

Big Business – Easter Romantic

Sleep – Dragonaut

Kyuss – El Rodeo

Note de Gwen : Oups, non, pas ca en fait.

Graveyard BBQ – BBQ nation

Zoroaster – Spirit Molecule

Buzzov-En – Shove

Thrones – Django

Mogwai – Sweet Leaf

Master Musicians of Bukkake – People Of The Drifting Houses

Et comme disait le sage : « Tant qu’y a d’la braise, c’est pas fini« . Aussi, vous pouvez également adjoindre ces quelques épices pour terminer la soirée :

Howl – Heavenless

Black Tusk – Red Eyes, Black Skies

Texte : Franck

Dessin : Gwendal

Note de Gwen : Et toute l’équipe de Centrifugue et de Tirnanog se joint à moi pour souhaiter un bon voyage à l’ami Franck qui part sur les traces d’Hunter S. Thompson. Nul doute qu’il découvrira à cette occasion d’autres techniques pour améliorer encore son art du BBQ. Kenavo ar wech all !

Et, comme Stévène, j’ai une de ces pêches, du genre à fredonner du Michel Legrand :

« Quand je s’rai célèbre j’me f’rai des meuuufs hmmmmm, je f’rai des fooliiies ! »

Mais foin de plaisanterie de bon aloi, et place au round 5 de cette battle de l’été dont le thème n’est autre que la classe (américaine).

J’avoue avoir haussé un sourcil à l’écoute du morceau de Moyenman. Est-ce donc cela la classe West Coast ? Ménélik est-il donc le godfather de la classe californienne ?

Soyons sérieux.

La voici la vraie classe (américaine) :

C’est subtil, c’est envoutant, ca fait pousser des ailes. Et, à 1,28 mn, tel  Mohamed Ali se jouant de Sonny Liston,  je décoche une rafale sonique au foie de Moyenman qui s’écroule,  terrassé. Tandis que votre serviteur fait quelques saltos dignes de HR pour fêter ca.

Et je remercie au passage le professeur Manatane pour son entrainement physique top niveau qui m’a permis de faire hurler mon corps dans ce round 5.

Quant à vous chers lecteurs, votez pour moi (en commentaires ou sur Facebook, si tant est que nous nous connaissions).

Votez pour l’évidence !

En vous remerciant

Texte, dessin : Gwendal

Grand rivale de Washington DC au début des années, New-York, si l’on veut schématiser, a une approche plus concrète du hardcore. Celle du béton, du bitume et des seringues.

Fin 70 début 80, la vie à new-yorkaise est en effet loin de celle de la banlieue proprette de Washington DC. La rue est dangereuse, brutale. Et ce n’est pas John Joseph, chanteur des Cro Mags, qui dira le contraire. Lui qui a connu les squats, la rue, le deal, j’en passe et des meilleures. Pour ceux qui veulent en savoir plus, je vous conseille cette interview sur Writer’s Block  et l’excellentissime documentaire American Hardcore de Paul Rachman et Steven Blush ¹

Forcément ca se ressent dans le son. Niveau vitesse, pas de grand changement ² : à Washington DC comme à New York on fait du toujours du punk-hardcore. Mais avec Cro Mags on vire dans le lourd, l’oppressant en s’inspirant d’un autre courant en vogue à l’époque : le thrash metal.

Mais foin d’analyses tarabiscotées, passons au son. C’est court, c’est intense, c’est plein de rage. Et l’on a même le temps de se rendre compte que la chanson est terminée qu’on se retrouve le nez ensanglanté contre le bitume froid de New-York. Comme mon confrère Moyenman à la fin de ce deuxième round (Après avoir voté en commentaire ou sur Facebook, si d’aventure vous faites partie de nos connaissances respectives)

Dessin, texte : Gwendal